Cartas a Felice - Parque Infantil

Cartas a Felice

Parque Infantil
Bajo Presión Records
2013

Disponible en: bandcamp.com 

( 7.6 )

Para alguien que aún no ha conocido de cerca las aparentes contradicciones que esconde entre las mangas la música de Cartas a Felice, "Parque infantil" podría dar inicialmente una expectación un tanto desviada de su verdadero contenido. En efecto, el primer EP del combo folk/blues/swing sansalvadoreño destruye desde sus primeras notas toda impresión de sencillez e inocencia que, en la superficie, podría sugerir su colorida portada. En realidad, no es una peculiaridad nada nueva en las obras de Cartas a Felice. Ya anteriormente, el aire triste y lóbrego de "Despiértame" (publicado junto al sencillo "Barato") abría en una inesperada oscuridad ese primer lanzamiento. Es de cierta manera esa habilidad camaleónica de la banda lo que invita a retar la incertidumbre y ver detrás de las apariencias para descubrir el verdadero color de Cartas a Felice, el cual podría o no acabar traicionando toda noción de certeza y familiaridad ante lo que se encontrará a continuación.

De entrada, los tonos brillantes y soleados que augura la carátula de "Parque infantil" se convierten en sombras y melancolía en "Aurora", un sueño atormentado del vocalista José González hecho lírica y melodía en el mundo consciente. Los siete minutos de esta pieza, la más extensa de Cartas hasta ahora, avanzan entre desolación y amargura. Al final, las palabras de González (a dueto con Gabriela Rivera) se aferran con el último aliento a la esperanza de encontrar en una presencia etérea el sentido y la razón de existir. Nuevamente, una extraña elección para iniciar el EP, pero afortunadamente la sensación de contradicción no dura demasiado. Los temas sucesivos "Ruina", "Volcán" y "Kitsch en C" dan un giro a la dirección hasta ahora confusa de "Parque infantil", encaminándolo hacia senderos más iluminados.

El susurro sigiloso en "Ruina" va de la mano con los acordes apagados de blues que sirven de trasfondo para revelar un mensaje no menos siniestro: "Es querer vivir para verte caer / Es querer vivir para edificar tu ruina". Gabriela Rivera toma el micrófono en "Volcán", una melodiosa composición de compenetrados pasajes de jazz swing; junto a "Despiértame", uno de los temas mejor logrados de Cartas a Felice. "Kitsch en C" concluye el EP en el extremo opuesto a "Aurora", con un folk alegre, poético y romántico, en la voz de José González. En "Kitsch" se renuevan la luz y el paisaje, no queda recuerdo ya de los caminos tortuosos ni la bruma espectral de "Aurora". Se dejan atrás las ruinas, las guerras, los sinsabores de la vida y se vuelve a respirar libertad, gozo y comunión.  

Cóctel - Enjoy

Cóctel

Enjoy
Bajo Presión Records
2013

Disponible en: bandcamp.com

( 9.0 )

Se ha ido deslizando sigilosa una realidad dentro de las corrientes de la nueva música, aún no totalmente reconocible, pero cuyos efectos se divisan cercanos y comienzan ya a sentirse: los géneros han empezado a tornarse obsoletos. La vieja e inconsciente idea de clasificación taxonómica dentro de la música ha vuelto el paisaje artístico tan nebuloso que ya pierde sentido la ocurrencia de rebuscadas etiquetas con tal de conservar la ilusoria sensación de seguridad que ofrece el pertenecer a un subgrupo. Del torrente de propuestas que sobreviven en nuestro medio, son pocos los artistas que toman el riesgo de no atar su sonido a designación alguna, cosa que, cual arma de dos filos, puede llevarlos a un camino de brillante distinción o condenarlos inexorablemente a la confusión y al olvido. Tal es el caso de Cóctel, una banda cuyas credenciales no obedecen convenciones de ningún tipo. Si bien las influencias que se disciernen en su música se mantienen en la línea del rock y hip hop indie, la exacta categorización del sonido Cóctel resulta en última instancia, fútil.

