Nueva era

Nueva era

El advenimiento de un nuevo año marca el inicio de una nueva era. Cambiemos junto con el tiempo y que continúe siempre la búsqueda de nuevos horizontes y nuevas direcciones en nuestra visión y en nuestra mente.

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Mil gracias a todos los que han visitado, leído y compartido el blog en estos últimos meses. Es mi agrado anunciar que a partir de hoy, La Escena regresa a su programación usual: una nueva reseña cada viernes. Que el 2013 sea un año de nueva música, nuevos lanzamientos, más toques, más difusión, nuevas bandas y nuevos rumbos. Mantengamos viva la escena musical independiente! Saludos y bienvenidos de nuevo.

Cósmica - Autómata

Cósmica 

Autómata 
Lanzamiento independiente
2011

Sitio oficial: cosmicaproject.com 

( 9.1 ) 

Cósmica no debería representar un hallazgo reciente para muchos de ustedes, pero sería imprudente y bastante insensato de mi parte asumir ciegamente lo anterior con tal de hacer a un lado contexto e historia de este grupo y proseguir directo a la reseña de la música de "Autómata" en mi ansiedad por tratar de describir de la mejor manera y en el mayor de los detalles lo que pienso de este disco. Mi impulso sigue latente, pero no será posible hacerlo, me doy cuenta, sin antes dedicar unas palabras a introducir el pasado y presente de Cósmica, aún si sea sólo para evitar el riesgo de caer en falsas conjeturas. Todo sea por la completitud. 

El camino recorrido por Cósmica desde su concepción hasta el día de hoy abarca más o menos una década. Iniciando en el 2003 como un dúo de compositores multifacéticos deseosos en realizar sus ideas musicales, el grupo empieza a escribir algunas de las canciones que verán la luz en su primera producción "Morboso" (2005). Con el tiempo, nuevos miembros fueron incorporándose al grupo. La banda se asentó finalmente como un cuarteto, alineación que permanece actualmente y con la que se han presentado en vivo desde entonces. Avancen hasta el 2011, año en el que Cósmica produce y publica su segundo trabajo discográfico "Autómata" compuesto de 13 temas, incluyendo colaboraciones con otros artistas nacionales como Basico3 y Silber García. 

La dirección del grupo en "Autómata" no se aleja demasiado del rumbo marcado por las embrionarias melodías de hipnótico lounge pop de su antecesor. Si bien ya no encontrarán en "Autómata" algo similar al sonido techno industrial de "Sin Machine", las raíces electrónico-psicodélicas de "Morboso" están todavía presentes en la música de este segundo lanzamiento. Desde luego, los recursos melódicos y rítmicos de Cósmica se expanden notoriamente siendo cuatro los músicos en el grupo. De ahí que la estética sonora de las canciones en "Autómata" sea mucho más orgánica y lúcida, a diferencia de los paisajes brumosos y empañados de "Morboso", pero "Autómata" va aún más allá. La línea entre lo digital y analógico (dos mundos opuestos que demasiado frecuentemente entran en colisión) se diluye al punto de ser casi imperceptible. Su relación no es de antagonismo, sino una de complemento y equilibrio (escuchen "H.A.L 9000" y la pieza central "Natural High"). Si algo sorprende de Cósmica es esa habilidad para darles vida a los instrumentos digitales, casi desligándolos de su artificialidad. 

Podría seguir hablando de tecnicalidades de la música y pormenores que al final resultarán irrelevantes, así que en vez de sobreanalizar el asunto, tal vez será mejor, más simple y más honesto solamente reconocer la verdad: la música de "Autómata" es simplemente deliciosa. Incluso alguien que no encuentre el electropop particularmente atractivo podrá encontrar algo que disfrutar en este disco. Desde exóticas baladas como "Nouvel Amour", el synth rock de "Ruido Rosa" y "Fuera de Mi" hasta pegadizas melodías de reggae ("Timao") y jazz pop ("Guapa"). Esta última junto a "Natural High", la arriesgada "M.U.S.E" y el pulsante hip hop de "El Tercer Planeta" son de las mejor realizadas de "Autómata" y sin duda de las mejores que ha hecho Cósmica. Su música no es dificultosa ni abrumadora; es involucrada en sus arreglos pero extraordinaria en su simplicidad. En pocas palabras, "Autómata" es un disco brillante que merece mayor reconocimiento y difusión. Este es uno que definitivamente debe estar en su colección. No lo pasen por alto; querrán oírlo una y otra vez.

