Hot Sugar Mama - Quak! EP

Hot Sugar Mama 

Quak! EP 
Lanzamiento independiente 
2011

Disponible en: mediafire.com 

( 7.2 ) 

Hot Sugar Mama no necesita de mayor introducción. Bastaría decir que la banda ha estado activa desde el 2009 y han sonado bastante en la escena local con su propuesta de funk rock psicodélico y sus presentaciones en vivo que se distinguen por su gran energía y vivacidad. Se han presentado en casi todos los escenarios de la ciudad, desde los bares más recónditos de la zona 1 hasta en el mismo Teatro Abril. La música del grupo es ya reconocida dentro de los círculos musicales de Guatemala e incluso la han dado a conocer fuera del país (hicieron gira por Costa Rica hace unos años.) 

La primera producción de la banda es un EP de cinco temas (diez si se cuentan los interludios) titulado "Quak!", que ofrece música tan vibrante y colorida como la carátula del disco. En una palabra, "Quak!" es celebración. Celebración de la vida a través de imaginación, luz y sonido. El espíritu musical que envuelve a casi toda la música de Hot Sugar Mama es de gozo y festividad; no es decir que el grupo no pueda retraerse de vez en cuando con melodías más suaves e introspectivas ("The Moon Wasn't There", por ejemplo.) "Quak!", aún en toda su flama de entusiasmo, tiene también una faceta dedicada a la experimentación y la psicodelia. La introducción y los interludios de Q-U-A-K-! son breves abstracciones sonoras que alternan con las demás piezas del EP, brindando un momento de calma en medio del torrente sonoro de las demás piezas. Ciertamente podrían parecer fuera de lugar e innecesarias para el flujo de la música, pero su función (accidental o a propósito) es a la vez estética y utilitaria. El equilibrio entre movimiento y reposo es vital para el arte musical, y Hot Sugar Mama no escatima esfuerzos para lograr este objetivo. 

Dejando atrás el polimorfismo de las piezas intermedias se encuentra el corazón del EP; cinco temas que abarcan una diversidad de estilos: funk, blues, bossa nova, todo mezclado con el arrojo y el sonido reverberante del rock. "Feelin' the Rhythm" abre el disco con fuerza lanzándose directo a ritmos y acordes de funk rock. Es sólo una muestra de lo que se viene en el EP, pero ya desde el principio Hot Sugar Mama hace la invitación para irse de viaje con su música: "Would you come and join us?". Le sigue el bossa'n'roll de "No babosa", un canto a las mujeres que buscan ante todo exteriorizar perfección pero que interiormente quedan vacías en el proceso. "The Young Blackout" es blues eléctrico muy a la manera de Hendrix y "As a Kite" regresa un poco al estilo pop rock noventero, sonando como algo que hubieran hecho los Spin Doctors en su etapa más temprana. La pieza final, "Fire" de 10 minutos de duración (se siente más corta en realidad) incendia el ambiente con ritmo intenso de rock antes de sumergirse en un jam extenso (gran solo del guitarrista Charli Haze en esta sección) hasta disolverse en el piano que da los acordes finales a "Quak!". 

El funk rock que concibe el cuarteto no esconde nunca su influencia directa de la vieja escuela. En su música están presentes la misma extroversión y libertad que caracterizaron al movimiento del rock en los 60s y 70s, pero con el sonido más aterrizado de bandas más recientes como Red Hot Chili Peppers. Afortunadamente en el caso de Hot Sugar Mama, el alarde de influencias que impregna su música no es en ningún momento pretensioso. De hecho, el aspecto más notable del grupo es la naturalidad con la que los integrantes componen y ejecutan sus canciones. De ningún modo podría fingirse la soltura y el desenfado que pone Hot Sugar Mama en su despliegue musical (presenciarlos en vivo una vez es suficiente para convencerse de ello) y es esa naturalidad al final lo que hace su música tan convincente. Esperemos que se divise nueva música de esta banda en el horizonte.

Trinky - Crónicas del Paraíso

Trinky 

Crónicas del Paraíso 
Bajo Presión Records
2011

Disponible en: bandcamp.com 

( 7.1 ) 

Cinco años pasaron desde que Trinky debutó en la escena con "Humilde Morada" (2006) para que la banda volviera a sacudir las mentes del público con su inconfundible mezcla de ska/hardcore gamberro. El grupo hace se regreso con "Crónicas del Paraíso", segundo LP de su carrera, que brinda una nueva dosis de descontrol y energía con ritmos de ska a 100 mph, furiosos riffs de guitarra y descargas de expresión. A decir verdad, muy poco ha cambiado en la música de Trinky, considerando el espacio de tiempo que separa a ambas grabaciones. Evidentemente, Trinky no es una banda que evoluciona en su naturaleza musical; más bien se apegan a lo que saben hacer mejor y sacan el mejor provecho de ello. 

El grupo en sí se mantiene intacto, y no podría ser de otra manera. La identidad de la banda esta tan arraigada a la personalidad de sus cuatro integrantes que Trinky dejaría de ser Trinky si se llegara a remplazar a alguno de ellos. El vocalista Roberto Mosquera, siempre arrollador en su entrega, arroja letras de rebelión y levantamiento frente a un sistema social que se resiste al cambio, a la tolerancia y a la aceptación común. El impulso de lucha detrás de "Crónicas" se condensa completamente en la línea central de "Vivir": "Tenemos el poder de cambiar nuestra realidad". El cambio nace con el despertar de nuestra consciencia, y se consolida únicamente a través de nuestra acción, denuncia y compromiso. En los instrumentos, Enrique Irungaray (guitarra), Fredy Guillermo (bajo) y Emmanuel Gálvez (batería) se encargan de poner a bailar a quien los oiga con el ritmo contagioso e inescapable que caracteriza a la música de Trinky.

