Silent Poetry - Echoes from the World

Silent Poetry

Echoes from the World
Lanzamiento independiente
2012

Sitio oficial: facebook.com 

( 5.6 )

El quinteto de power metal Silent Poetry, una banda bastante reconocida dentro de la escena metalera del país, presentó su segunda entrega "Echoes From the World" en septiembre del 2012, cuatro años después de su debut homónimo. Las sesiones de "Echoes" trajeron consigo cambios en la alineación de la banda, pero siempre contando con el resto de los miembros originales, entre ellos el vocalista Fabián Morales y el guitarrista Carlos Cruz.

Con una nueva visión y una más oscura quizá, la banda toma como inspiración central para "Echoes" el ocaso de la civilización maya, un trasfondo que sirve de alegoría para las letras de las 13 piezas del disco, muchas de ellas explícitas descripciones de guerra, opresión y odio, pero que hacen al mismo tiempo un llamado al despertar de la inconformidad y la rebelión ante los moldes del sistema. La banda usa el inglés aquí casi como lengua materna, pero permanece una sensación extraña durante todo el disco, producto de ese choque cultural entre lo maya y lo anglosajón. Aunque para algunos fans de Silent Poetry no tenga relevancia el significado detrás de las letras, es cuestionable si de verdad la elección del lenguaje es una auténtica necesidad o bien simplemente una convención impuesta por la escena metalera internacional.

Los abundantes riffs de guitarra y dramáticos arreglos de teclado en "Echoes From the World" están claramente inspirados en el sonido ochentero y noventero del metal progresivo, dándole a las composiciones un ligero toque sinfónico, aunque los muchachos de Silent Poetry no se sumergen demasiado en ambiciosas interacciones instrumentales, características de este género. De entrada sorprenden la introducción "Áak'ab" y la primera serie de piezas, especialmente "Defiance" y la balada "Fairytale Over", pero el combustible en la máquina de Silent Poetry parece acabarse rápidamente al avanzar por terrenos similares en las siguientes canciones. No será sino hasta el final, en piezas como "Inside" y "Anguish" que la banda vuelva a cautivar con algo fuera de lo común.

El guitarrista/compositor de la banda, Carlos Cruz, pareciera tener un impulso casi instintivo hacia la composición musical, lanzándose de lleno a la primera idea musical que se le ocurra, sin preocuparse mucho por la sustancia de lo que crea. De esa cuenta no es raro que la música de Silent Poetry esté orientada principalmente hacia la voz de la guitarra. Las composiciones de Cruz ciertamente tienen ímpetu, pero pueden a veces sentirse nada más que como vehículos para sus solos, en los cuales el guitarrista no escatima nada para hacer alarde de sus habilidades.

"Echoes From the World" es no obstante un esfuerzo notable en el género del metal. El grupo sin duda goza de popularidad entre los seguidores del género y muchos han quedado a la espera de lo que será la continuación al viaje de Silent Poetry en la escena nacional. El disco no se salva de cierta crudeza en su producción; sus deficiencias dejan entrever el apego que todavía sienten algunas bandas independientes a la filosofía del "hazlo tú mismo", nada inherentemente malo en ello a excepción del riesgo que se corre en terminar con un producto poco profesional. El juicio de los artistas debe obedecer a su instinto musical, pero nunca debe permitirse olvidar la sensibilidad de la audiencia. Aquí, Silent Poetry ha buscado satisfacer hasta los últimos oídos gustadores de metal. Quizá sea parte de la razón por la que el género aún se mantiene relegado a sus propios círculos, en vez de traspasar fronteras hacia una mayor audiencia y componer música para el mundo, en vez de para una comunidad. Merece una escuchada, tan solo para apreciar el esfuerzo y dedicación de una banda profundamente comprometida con el arte del país.