Hot Sugar Mama - Quak! EP

Hot Sugar Mama 

Quak! EP 
Lanzamiento independiente 
2011

Disponible en: mediafire.com 

( 7.2 ) 

Hot Sugar Mama no necesita de mayor introducción. Bastaría decir que la banda ha estado activa desde el 2009 y han sonado bastante en la escena local con su propuesta de funk rock psicodélico y sus presentaciones en vivo que se distinguen por su gran energía y vivacidad. Se han presentado en casi todos los escenarios de la ciudad, desde los bares más recónditos de la zona 1 hasta en el mismo Teatro Abril. La música del grupo es ya reconocida dentro de los círculos musicales de Guatemala e incluso la han dado a conocer fuera del país (hicieron gira por Costa Rica hace unos años.) 

La primera producción de la banda es un EP de cinco temas (diez si se cuentan los interludios) titulado "Quak!", que ofrece música tan vibrante y colorida como la carátula del disco. En una palabra, "Quak!" es celebración. Celebración de la vida a través de imaginación, luz y sonido. El espíritu musical que envuelve a casi toda la música de Hot Sugar Mama es de gozo y festividad; no es decir que el grupo no pueda retraerse de vez en cuando con melodías más suaves e introspectivas ("The Moon Wasn't There", por ejemplo.) "Quak!", aún en toda su flama de entusiasmo, tiene también una faceta dedicada a la experimentación y la psicodelia. La introducción y los interludios de Q-U-A-K-! son breves abstracciones sonoras que alternan con las demás piezas del EP, brindando un momento de calma en medio del torrente sonoro de las demás piezas. Ciertamente podrían parecer fuera de lugar e innecesarias para el flujo de la música, pero su función (accidental o a propósito) es a la vez estética y utilitaria. El equilibrio entre movimiento y reposo es vital para el arte musical, y Hot Sugar Mama no escatima esfuerzos para lograr este objetivo. 

Dejando atrás el polimorfismo de las piezas intermedias se encuentra el corazón del EP; cinco temas que abarcan una diversidad de estilos: funk, blues, bossa nova, todo mezclado con el arrojo y el sonido reverberante del rock. "Feelin' the Rhythm" abre el disco con fuerza lanzándose directo a ritmos y acordes de funk rock. Es sólo una muestra de lo que se viene en el EP, pero ya desde el principio Hot Sugar Mama hace la invitación para irse de viaje con su música: "Would you come and join us?". Le sigue el bossa'n'roll de "No babosa", un canto a las mujeres que buscan ante todo exteriorizar perfección pero que interiormente quedan vacías en el proceso. "The Young Blackout" es blues eléctrico muy a la manera de Hendrix y "As a Kite" regresa un poco al estilo pop rock noventero, sonando como algo que hubieran hecho los Spin Doctors en su etapa más temprana. La pieza final, "Fire" de 10 minutos de duración (se siente más corta en realidad) incendia el ambiente con ritmo intenso de rock antes de sumergirse en un jam extenso (gran solo del guitarrista Charli Haze en esta sección) hasta disolverse en el piano que da los acordes finales a "Quak!". 

El funk rock que concibe el cuarteto no esconde nunca su influencia directa de la vieja escuela. En su música están presentes la misma extroversión y libertad que caracterizaron al movimiento del rock en los 60s y 70s, pero con el sonido más aterrizado de bandas más recientes como Red Hot Chili Peppers. Afortunadamente en el caso de Hot Sugar Mama, el alarde de influencias que impregna su música no es en ningún momento pretensioso. De hecho, el aspecto más notable del grupo es la naturalidad con la que los integrantes componen y ejecutan sus canciones. De ningún modo podría fingirse la soltura y el desenfado que pone Hot Sugar Mama en su despliegue musical (presenciarlos en vivo una vez es suficiente para convencerse de ello) y es esa naturalidad al final lo que hace su música tan convincente. Esperemos que se divise nueva música de esta banda en el horizonte.