'Bailando se entiende la gente' dijo alguien alguna vez. La frase bien podría ser el lema de Trinky, y es que el disfrute de esta banda se potencia al máximo en colectividad. No negaré que el grupo suena bastante bien en el estudio, pero simplemente no se compara con escucharlos en el escenario, reventando amplificadores a todo volumen, en medio de una horda enloquecida de adolescentes envueltos en bailes orgiásticos y destrozando el lugar a ritmo de ska y metal. Es como una buena sesión de cardio, solo que con más moretones al final. En definitiva, Trinky es una banda que hay que experimentar en vivo.     

El grupo hace de "Crónicas del Paraíso" una ventana hacia sus vivencias y andanzas en la vida, pero tampoco es inusual encontrar en la música de Trinky historias que van más allá de lo personal. Desde odas a íconos futboleros y mujeres con desordenes alimenticios hasta amoríos de muerto-vivientes, "Crónicas" parece tener una canción para todo. Temas como "Vivir", "Fight!" y "Hell Hole" son ya clásicos de Trinky y de los que más frecuentemente suenan en sus toques. "What I hate" y "After the storm" es Trinky en modalidad punk, mientras que "Pork Chop Girl" y "Saturday Ska" (cover de The Misfits) bajan en decibelios y demuestran que incluso un grupo tan arrebatado como Trinky puede tocar también con gentileza. 

Después del ska intenso de "Hasta la mierda" (y de darle 'next' al track 7) llega "Paraninfo" a quebrar cabezas y cuellos con su metal de pandemonio (escuchen a Ema Gálvez destruir su batería en esta pieza). El último tema (y mi favorito del disco) retoma algo del estilo 'horror surf' que marcó la música de los Mojarras al final de su carrera. "Zombie Love Affair" (con la participación de Dani de Madam Funtoo) es más que una simple historia de romance de ultratumba. Esta pieza es la más distante a la atmósfera general de "Crónicas del Paraíso" y seguramente de lo más experimental que ha hecho Trinky en cuanto a ambientaciones y desarrollo en una canción. Trinky, por favor, toquen esta rola siempre.

Woodser - Existentialism is a Mannerism

Woodser 

Existentialism is a Mannerism 
Wawasho Records
2011

Sitio oficial: facebook.com 

( 8.8 ) 

El EP "Existentialism is a Mannerism" marca una evolución en estilo y una nueva etapa para la música de Woodser. Las piezas, ahora más largas en duración, se benefician del crecimiento musical y la experiencia que han ido adquiriendo con el tiempo los integrantes a nivel composicional y lírico. Si en "Daimon Bulin" predominó David Lemus como la voz principal de Woodser, en "Existentialism is a Mannerism" su rol queda más relegado al fondo instrumental y de apoyo en los coros (es solista únicamente en "Oaxaca Nites"), siendo ahora Santiago y Ricardo Cabrera las voces protagonistas en la mayoría de canciones. El sencillo "Feels Like Summertime" es un caso aparte (no es parte del EP oficialmente) en el que los tres músicos comparten por primera vez las líneas en una canción. "Summertime", alegrísima con su ligereza y ritmo de funk (muy a lo Flaming Lips), es más cercana en estilo a "Daimon Bulin" que a lo presentado en "Existentialism". Nunca ha sido más notorio el aprovechamiento de los recursos vocales que posee Woodser que en esta pieza. Evidentemente es una obra transitoria y contrasta especialmente con la música en "Existentialism", cuya temática es más seria y sus objetivos más oscuros. 

La música del EP exhibe una mayor sofisticación en el sonido del grupo y en las ideas sobre las que se construye la música. El apego hacia los formatos convencionales es desechado casi por completo y llega a reemplazar un deseo por ampliar el espacio en la estructuración y desarrollo de las melodías y temas en las canciones. El grupo es especialmente minucioso en los detalles; hay pequeños instantes de silencio y pasadizos inesperados que le dan respiro y tensión a la música en el momento justo. Su volatilidad es lo que los hace tan preciados y se esfuman tan rápido como aparecen. Pierdan la atención por un segundo y los pasarán por alto. 

La aproximación de David, Ric y Santi hacia la composición de canciones hereda mucho de la música de los Beatles, una de las inspiraciones más grandes de Woodser y cuya influencia se logra sentir en muchos de los pasajes de "Existentialism". Esto es casi palpable en el tema inicial "Durga", que podría verse como un tributo del grupo hacia la música del cuarteto de Liverpool (o por lo menos de George Harrison) con sus tintes de espiritualismo hindú, alucinante sección media y solo invertido de guitarra (un tanto anticuado, pero efectivo para el clima de la canción). La rasposa voz de Santi le da especial fuerza a la música en el desenlace del clímax final. "Like an Astronaut Going Forever", en voz de Ric, inicia espaciosa y con calma. Poco a poco el ambiente aumenta en intensidad y lo que empezó como contemplativas reflexiones de una vida a la deriva se torna en amargos lamentos ante ambiciones desperdiciadas. "You have finally found the things that you thought made you happy but the truth is they're not" exclama Ric, como señalando el lastimoso fin de alguien que sigue las promesas que ve en la vida de los demás antes de pensar en la posibilidad de encontrar su propio camino. 

"Numb" continúa en la misma vena que "Astronaut", pero esta pieza es mucho más marcada en la divergencia de sus personalidades. Las estrofas fantasmales que Ric y David cantan casi en susurros alternan luego con un coro jovial y brillante, lleno de positivismo: "Step away and look around / Live now, dream out loud". No obstante, esta aparente bipolaridad queda únicamente en los versos, siendo la parte media territorio puramente instrumental. "Oaxaca Nites", una pequeña joya de parte de Lemus y la pieza más orgánica del EP, es de sonido acústico y con un swing muy cercano a la bossa nova. Su inusual juego de acordes y la etérea melodía con la que se desvanece son de especial atención. El tema final "The People I've Heard", nuevamente con Santiago en la voz, regresa a un estilo de rock más directo ("One more time" de Daimon viene a la mente) que aún sin mayor desarrollo evita ser unidimensional. 