A pesar de su relativa temprana edad, la banda ha tenido un ascenso meteórico en la escena local, publicando en lo que va del año dos EPs con el ya reconocido sello discográfico Bajo Presión: "Femme Fatale" y el más reciente "Enjoy". La popularidad y aceptación de Cóctel ha sido notoria, quizá debido a lo único de su lenguaje: agresivo y romántico a veces, rebelde, pero a la vez elegante y sofisticado, la banda combina en su música lo mejor de dos mundos. Sobre el escenario, Cóctel no pierde nada de su esencia y se entregan de lleno al público y a la música. Sin duda, esta es una banda que vale la pena escuchar en vivo. No obstante, Cóctel apenas ha empezado a forjar su camino. Por ahora, su presencia se ha extendido ya a México y Centroamérica.

Si "Femme Fatale" era un abrasivo reclamo al amor fracasado, "Enjoy" es el clamor de anhelo, nostalgia y locura que recuerda los mejores momentos de un romance intenso y apasionado. En este sentido, Cóctel aún se aferra a su principal inspiración para escribir canciones, la cual cobra vida en las líricas del frontman Jesse Baez, vocalista de dotes sorprendentes y uno de los cantantes/raperos más versátiles que se han visto en los últimos años. Sus rimas, avasalladoras en temas como "Faded" y "She don't feel me", las entrega controlando cada frase con gran naturalidad, mientras que su canto más melodioso lo reserva para piezas menos impetuosas como "Last ones dancing" y la sentimental "Can't be true".

La delicada introducción de piano en "Last ones dancing" es ya un primer indicio de madurez en el sonido de Cóctel, más reflexivo y melancólico. Las canciones de "Enjoy" encuentran un inusual punto de equilibrio entre sus elementos, donde banda y voz se complementan de tal forma que, al unísono, ambos son protagonistas de la historia. "She don't feel me", un himno a la desilusión del amor no retribuido, es un tema infinitamente dedicable para muchos de nosotros. "Faded", de tono más agresivo, arremete contra el sentimiento de frustración en la cara del desamor y recuerda un poco de lo que antecedió en "Femme Fatale", especialmente "Matahari". Un Cóctel más minimalista y atmosférico aparece en "Can't be true", prueba de que aún reducidos a sus elementos más esenciales, Cóctel puede crear todavía temas que fascinan por su densidad y colorido. A pesar de ser solo cuatro temas los que incluye el EP, "Enjoy" no deja de ser una muestra suficiente de lo que estos muchachos son capaces de hacer. Las canciones de Cóctel están hechas para cantarse, dedicarse e incluso tal vez, para superar de alguna manera las trabas sentimentales que llueven sobre mojado de vez en cuando en nuestras vidas. Altamente recomendado.

Ishto Juevez - Chapuz Chapin

Ishto Juevez

Chapuz Chapin
Lanzamiento independiente
2013

Disponible en: bandcamp.com 

( 8.1 )

El artista conocido como Ishto Juevez tiene cierta maña para contraponer elementos opuestos en sus canciones, algunas llenas de sombras, oscuridad y añoranzas, mientras que otras aparecen llenas de vida y de humor. Su música relaja, pero su poesía es mordaz. Sus versos mantienen un jugueteo casi tramposo con las palabras, dándole un sentido inesperado a sus frases y poemas. Es la clase de músico que traspasa géneros musicales sin siquiera intentarlo. Los caminos que ha recorrido sin duda han dejado una huella indeleble en su psique musical, y que ahora se traduce en melodías, ritmos y acentos que traspasan países y culturas. Pero a pesar de todo, el Ishto sostiene su bandera en alto, aun después de haber permanecido fuera de estas tierras lo suficiente para conseguir la perspectiva que saca a relucir las peculiaridades de este pueblo, sumido desde siempre entre la incomodidad y el suplicio. 