De la Rut - Música en la piel

De la Rut

Música en la piel
Lanzamiento independiente
2013

Disponible en: soundcloud.com 

( 7.2 )

De la Rut inició actividades artísticas alrededor del año 2008, fruto de la colaboración entre varios músicos amigos, cada uno con distintas influencias que eventualmente reunieron en un mismo concepto musical, pero fue hasta este año que el grupo dio a conocer su primer material, el EP "Música en la piel", de estilo funk pop, aunque introduciéndose también a géneros tan disímiles como el rock, el jazz y la balada. El grupo, sin duda desbordado por el material acumulado en sus cinco años de existencia, ha vertido la mayoría de su trabajo en este primer EP, y aunque el paso del tiempo es notorio en el estilo de algunas de las piezas que lo componen, es claro que estos músicos han procurado presentar el material como una totalidad cohesiva, a diferencia de una colección aleatoria de tonadas de diferentes épocas. Desde el inicio, De la Rut ha sido una banda enfocada en evolucionar, poniendo un constante esfuerzo en el perfeccionamiento de sus piezas y en darse a conocer ante la audiencia y el público en general, tanto en su natal Quetzaltenango como en la ciudad capital.

Liderados por su vocalista y compositor René Herrera, De la Rut ofrece un funk pop sin pretensiones que, si bien no carece de precedentes, se mantiene fresco y efervescente, por un lado gracias a las influencias de jazz y soul presentes en sus temas y por otro a la tensión y dinamismo que introducen de manera inesperada los solos de saxofón y guitarra en la música, dejando atras los paradigmas de la canción pop tradicional y abriendo espacio para un fluir más natural de la melodías.

Las seis piezas del EP, aunque bastante sencillas en estructura, logran abarcar un espectro bastante amplio de moods y atmósferas, desde la dulce ligereza de temas como "Y qué si te digo" y "La canción fresa" hasta un funk rock más enérgico en "Camarada", "No eres mi todo" y la contagiosísima "Detenerme en el tiempo". Los interesantes arreglos instrumentales ponen a las canciones del grupo en un plano distinto, separado de las reglas y formatos (al menos dentro de los dominios del pop), logrando un inusual balance entre lo amigable y lo musicalmente complejo.

Reconforta mucho saber que existen grupos como este, capaces de moverse dentro de la música popular sin caer en la insipidez de lo comercial ni en gastadas fórmulas de complacencia masiva. Las canciones de De la Rut captan la atención hasta la última nota, algo que pocos artistas de pop logran alcanzar. Esperen su primer LP muy pronto.

Banykomio Ajpu - Colibrí EP

Banykomio Ajpu

Colibrí EP
Bajo Presión Records
2013

Disponible en: bandcamp.com 

( 6.8 )

Considerando el estado y las manifestaciones del arte musical que uno encuentra en este país, me atrevería a decir que más música ha salido de las calles de Guatemala que de sus conservatorios y academias. Al igual que los verdes retoños que se ven brotar en las grietas entre los ladrillos y el cemento, así han germinado muchos de nuestros artistas, y así continúan creciendo, en el mismo terreno, haciendo uso de sus medios sin importar las condiciones. Algo así puede verse a Banykomio Ajpu, heredero del arte de los trovadores de antaño; un genuino músico callejero que, con guitarra en mano, se abre paso entre el estrépito de la urbanidad y los impasibles edificios de concreto para traernos una pequeña muestra de su trabajo, su primer EP "Colibrí", una colección de seis piezas en las que confluyen el reggae, la cumbia y el folk gitano en una atmósfera bohemia, llena de color y vitalidad.

Las canciones y melodías en "Colibrí" no podrían ser más simples, no obstante, la música de Banykomio Ajpu no carece en ningún momento de inspiración. Su sencillez proviene de un acercamiento minimalista, tanto en estructura como en instrumentación, dándole un encanto primitivo a la música, que regresa a lo esencial y se escapa del ruido y la banalidad moderna. Con lo poco que introduce a la mezcla, Banykomio logra pintar un paisaje auténtico y puro de su visión artística. Sus letras, sinceras, pero también fruto de una profunda meditación, las canta desde el corazón, con una voz rebelde que alienta versos de poesía cósmica, remembranzas y cantos dedicados a la Madre Tierra, a las deidades del cosmos, a la naturaleza, al amor y a la vida.

Canciones como "Colibrí" y "Paz Ciencia" resguardan un irreprimible deseo de resquebrajar los cimientos de piedra que nos separan de la Tierra e invocan a las fuerzas etéreas que nos conectan en la oscuridad, haciéndonos Uno con los demás. "Toda realidad es especial/lo contrario a mi verdad también es verdad" exclama Banykomio en "Paz Ciencia"; somos entidades distintas, pero compartimos una misma esencia. Lo vital siempre es invisible.