Ahora que David Lemus ha dejado oficialmente el grupo y con los crecientes rumores de una inminente disolución de la banda, el futuro de Woodser después de "Existentialism is a Mannerism" es incierto. El EP, aunque lejos de ser monumental, queda como testamento de la visión y creatividad con la que Woodser creó desde el inicio su música. No está de más decir que el trayecto de la banda en el ámbito nacional ha sido envidiable, y el impulso que generaron con esta segunda entrega aún no ha perdido su fuerza. Por ahora, esperemos que la secuela a "Existentialism is a Mannerism" no permanezca para siempre en la oscuridad.

Dubvolution - 3 es Sonsuelto en Souldub

Dubvolution 

3 es sonsuelto en souldub 
Lanzamiento independiente
2011

Sitio oficial: dubvolution.com 

( 8.1 ) 

"3 es sonsuelto en souldub", el más reciente lanzamiento de los pioneros del dub nacional Dubvolution, trae nuevamente una numerosa colección de canciones y melodías con el estilo característico improv reggae/dub que ha desarrollado el grupo a lo largo de su carrera. Para los seguidores de la banda, la espera para conocer el nuevo material que le seguiría al aclamado "Lobueno Avión" del 2008 se alargó por casi 3 años y las expectativas del público eran grandes. Viendo hacia atrás a un año de su lanzamiento y considerando la difusión que ha tenido el grupo y su música últimamente, todo parece indicar que la espera no fue en vano. Magníficamente grabado y producido, "3 es sonsuelto en souldub" sigue en ciertos aspectos la misma línea que su antecesor, pero ya es notable en la música el deseo del grupo de tomar rumbo hacia nuevas direcciones sonoras. Si bien la música del disco se mantiene enraizada en la tradición del dub y el reggae, Dubvolution aparece ahora más inclinado a experimentar con nuevos ritmos y acentos melódicos que enriquecen bastante el lenguaje musical del grupo y reafirman la creatividad que poseen los integrantes para crear ambientaciones rítmico-armónicas que sirven de plataforma para el derroche lírico de Baldomero Lojo, vocalista y guitarra del grupo, cuyo distintivo estilo recitado/cantado/hablado con el que entrega sus poesías es parte integral del sonido de Dubvolution. 

Las temáticas en "3 es sonsuelto en souldub" son ahora más serias y críticas hacia las problemáticas del país, tocando temas como la violencia, la indiferencia y nuestra misma falta de acción ante estas dificultades (escuchen "Sincero y directo" y "La muerte" para una dosis de cruda realidad), pero se presenta también en las letras de Baldo un impulso de optimismo en que podamos finalmente encontrar soluciones a nuestra situación. Su discurso es realista y libre de metaforismos, mas no de cierto sentido satírico hacia la realidad que se vive en Guatemala: "Aquí bailamos con la muerte todos los días".              

Oyéndolos ahora, es claro que el grupo no está demasiado preocupado por alcanzar mayores alturas en la composición musical. La mayoría de canciones en "Sonsuelto" se construyen sobre pequeños círculos de tres o cuatro acordes que el grupo mantiene a paso constante y se extienden indefinidamente. Esa perpetua invariabilidad en la música podría llegar a impacientar a algunos oyentes, pero eso no es decir que la música sea insustancial o que caiga en trivialidades. Los elementos son pocos, pero hay tanto ocurriendo al mismo tiempo que es difícil encontrar un momento de vacío en la música. Cada uno de los instrumentos permanece en el plano justo, complementándose mutuamente: el bajo liderando con incontables riffs y melodías, la guitarra y el teclado introduciendo capas de acordes uno contra otro y la batería, sosegada a veces pero nunca restringida a tomar protagonismo con cambios de tempo y dinámica. La espontaneidad y sencillez en las canciones brindan esa extraña cualidad de libertad improvisacional ("Quedado", "Nadie dice lo que piensa") que es justamente el encanto en la música de Dubvolution.

Indudablemente se han ganado un lugar entre las bandas nacionales de mayor seguimiento y, lejos de perder su momentum, la maquinaria de Dubvolution agarra cada vez más velocidad y su presencia se siente más que nunca en los oídos del público guatemalteco. 

Radio Off - Hace Falta Valor

Radio Off 

Hace Falta Valor 
Bajo Presión Records
2011

Disponible en: bandcamp.com 

( 6.5 ) 

La carrera de Radio Off en la escena abarcó un poco más de 2 años, desde el 2009 hasta su separación definitiva a mediados del 2011. Durante este tiempo, el cuarteto de punk rock se mantuvo ocupado en dar a conocer su propuesta tocando en vivo y compartiendo escenario con otras bandas del género como Volver y Creo en Mí. Podría pensarse ahora que la banda tuvo una vida bastante corta, pero de hecho los integrantes ya tocaban juntos desde mucho antes. Inicialmente conocidos como HCF (viene de "Highway Crossing Frog"), el grupo empezó desde abajo buscando hacerse un nombre en los círculos del punk nacional, hasta que finalmente se unieron al sello Bajo Presión (ya con el nombre Radio Off) y comenzaron las grabaciones que culminarían con la edición del primer LP de la banda. "Hace Falta Valor", el único trabajo discográfico que publicaron (lo antecedió un EP del mismo nombre) y lanzado en enero del 2011, es el resultado de dos años intensos de toques y ensayos que le permitieron al grupo pulir su sonido y solidificar como conjunto. Las ideas que surgieron en este período y que llegarían eventualmente a formar la base para las canciones en "Hace Falta Valor" fueron desarrollándose poco a poco con el pasar del tiempo, lo que brinda al final un tono más maduro y personal a la temática y la música en las canciones de Radio Off. 