La producción más reciente de Ishto Juevez, "Chapuz Chapin", podría ser considerada por los simplistas como "música del mundo", sin embargo la fusión presente en los temas de este EP no presentan nunca un entorno delimitado en cuanto al género, temperamento o movimiento de la música. Las cinco piezas de "Chapuz Chapin" se mueven entre ritmos callejeros, bailes y baladas que recuerdan paisajes e idiomas lejanos, pero que cobran una nueva vida al nacionalizarse en las creaciones del Ishto, las cuales no pierden nada en la traducción. Como siempre, el sonido es principalmente acústico, pero permanece una dualidad de urbanidad/folclor en las canciones, sensible sobre todo en los compases de "La bandera" y la pieza titular "Chapuz Chapin".

De voz triste y embriagada, el Ishto arrastra su canto al igual que sus penas. En "Chapuz Chapin", Ishto Juevez hace un llamado hacia el interior de la olla, donde los cangrejos de Chapinlandia se amontonan contra la pared unos contra otros, como peldaños que no conducen hacia ningún lado, con los burros y monos (y el Ishto) haciendo bulla desde arriba. En la serenata "The amantes" comparte el micrófono con Pat'za para relatar juntos los valses de amor y desamor entre las parejas de sentimientos sinceros pero que de vez en cuando caen víctimas de pensamientos suspicaces que traicionan el corazón. 

"La bandera" inicia con un aire de tango que luego se descubre como un triste son cumbianchero dedicado a las lavanderas de la nación. "La bruja en la orilla" es algo completamente distinto; una pseudomarcha marcial que se transforma en susurros espaciales del Ishto que a su vez dan lugar a un interludio instrumental cuasijazz. Aparentemente a Ishto Juevez no le falta su toque de loco. Finalmente, "Amariya", basada en una colorida progresión de guitarra acústica termina el EP en una nota de optimismo. Para Ishto Juevez, la finalidad detrás del ser músico y poeta está en conectar con el mundo a través de una mentalidad colectiva y universal, de estrechar los lazos que nos unen y hacer vibrar en unísono los adentros del cuerpo y el espíritu. Así es la música del Ishto, nada más ni nada menos.

Silent Poetry - Echoes from the World

Silent Poetry

Echoes from the World
Lanzamiento independiente
2012

Sitio oficial: facebook.com 

( 5.6 )

El quinteto de power metal Silent Poetry, una banda bastante reconocida dentro de la escena metalera del país, presentó su segunda entrega "Echoes From the World" en septiembre del 2012, cuatro años después de su debut homónimo. Las sesiones de "Echoes" trajeron consigo cambios en la alineación de la banda, pero siempre contando con el resto de los miembros originales, entre ellos el vocalista Fabián Morales y el guitarrista Carlos Cruz.

Con una nueva visión y una más oscura quizá, la banda toma como inspiración central para "Echoes" el ocaso de la civilización maya, un trasfondo que sirve de alegoría para las letras de las 13 piezas del disco, muchas de ellas explícitas descripciones de guerra, opresión y odio, pero que hacen al mismo tiempo un llamado al despertar de la inconformidad y la rebelión ante los moldes del sistema. La banda usa el inglés aquí casi como lengua materna, pero permanece una sensación extraña durante todo el disco, producto de ese choque cultural entre lo maya y lo anglosajón. Aunque para algunos fans de Silent Poetry no tenga relevancia el significado detrás de las letras, es cuestionable si de verdad la elección del lenguaje es una auténtica necesidad o bien simplemente una convención impuesta por la escena metalera internacional.

Los abundantes riffs de guitarra y dramáticos arreglos de teclado en "Echoes From the World" están claramente inspirados en el sonido ochentero y noventero del metal progresivo, dándole a las composiciones un ligero toque sinfónico, aunque los muchachos de Silent Poetry no se sumergen demasiado en ambiciosas interacciones instrumentales, características de este género. De entrada sorprenden la introducción "Áak'ab" y la primera serie de piezas, especialmente "Defiance" y la balada "Fairytale Over", pero el combustible en la máquina de Silent Poetry parece acabarse rápidamente al avanzar por terrenos similares en las siguientes canciones. No será sino hasta el final, en piezas como "Inside" y "Anguish" que la banda vuelva a cautivar con algo fuera de lo común.