Trinky - Crónicas del Paraíso

Trinky 

Crónicas del Paraíso 
Bajo Presión Records
2011

Disponible en: bandcamp.com 

( 7.1 ) 

Cinco años pasaron desde que Trinky debutó en la escena con "Humilde Morada" (2006) para que la banda volviera a sacudir las mentes del público con su inconfundible mezcla de ska/hardcore gamberro. El grupo hace se regreso con "Crónicas del Paraíso", segundo LP de su carrera, que brinda una nueva dosis de descontrol y energía con ritmos de ska a 100 mph, furiosos riffs de guitarra y descargas de expresión. A decir verdad, muy poco ha cambiado en la música de Trinky, considerando el espacio de tiempo que separa a ambas grabaciones. Evidentemente, Trinky no es una banda que evoluciona en su naturaleza musical; más bien se apegan a lo que saben hacer mejor y sacan el mejor provecho de ello. 

El grupo en sí se mantiene intacto, y no podría ser de otra manera. La identidad de la banda esta tan arraigada a la personalidad de sus cuatro integrantes que Trinky dejaría de ser Trinky si se llegara a remplazar a alguno de ellos. El vocalista Roberto Mosquera, siempre arrollador en su entrega, arroja letras de rebelión y levantamiento frente a un sistema social que se resiste al cambio, a la tolerancia y a la aceptación común. El impulso de lucha detrás de "Crónicas" se condensa completamente en la línea central de "Vivir": "Tenemos el poder de cambiar nuestra realidad". El cambio nace con el despertar de nuestra consciencia, y se consolida únicamente a través de nuestra acción, denuncia y compromiso. En los instrumentos, Enrique Irungaray (guitarra), Fredy Guillermo (bajo) y Emmanuel Gálvez (batería) se encargan de poner a bailar a quien los oiga con el ritmo contagioso e inescapable que caracteriza a la música de Trinky.

'Bailando se entiende la gente' dijo alguien alguna vez. La frase bien podría ser el lema de Trinky, y es que el disfrute de esta banda se potencia al máximo en colectividad. No negaré que el grupo suena bastante bien en el estudio, pero simplemente no se compara con escucharlos en el escenario, reventando amplificadores a todo volumen, en medio de una horda enloquecida de adolescentes envueltos en bailes orgiásticos y destrozando el lugar a ritmo de ska y metal. Es como una buena sesión de cardio, solo que con más moretones al final. En definitiva, Trinky es una banda que hay que experimentar en vivo.     

El grupo hace de "Crónicas del Paraíso" una ventana hacia sus vivencias y andanzas en la vida, pero tampoco es inusual encontrar en la música de Trinky historias que van más allá de lo personal. Desde odas a íconos futboleros y mujeres con desordenes alimenticios hasta amoríos de muerto-vivientes, "Crónicas" parece tener una canción para todo. Temas como "Vivir", "Fight!" y "Hell Hole" son ya clásicos de Trinky y de los que más frecuentemente suenan en sus toques. "What I hate" y "After the storm" es Trinky en modalidad punk, mientras que "Pork Chop Girl" y "Saturday Ska" (cover de The Misfits) bajan en decibelios y demuestran que incluso un grupo tan arrebatado como Trinky puede tocar también con gentileza. 

Después del ska intenso de "Hasta la mierda" (y de darle 'next' al track 7) llega "Paraninfo" a quebrar cabezas y cuellos con su metal de pandemonio (escuchen a Ema Gálvez destruir su batería en esta pieza). El último tema (y mi favorito del disco) retoma algo del estilo 'horror surf' que marcó la música de los Mojarras al final de su carrera. "Zombie Love Affair" (con la participación de Dani de Madam Funtoo) es más que una simple historia de romance de ultratumba. Esta pieza es la más distante a la atmósfera general de "Crónicas del Paraíso" y seguramente de lo más experimental que ha hecho Trinky en cuanto a ambientaciones y desarrollo en una canción. Trinky, por favor, toquen esta rola siempre.