Siendo esto hardcore punk, la música en "Hace Falta Valor" no es nada menos que desenfrenada. Radio Off ejecuta un punk rock rápido, pesado (casi metalizado) y de gran emoción en sus letras. Abundan los power chords y riffs unísonos de guitarra y bajo, junto a la batería que marca el tiempo con ritmos veloces y fills en cada esquina. Completan desde arriba las explosiones líricas del vocalista Javier Molina. Si se percibe cierta linealidad en las canciones del grupo, es puramente debido a que el género del punk es así de directo; desviarse de su camino significaría perder la inercia que lo mueve hacia su destino. Al final, más importante que la música en sí, es el mensaje que Radio Off busca inspirar en la mente de la audiencia. Es el espíritu de rebeldía e inconformidad que necesita nacer en nosotros para hacerle frente a la situación del país y actuar ante las enfermedades sociales que persisten en nuestro medio. Este sentimiento se presenta perfectamente condensado en los 40 segundos de "Vencer", un verdadero himno de lucha en contra de la opresión y desigualdad que aquejan a nuestra sociedad. Las letras de Radio Off se mantienen firmes en su denuncia contra males como la violencia, la discriminación y la pobreza, pero se preocupan también de mantener siempre presentes valores como la amistad ("Una Palabra", ideal para canción de promo), el deseo de superación  y el anhelo por una vida mejor ("Respuestas"). 

Radio Off podrá mantener un alto nivel de adrenalina en su música, sin embargo el efecto de ella no dura demasiado. Ya en las últimas canciones del disco es perceptible una sensación de redundancia que afecta contrariamente a la música, restándole en fuerza y originalidad. La inventiva de la banda se queda corta en darle al disco suficiente diversidad, lo que al final resultó en tedio y cansancio para estos oídos. Los salva talvez el hecho de que las canciones no se extienden demasiado, pero aún así, quedó todavía mucho campo inexplorado en la música del grupo. Será ahora responsabilidad de las nuevas bandas emergentes el retomar el camino recorrido por Radio Off y darle el avance musical y la renovación que tanto necesita el sonido del punk nacional.

Madam Funtoo - Chow Tama

Madam Funtoo 

Chow Tama 
Lanzamiento independiente 
2010

Disponible en: bandcamp.com 

( 7.7 ) 

Disonante, distorsionado y retorcido. Así podría describirse en pocas palabras el sonido del trío de rock Madam Funtoo, pero bien sabemos que rara vez bastan las palabras para definir la naturaleza del sonido y encerrar la esencia de la Música, especialmente en el caso de una banda como Madam, cuya mezcla de influencias (desde blues y rock psicodélico hasta el punk y el metal) y cualidad experimental la hacen difícil de clasificar, tanto en concepto como en sonoridad. Como una aproximación inicial, podría decirse que la música de Madam Funtoo se manifiesta como un manto decadente de rock pesado envuelto en nubes asfixiantes de sexo, mota y alcohol (una descripción más adecuada, pero todavía inexacta). 

Lo que sí es cierto, es que Madam Funtoo no es rock complaciente. No es ni siquiera políticamente correcto. A juzgar por la explicitud y crudeza de las letras, pareciera como si la banda estuviera de hecho empeñada en incomodar a la audiencia. Las temáticas que presentan las canciones de "Chow Tama" podrían resultar humorísticas, provocativas, vulgares o totalmente ofensivas, dependiendo de la posición del oyente, pero las letras esconden siempre un subtexto más real y siniestro que lo que aparentan inicialmente (el subtexto es clave en toda la música de Madam Funtoo). El concepto detrás de "Chow Tama" se relaciona con ese impulso mórbido y curioso que nos obliga a abrir los ojos ante la fealdad de nuestras circunstancias. Podemos evitar sufrimiento apartando los ojos de la realidad, pero independientemente de nuestra elección, el mundo permanece inalterado. Es desagradable, pero es real. 

'La primera vez siempre duele' rezaba el título del primer EP de la banda, y la verdad es que lo brusco y aspero de la música podría incomodar a más de alguno la primera vez que se escucha a Madam Funtoo. Puede llevar un poco de tiempo acostumbrarse al extraño sonido de su rock amalgamado y al hecho de que todo el tiempo está siendo ejecutado por tres hombres en falda, pero superando esta primera etapa, encontrarán que Dani, Chiru y Mota (voz y guitarra, batería y bajo, respectivamente) producen música extrañamente cautivadora, si bien poco convencional. En "Chow Tama" no hay fórmulas, no hay métodos, no hay una manera de proceder en las composiciones de la banda que indique en grado alguno hacia dónde se dirige la música. Es la imprevisibilidad en las canciones de Madam Funtoo lo que intensifica la experiencia de escucharlos. Rolas como "Dan y El", "Fornicio", "Queso babas" y "Buscando a Guadalupe" muestran el lado más pesado y abrasivo del grupo. Otras más ligeras como "Sastre Vacuno" y "El Morral" (esta última con un juego casi contrapuntístico entre guitarra y bajo) proveen los pasajes más fluidos del disco y ciertamente le dan el equilibrio y los matices necesarios que lo salvan de caer en redundancias. 

Madam Funtoo logró definir y establecer su sonido con "Chow Tama" y ya no hay sorpresas ante la dirección que mantendrá el grupo en el futuro. Su sonido sigue confinado dentro de las paredes del rock pesado, pero todo indica que aún están en su elemento para continuar produciendo nueva música, llegando cada vez más lejos en creatividad y convicción.