El guitarrista/compositor de la banda, Carlos Cruz, pareciera tener un impulso casi instintivo hacia la composición musical, lanzándose de lleno a la primera idea musical que se le ocurra, sin preocuparse mucho por la sustancia de lo que crea. De esa cuenta no es raro que la música de Silent Poetry esté orientada principalmente hacia la voz de la guitarra. Las composiciones de Cruz ciertamente tienen ímpetu, pero pueden a veces sentirse nada más que como vehículos para sus solos, en los cuales el guitarrista no escatima nada para hacer alarde de sus habilidades.

"Echoes From the World" es no obstante un esfuerzo notable en el género del metal. El grupo sin duda goza de popularidad entre los seguidores del género y muchos han quedado a la espera de lo que será la continuación al viaje de Silent Poetry en la escena nacional. El disco no se salva de cierta crudeza en su producción; sus deficiencias dejan entrever el apego que todavía sienten algunas bandas independientes a la filosofía del "hazlo tú mismo", nada inherentemente malo en ello a excepción del riesgo que se corre en terminar con un producto poco profesional. El juicio de los artistas debe obedecer a su instinto musical, pero nunca debe permitirse olvidar la sensibilidad de la audiencia. Aquí, Silent Poetry ha buscado satisfacer hasta los últimos oídos gustadores de metal. Quizá sea parte de la razón por la que el género aún se mantiene relegado a sus propios círculos, en vez de traspasar fronteras hacia una mayor audiencia y componer música para el mundo, en vez de para una comunidad. Merece una escuchada, tan solo para apreciar el esfuerzo y dedicación de una banda profundamente comprometida con el arte del país.

De la Rut - Música en la piel

De la Rut

Música en la piel
Lanzamiento independiente
2013

Disponible en: soundcloud.com 

( 7.2 )

De la Rut inició actividades artísticas alrededor del año 2008, fruto de la colaboración entre varios músicos amigos, cada uno con distintas influencias que eventualmente reunieron en un mismo concepto musical, pero fue hasta este año que el grupo dio a conocer su primer material, el EP "Música en la piel", de estilo funk pop, aunque introduciéndose también a géneros tan disímiles como el rock, el jazz y la balada. El grupo, sin duda desbordado por el material acumulado en sus cinco años de existencia, ha vertido la mayoría de su trabajo en este primer EP, y aunque el paso del tiempo es notorio en el estilo de algunas de las piezas que lo componen, es claro que estos músicos han procurado presentar el material como una totalidad cohesiva, a diferencia de una colección aleatoria de tonadas de diferentes épocas. Desde el inicio, De la Rut ha sido una banda enfocada en evolucionar, poniendo un constante esfuerzo en el perfeccionamiento de sus piezas y en darse a conocer ante la audiencia y el público en general, tanto en su natal Quetzaltenango como en la ciudad capital.

Liderados por su vocalista y compositor René Herrera, De la Rut ofrece un funk pop sin pretensiones que, si bien no carece de precedentes, se mantiene fresco y efervescente, por un lado gracias a las influencias de jazz y soul presentes en sus temas y por otro a la tensión y dinamismo que introducen de manera inesperada los solos de saxofón y guitarra en la música, dejando atras los paradigmas de la canción pop tradicional y abriendo espacio para un fluir más natural de la melodías.

Las seis piezas del EP, aunque bastante sencillas en estructura, logran abarcar un espectro bastante amplio de moods y atmósferas, desde la dulce ligereza de temas como "Y qué si te digo" y "La canción fresa" hasta un funk rock más enérgico en "Camarada", "No eres mi todo" y la contagiosísima "Detenerme en el tiempo". Los interesantes arreglos instrumentales ponen a las canciones del grupo en un plano distinto, separado de las reglas y formatos (al menos dentro de los dominios del pop), logrando un inusual balance entre lo amigable y lo musicalmente complejo.

Reconforta mucho saber que existen grupos como este, capaces de moverse dentro de la música popular sin caer en la insipidez de lo comercial ni en gastadas fórmulas de complacencia masiva. Las canciones de De la Rut captan la atención hasta la última nota, algo que pocos artistas de pop logran alcanzar. Esperen su primer LP muy pronto.