Woodser - Existentialism is a Mannerism

Woodser 

Existentialism is a Mannerism 
Wawasho Records
2011

Sitio oficial: facebook.com 

( 8.8 ) 

El EP "Existentialism is a Mannerism" marca una evolución en estilo y una nueva etapa para la música de Woodser. Las piezas, ahora más largas en duración, se benefician del crecimiento musical y la experiencia que han ido adquiriendo con el tiempo los integrantes a nivel composicional y lírico. Si en "Daimon Bulin" predominó David Lemus como la voz principal de Woodser, en "Existentialism is a Mannerism" su rol queda más relegado al fondo instrumental y de apoyo en los coros (es solista únicamente en "Oaxaca Nites"), siendo ahora Santiago y Ricardo Cabrera las voces protagonistas en la mayoría de canciones. El sencillo "Feels Like Summertime" es un caso aparte (no es parte del EP oficialmente) en el que los tres músicos comparten por primera vez las líneas en una canción. "Summertime", alegrísima con su ligereza y ritmo de funk (muy a lo Flaming Lips), es más cercana en estilo a "Daimon Bulin" que a lo presentado en "Existentialism". Nunca ha sido más notorio el aprovechamiento de los recursos vocales que posee Woodser que en esta pieza. Evidentemente es una obra transitoria y contrasta especialmente con la música en "Existentialism", cuya temática es más seria y sus objetivos más oscuros. 

La música del EP exhibe una mayor sofisticación en el sonido del grupo y en las ideas sobre las que se construye la música. El apego hacia los formatos convencionales es desechado casi por completo y llega a reemplazar un deseo por ampliar el espacio en la estructuración y desarrollo de las melodías y temas en las canciones. El grupo es especialmente minucioso en los detalles; hay pequeños instantes de silencio y pasadizos inesperados que le dan respiro y tensión a la música en el momento justo. Su volatilidad es lo que los hace tan preciados y se esfuman tan rápido como aparecen. Pierdan la atención por un segundo y los pasarán por alto. 

La aproximación de David, Ric y Santi hacia la composición de canciones hereda mucho de la música de los Beatles, una de las inspiraciones más grandes de Woodser y cuya influencia se logra sentir en muchos de los pasajes de "Existentialism". Esto es casi palpable en el tema inicial "Durga", que podría verse como un tributo del grupo hacia la música del cuarteto de Liverpool (o por lo menos de George Harrison) con sus tintes de espiritualismo hindú, alucinante sección media y solo invertido de guitarra (un tanto anticuado, pero efectivo para el clima de la canción). La rasposa voz de Santi le da especial fuerza a la música en el desenlace del clímax final. "Like an Astronaut Going Forever", en voz de Ric, inicia espaciosa y con calma. Poco a poco el ambiente aumenta en intensidad y lo que empezó como contemplativas reflexiones de una vida a la deriva se torna en amargos lamentos ante ambiciones desperdiciadas. "You have finally found the things that you thought made you happy but the truth is they're not" exclama Ric, como señalando el lastimoso fin de alguien que sigue las promesas que ve en la vida de los demás antes de pensar en la posibilidad de encontrar su propio camino. 

"Numb" continúa en la misma vena que "Astronaut", pero esta pieza es mucho más marcada en la divergencia de sus personalidades. Las estrofas fantasmales que Ric y David cantan casi en susurros alternan luego con un coro jovial y brillante, lleno de positivismo: "Step away and look around / Live now, dream out loud". No obstante, esta aparente bipolaridad queda únicamente en los versos, siendo la parte media territorio puramente instrumental. "Oaxaca Nites", una pequeña joya de parte de Lemus y la pieza más orgánica del EP, es de sonido acústico y con un swing muy cercano a la bossa nova. Su inusual juego de acordes y la etérea melodía con la que se desvanece son de especial atención. El tema final "The People I've Heard", nuevamente con Santiago en la voz, regresa a un estilo de rock más directo ("One more time" de Daimon viene a la mente) que aún sin mayor desarrollo evita ser unidimensional. 

Ahora que David Lemus ha dejado oficialmente el grupo y con los crecientes rumores de una inminente disolución de la banda, el futuro de Woodser después de "Existentialism is a Mannerism" es incierto. El EP, aunque lejos de ser monumental, queda como testamento de la visión y creatividad con la que Woodser creó desde el inicio su música. No está de más decir que el trayecto de la banda en el ámbito nacional ha sido envidiable, y el impulso que generaron con esta segunda entrega aún no ha perdido su fuerza. Por ahora, esperemos que la secuela a "Existentialism is a Mannerism" no permanezca para siempre en la oscuridad.