None At Last - The Veil

None At Last 

The Veil 
Bajo Presión Records
2010 

Disponible en: bandcamp.com 

( 8.2 ) 

Podría decirse que None At Last no fue una banda de alto volumen productivo. En el tiempo que duró su existencia, el grupo logró materializar dos EPs: "Becoming Someone" en el 2008 y "The Veil" dos años más tarde (fue con este último que se hicieron un nombre en la escena y crearon un seguimiento que sigue hasta el día de hoy), pero aún si el cuerpo de material producido por el grupo no fue extenso, mantuvieron en cada una de sus piezas un alto nivel de calidad musical que demuestra el gran compromiso que tuvo None At Last con su arte. Por alguna razón, la banda decidió terminar su carrera a finales del 2011, pero en su tiempo de vida lograron mantener una fuerte presencia en los escenarios locales y extranjeros (llegaron a ofrecer algunos conciertos en El Salvador). En "The Veil", la banda progresa del sonido orgánico y acústico que predominó en "Becoming Someone" con el uso de guitarras eléctricas, sintetizador y la presencia de batería en todas las piezas. Gracias a esto, el grupo encuentra los medios para crear un rock híbrido que combina la intensidad del metal, la melancolía melódica del post y la sofisticación instrumental de lo progresivo. Si bien las canciones son principalmente vocales, el grupo deja también espacios para la exploración instrumental, por lo que la música encuentra siempre un balance adecuado entre sus elementos. 

Los temas en "The Veil" evocan especialmente ambientaciones de tono oscuro y sombrío, acompañadas de pasajes más suaves y brillantes que el grupo introduce ocasionalmente. En este sentido, la música de None At Last es como un claroscuro; los temas juegan principalmente con contrastes, alternando entre un sonido pesado y otro más tranquilo, de tonalidades más claras. Las cuatro piezas que componen el EP: "Fear Song", "The Veil", "From one point to another" y "7 Halos (Lovely Murder)" se desarrollan en una atmósfera común. Cada una se distingue perfectamente de las demás, pero entre todas comparten una cierta cualidad que las unifica. Se complementan de tal manera que entre ellas arman su contexto, lo que explicaría por qué encuentro extraño escuchar una canción por separado sin escuchar también las demás; simplemente es uno de esos discos que deben escucharse siempre de principio a fin. 

La filosofía y el enfoque creativo de None At Last están siempre dirigidos hacia la fruición de la Música. Las imágenes y apariencias perecen en el tiempo, pero nuestras ideas y pensamientos nos sobrevivirán a todos. Esta idea es la que conduce la inspiración de los integrantes de None At Last y se encuentra presente en muchas de las letras del vocalista André Alvarado. Lo que podría parecer a primera vista como una resignación fatalista de nuestra existencia, se revela luego como el ideal de encontrar propósito en medio de un mundo frio y hostil. Al final, el ser humano se lamenta de la inevitabilidad de su destino frente a su propia mortalidad, pero en su espíritu prevalece el anhelo de alcanzar la trascendencia. La banda aparentemente fue demasiado buena para durar (lamentable, dado que sólo nos dejaron a todos con ganas de más), pero sin duda dejaron su marca en la escena. "The Veil" quedará para la memoria como la culminación artística de None At Last y permanecerá así hasta que el grupo decida reunirse bajo ese nombre en el futuro. Que así sea.

Los Mojarras - Cazando Mojarras

Los Mojarras 

Cazando Mojarras 
Bajo Presión Records
2009

Disponible en: bandcamp.com 

( 5.9 ) 

Los Mojarras en verdad que son (fueron) una banda peculiar en la escena. Si tuvieron la oportunidad de verlos en vivo, sabrán que este grupo de surf rock (el único en su clase) se caracterizó por sus animadas presentaciones llenas de tonadas bailables y ritmos tropicales, que junto a la teatralidad y el sentido del humor de sus integrantes, brindaban una propuesta tan refrescante como tomarse un coco bajo el sol de las costas del Pacífico. Con títulos como "3 cocos x 10", "Me gasté el peaje en chelas" y "Chica del Mar" no es sorpresa que la principal inspiración en la música de los Mojarras se halla en vivir y celebrar la vida a orillas del mar en el ambiente relajado de las playas de Escuintla. Si bien el surf se ve hoy como uno de los subgéneros más sobrios y tradicionales del rock, los Mojarras lo abordan impulsándose más en lo experimental; conservan su esencia pero logran expandir su lenguaje, dándole a sus piezas una personalidad única que combina lo tradicional del surf con elementos más modernos de la música actual.

La fortaleza de los Mojarras está en su inventiva; cada uno de los 19 temas de "Cazando Mojarras" ofrece algo interesante, un elemento inesperado que lo aparta de los demás y que hace muy difícil perderle el interés a la música. El grupo introduce además una gran variedad de géneros y estilos a sus piezas: funk, cumbia, blues, balada, la lista continúa. En realidad, los Mojarras no son un grupo enfocado en hacer música de profundidad estética. A juzgar por la crudeza de las grabaciones, "Cazando Mojarras" bien pudo haber sido grabado y lanzado en el transcurso de un par de días. El disco en general se pudo haber beneficiado de una producción más consciente y algunas de las piezas, aún cuando rebosan de creatividad, pierden su fuerza debido a la falta de exactitud en su ejecución. 

Talvez la música de los Mojarras carezca de seriedad artística, pero no hay que olvidar que el surf es esencialmente para bailarse, y en esto los Mojarras no decepcionan. La mayoría de sus temas son de ritmo alegre; las melodías de guitarra eléctrica al frente, con el bajo y la segunda guitarra dando el soporte armónico y la batería marcando una base constante. Las piezas alternan continuamente en dinámica, pasando ocasionalmente por pasajes más lentos que le dan colores contrastantes a la música y que dejan entrever la creatividad de los Mojarras en superponer armonía y melodía ("Aventuras en Monterrico", "Daikirí Dískotec"). La banda se adentra también al territorio del folclore guatemalteco con sus reinterpretaciones de melodías clásicas de marimba. Es así como se pueden escuchar las versiones surf rock de "Cobán" y "Lágrimas de Telma", pero Domingo Bethancourt y Gumercindo Palacios pueden descansar tranquilamente en sus tumbas, ya que las rendiciones que ofrecen los Mojarras permanecen en la vena de lo tradicional (por lo menos en lo que a surf rock se refiere) y son fieles a las piezas originales.

En los 50 minutos que dura el LP, los Mojarras demuestran que el surf aún tiene posibilidades inexploradas y que el género, lejos de pasar de moda, está todavía vigente en la escena musical. El grupo irá a grabar todavía un EP de su siguiente producción "Matizando en Ultratumba" (2011) antes de desaparecer de los escenarios, pero la esencia de la banda se encuentra en "Cazando Mojarras", que representa el verdadero legado de Los Mojarras a la música nacional.

Xb'alanke - Iridio

Xb'alanke 

Iridio 
Lanzamiento independiente
2011

Disponible en: bandcamp.com 

( 8.9 ) 

Xb'alanke. El mismo nombre lleva ese aire de oscuro misticismo (tan presente en los relatos mayas sobre el origen del mundo) que rodea la música de este grupo. El inicio de Xb'alanke se dio alrededor del 2009 como un proyecto de rock instrumental entre amigos. La música empezó a tomar forma a partir de las ideas que surgieron de las sesiones de improvisación del grupo, que luego fueron trabajadas conjuntamente para crear las primeras piezas de su repertorio. Dos años de ensayos y presentaciones en vivo les permitieron a los cuatro integrantes madurar en su sonido y gelificar como banda, y fue a finales del 2011 que Xb'alanke publicó finalmente su primer trabajo discográfico. El resultado es "Iridio", una grabación de 34 minutos compuesta por cuatro temas: "Ceniza sobre Baikal", "El Rostro de Fuego", "Las Ciegas" y "Aurora". Las cuatro piezas exhiben un sonido pesado, sobrecargado de notas, pero sumamente cuidadoso en los detalles. Si bien existe una gran variedad de ideas, hay cierta falta de elocuencia en el lenguaje musical de Xb'alanke, lo que le da a las piezas un carácter más bien monocromático, como distintas versiones de un mismo discurso. Aun así, el grupo logra un gran rango dinámico en la música, pasando de los pasajes reflexivos más silenciosos hasta las explosiones sonoras más intensas. Los cuatro integrantes hacen un excelente trabajo en la ejecución de sus instrumentos (mención honorífica a Santa en batería), y es justamente en su unidad musical que Xb'alanke encuentra su mayor fortaleza. 

"Ceniza sobre Baikal" abre el disco, y desde el principio es notable la naturaleza improvisacional de los temas en las inusuales progresiones que utiliza el grupo para desarrollar su música. El sonido gutural del bajo y el eco profundo de las guitarras crean el efecto de un paisaje cavernoso, alumbrado sólo momentáneamente por tenues destellos de luz en las melodías de la guitarra principal. Xb'alanke se especializa ante todo en crear atmósferas, y para ello se vale de los muros de sonido y melodías de trémolo rápido que logran las guitarras. "El Rostro de Fuego", con su ritmo lento en 3/4 va construyendo su camino sobre un riff de tres notas, poco a poco escalando en intensidad hasta llegar al clímax sonoro en la parte media. Acordes de sintetizador anuncian un breve reposo antes de lanzarse directamente a "Las Ciegas", uno de los mejores pasajes de "Iridio", en donde Xb'alanke despega de las cavernas hacia alturas estratosféricas con un tema rápido (inusual para ellos) de tono más claro y melódico. El bajo acompaña a las guitarras en las notas altas mientras la batería conduce desde atrás a toda velocidad. La música sobrevuela por cielos despejados hasta que el grupo inicia el vertiginoso descenso a tierra en la parte final y se hunde de nuevo en las profundidades del subsuelo para la pieza final, "Aurora", que junto a "Ceniza sobre Baikal" muestran el lado más pesado de la banda, pero sin dejar de lado el aspecto melódico, tan vital en las composiciones de Xb'alanke.             

Desafortunadamente, la salida de uno de sus guitarristas a reducido a Xb'alanke a un trío, despojándolos de su componente melódico, lo que limita bastante el sonido del grupo en vivo (su presentación en el festival ZOM fue menos que inspirada) y que de alguna manera despoja la personalidad de la música de Xb'alanke. De cualquier manera, "Iridio" es un debut que sorprende por su sonido depurado y lo impresionista de sus composiciones. Es claro que Xb'alanke no está en ningún momento falto de ideas para desarrollar su música, pero habrá que esperar la continuación a "Iridio" para averiguar todo lo que esta banda tiene aún por decir.

Satélite - La Suite Jurásika

Satélite

La Suite Jurásika 
Lanzamiento independiente
2012

Disponible en: bandcamp.com 

( 6.3 )

"La Suite Jurásika" es el título del último EP del quinteto de Post Rock Satélite, lanzado a principios del 2012 tras la exitosa participación de la banda en el Festival Zona Música celebrado en la ciudad de Guatemala. La presencia de Satélite en la escena ha ido creciendo constantemente gracias a las diversas apariciones del grupo en los medios de comunicación y a los toques que regularmente ofrecen en distintos puntos de la ciudad, como en el Bad Attitude y La Maga. La música de Satélite ha forjado ya un seguimiento entre el público debido a la psicodelia e intensidad de sus presentaciones (todos los integrantes usan máscaras coloridas y algunos de ellos llegan a sangrar en sus instrumentos). Las composiciones de este grupo bien podrían servir de banda sonora para algún filme de ciencia ficción por su sonido futurista, con melodías repetitivas y bajos pulsantes que le dan un efecto hipnótico a la música. Fácilmente se puede perder la noción del tiempo oyendo a Satélite, y es que la mayoría de sus piezas se extienden más allá de lo usual (no debería extrañar de una banda de Post Rock), manteniendo una unidireccionalidad temática que bordea en la monotonía. No quiero insinuar que su música es todo tedio y nada retribución, pero es un arma de doble filo: o bien lo atrapa a uno en su trance o lo impacienta al punto de dejarlo únicamente esperando el final. 

Satélite inicia el EP con la "Suite Jurásika", una composición a gran escala dividida en tres partes: "Tarántula", "La odisea psicodélica del Dr. T. Rexxx" y "Dei Jah Vuh". La primera y la última exhiben el sonido clásico de Satélite: las guitarras y el bajo al frente creando el característico "muro de sonido", la batería en constante movimiento llevando un ritmo estridente detrás, con el sintetizador y el violín haciendo breves intervenciones melódicas. La atmósfera se completa con las voces y efectos introducidos a la música por computadora. "La odisea psicodélica del Dr. T. Rexxx", una grotesca improvisación (grotesca a lo "Saucerful of Secrets"), funciona más como un interludio entre ambos temas que como una pieza individual. "Dei Jah Vuh" (haciendo alusión a su nombre) pareciera ser a primera vista una revisita a la temática de "Tarántula", pero en realidad toma a ésta como punto de partida para desarrollar un nuevo tema que se presenta en la voz del sintetizador y se sostiene a través de la pieza por un incesante riff melódico del bajo. El último tema, "Neandertahl", es seguramente la mejor pieza del EP (con solo de guitarra incluido) y la más completa composición que ha escrito Satélite hasta ahora. Esta pieza muestra el lado más progresivo de la banda y es en la que logran la mayor variedad de temas e interacción entre instrumentos. 

Aún son notables las asperezas en la ejecución y en la calidad de las grabaciones (hay un aire de crudeza presente siempre en la música), lo que requerirá del trabajo de todos los integrantes para corregirlas, pero como cualquier otra banda, Satélite se encuentra todavía en camino a perfeccionar su sonido y sus ideas. La verdad es que la experiencia de escuchar a Satélite se disfruta más en vivo, y las grabaciones del grupo no esconden nada en absoluto; suenan en el disco tal y como suenan en el escenario. Al final, "La Suite Jurásika" representa un primer paso en la evolución de Satélite; será sólo cuestión de tiempo para ver hacia dónde los conducirá.  

Woodser - Daimon Bulin

Woodser

Daimon Bulin
Wawasho Records
2010

Disponible en: soundcloud.com

( 7.8 )

Si hay un mérito que reconocerle a Woodser es el de haber podido traspasar el entorno del underground para hacerse un lugar en las listas de popularidad y en el ojo de los medios locales y extranjeros, todo de manera independiente. Una hazaña admirable considerando las condiciones que imponen la industria y los medios de difusión a nuevas bandas emergentes. A pesar de ello, Woodser nunca ha pretendido adaptarse a los estándares de música popular establecidos. Tanto en su música como en su letra, se han mantenido honestos en lo que escriben y fieles a sus ideas. En "Daimon Bulin" (se pronuncia daimón bulín), el primer LP de la banda, Woodser se propone dar forma a viejas ideas (rescatan algunos temas de "Sushi Delivery") e introducen canciones más recientes de los tres integrantes, por lo que el disco encuentra un gran colorido en su variedad de estilos, pero por la misma razón se siente a veces un desbalance entre las piezas, algunas más desarrolladas que otras. En ciertos aspectos, los integrantes de Woodser aún estaban trabajando en formalizar su sonido y madurando en sus capacidades individuales y colectivas, pero "Daimon Bulin" es ya una muestra del enorme potencial que posee la banda en calidad compositiva, arreglos e instrumentación. Esta primera entrega revela ya la dirección general que tomaría el grupo en su desarrollo musical, alejándose de lo formulista y predecible, y buscando un lenguaje sonoro más libre, lo que los llevará a convertirse en los abanderados del rock indie en Guatemala. 

En cuanto a la música, "Daimon" se mantiene en constante movimiento, alternando entre tonadas suaves y melancólicas ("Autumn", "La Playa") y melodías más enérgicas ("Live Love Bet", "I can't believe I said that") que son las mejor logradas por el grupo. Incluso se entra a territorio 'lo-fi' con "Any Morning" (esta rola pide a gritos una regrabación). David Lemus es la voz protagonista en la mayoría de canciones (Ricardo Cabrera canta solo en algunas) y en esto es bastante dinámico, aunque un tanto convencional. No es pulcro en su técnica pero es lo suficientemente versátil en su expresión para dirigir las letras con seguridad hasta en los pasajes más intensos.

La lírica de Woodser abarca todo tipo de temáticas, pero su espíritu filosófico se centra siempre en el autocuestionamiento, en la búsqueda del propio ser y de su sentido en las circunstancias del mundo. Esa constante lucha por encontrar dirección en la vida es anunciada desde el inicio en "Dropped Indeed II", en palabras de Lemus: 'Cause I've been trying to find my very own personal spot. Where I am, who I am, whatever I am.' El tema es recurrente en todo el disco, pero Woodser tampoco pierde demasiado tiempo en divagaciones filosóficas. En medio de esos breves momentos de reflexión, la música se lanza de lleno a exaltar el espíritu de determinación en el anhelo de poder tomar las riendas de la vida ("Plans", el single "A Moment of Lucidity" y la conclusiva "Ukulele Song"). "Daimon Bulin" deja en claro que Woodser es una banda que resguarda grandes ambiciones artísticas, aún no satisfecha consigo misma pero con la audacia necesaria para llevar sus ideas a un plano más elevado y de mayores dimensiones.       

Dr. Tripass - Dr. Tripass EP

Dr. Tripass

Dr. Tripass EP
Bajo Presión Records
2011 

Disponible en: bandcamp.com 

( 8.6 )

                                                       

Si el nombre Dr. Tripass no les es familiar, lo más probable es que sean totalmente nuevos a la escena. Esta banda viene tocando ya desde hace seis años (se formaron en el 2007) y se han hecho un nombre entre los principales exponentes del rock instrumental del país. Durante estos seis años, la música de Dr. Tripass ha ido evolucionado constantemente, producto de la experiencia y de inevitables cambios en su alineación. Sin embargo, el sonido distintivo que los caracterizó desde el inicio ha permanecido. 

Su última producción discográfica es un EP de tres temas: "Biciman", "El Misterio de la Profecía del Hombre Enciclopedia" y la más reciente "El búho y la pipa de Chrick". Afortunadamente, el grupo decidió realizar estas grabaciones en el estudio, a diferencia de sus anteriores producciones (ambas bajo el sello Bajo Presión) que son grabaciones directas de sus presentaciones en vivo. Digo afortunadamente no por desestimar su trabajo en vivo, sino porque el detalle y las complejidades dentro de las composiciones de Dr. Tripass exigen un ambiente controlado para ser apreciadas. Los instrumentistas para esta ocasión: Dre Oliveros en guitarra eléctrica, Alejandro Rendon en bajo, Paulo Garcia en teclados y Enrique Irungaray en batería.

Desde el primer tema "Biciman" (ya un clásico en el repertorio del grupo) se hace notable el gusto de Dr. Tripass por introducir disonancias y acordes en la vena del Jazz a su sonido, así como continuos cambios de tempo, dinámica y pasajes con tiempos irregulares. "El Misterio de la Profecía del Hombre Enciclopedia" continua en la misma línea que su antecesor, mostrando una gran habilidad de interacción musical entre los integrantes. Irungaray hace aquí un trabajo excepcional en la batería. Las piezas en general no siguen una estructura establecida, pero existe siempre una consistencia en el desarrollo temático que le da a la música un sentido de redondez, de completitud en la conclusión. El grupo se mueve en todo momento como una unidad, pero dejan suficiente espacio para las voces solistas en su momento. Oliveros sigue siendo el solista principal del grupo, y como tal logra un discurso bastante balanceado. Es hábil en la técnica pero posee también un notable sentido de melodía ("El búho y la pipa de Chrick"). Ante todo, es adecuado en sus intervenciones; brilla sin opacar al resto y sin abrumar con técnica excesiva (un vicio de muchos guitarristas hoy día).    

Dr. Tripass tiene en realidad dos facetas contrastantes, una en composición y una en improvisación. En vivo, el grupo se da más espacio para desarrollar los temas a través de extensas improvisaciones que sin duda demuestran su creatividad y el carácter experimental de su música. Pero no es el caso de este EP, que es un claro ejemplo de la faceta composicional y estructurada de Dr. Tripass. Una excelente introducción para los que desean empezar a conocerlos.

Introducción

Introducción

A todos los lectores, una cordial bienvenida a este nuevo sitio dedicado a la escena musical de Guatemala. Cada viernes encontrarán una nueva reseña de las producciones discográficas de las bandas activas actualmente en el ámbito artístico nacional. La escena, bien sabemos, es muy diversa, pero indiferentemente del estilo, lo que es de importancia es la calidad y originalidad de las publicaciones, ya sean en formato EP o LP. Reitero que las reseñas aquí presentadas no pretenden establecer jerarquías sobre lo que es bueno y lo que es mejor, simplemente buscan examinar la obra musical en su contexto y evaluar su contribución al arte nacional. El buzón está abierto para cualquier pregunta, comentario o sugerencia en la siguiente dirección: laescenagt@gmail.com. Sin más que agregar, 'La Escena' queda oficialmente inaugurada con la primera reseña para esta semana. Gracias por leer.  

Prólogo

Prólogo

Que sirva esto de disclaimer. 

Mucho se ha dicho sobre el ambiente artístico de Guatemala, especialmente de la escena musical actual. Lo cierto es que en los últimos años ha habido un boom de nuevas bandas en la escena local. Más allá del sonido del Rock popular, estos grupos tienen una visión más universal y diversa de la música que los impulsa a experimentar con nuevos sonidos y nuevas formas de expresión. Son músicos jóvenes (independientes en su mayoría) que buscan abrirse espacio en la escena artística del país y llegar a oídos del público guatemalteco. Ellos sin duda constituyen una nueva generación en el desarrollo de la música nacional. 

Este espacio ha sido abierto con el propósito de dar reconocimiento al trabajo de estas bandas y difundir sus sonidos a nuevos escuchas. Hay que reconocer que gracias a la iniciativa y esfuerzo de muchas personas, la escena está poco a poco emergiendo a la superficie. Este sitio es pues, mi pequeña contribución al proyecto. No me queda más que aclarar que todo lo que se escriba en este espacio de aquí en adelante es nada más que la opinión y el criterio personal del autor. Lo que se ofrece es una reseña del desarrollo de la escena musical guatemalteca a través del análisis crítico de las producciones discográficas de las bandas nacionales. Que quede claro que el valor de la música es intrínseco y está sujeto a las sensibilidades de cada persona. Ante todo, el objetivo es enriquecer la calidad de las propuestas y la apreciación del público por la nueva música.