El alegre ritmo de "Como ella no hay ninguna" y las sinceras promesas en "Mejor trabajador" muestran un poco el romanticismo desenfadado de Banykomio, mientras que en la reflexiva "Contra la corriente" queda al descubierto la naturaleza migratoria de este músico, siempre cambiante y en movimiento. Completan la atmósfera del EP los zumbadores silbidos de Banykomio, que evocan las melodías y cantos de los pájaros, detrás del rápido aleteo de un colibrí.

Los Tiros - Tu Pesadilla Regresó, Bienvenido al Infierno

Los Tiros

Tu Pesadilla Regresó, Bienvenido al Infierno 
Bajo Presión Records
2013

Disponible en: bandcamp.com  

( 7.7 )

Tras la inesperada desaparición de Los Mojarras hace ya algún tiempo, un sensible vacío quedó flotando en el ambiente: los escenarios en calma, las pistas de baile cada vez con menos actividad. Se respiraba un extraño aire de decencia en los bares y rincones culturales de la ciudad. Entre tanto orden y propiedad, parecía que las cosas habían regresado a la normalidad. Por supuesto, nuevas conjuntos musicales y artistas siguieron emergiendo, pero aún se esperaba a alguien que trajera finalmente la teatralidad, el humor y la extravagancia de vuelta a la música guatemalteca. Los Tiros, la agrupación más reciente en la tradición temático-conceptual de Bajo Presión Records, pueden verse de cierta manera como la banda secuela a Los Mojarras, aunque quizá sin el temple bailable y excéntrico que caracterizó la música de estos últimos. No obstante, el sonido de Los Tiros trae consigo influencias lejanas del surf mojarrense (no es de extrañar, considerando que la mitad de los miembros estuvo presente anteriormente en Los Mojarras), pero el estilo western surf/punk de estos muchachos es, hasta donde sé, algo nunca antes concebido por estos lugares. Aun así, ambas bandas comparten la misma filosofía en cuanto a la composición y arreglo de sus piezas. De cierta manera, Los Tiros retoman el camino del surf recorrido por Los Mojarras, pero le dan a la música un cambio de dirección, menos pegadiza y más directa y potente. Los Mojarras tenían sabor, Los Tiros tienen garra. 

Casi un año después del EP "Hijos de Puta Malos" (2012), Los Tiros lanzan su primer trabajo de larga duración, el pseudoconceptual "Tu Pesadilla Regresó, Bienvenido al Infierno", prácticamente la banda sonora de un filme del viejo oeste, un disco cargado de adrenalina, explosiones de pólvora y cabalgantes acordes de guitarra que acompañan el nudo y desenlace de la historia de Los Tiros en Gran Morongo. Los casi 30 minutos del LP se reparten entre 12 tonadas de puro punk rock instrumental al estilo western, Alonso en la guitarra principal con trémolos y melodías, y los González trazando la base armónica en guitarra rítmica, bajo y batería (deberían cambiarse el nombre a "Alonso y los González"). Es claro que el espíritu musical de Los Tiros descansa en las raíces del punk, pero lejos de limitarse al combo tradicional de guitarra/bajo/batería, han logrado abrir su sonido e incorporar nuevas texturas a través del uso de instrumentos como el theremín y el órgano, totalmente foráneos a la estética sonora del punk. 

Escuchen "Asalto al tren de Gran Morongo" y las consecutivas "Cantina Pesadilla", "Casino" y "Diente de Oro" para los mejores y más intensos momentos de "Tu Pesadilla Regresó". Piezas como "Fogata en Gran Morongo" y "Mil Tomahawks esperan por mí" bajan la velocidad y permiten un momento de respiro antes de la confrontación final en "Dos mil Tomahawks esperan por mí" y el momento decisivo en "El Beso del Diablo". Otras como la insidiosa "Voy, lo mato y vuelvo" y "Emboscada al amanecer" pasan sin dejan mayor rastro en la memoria, pero el disco, con todos sus giros y vueltas, vale la pena oírlo de principio a fin. 

No sorprende el hecho de que Los Tiros han encontrado ya una cantidad considerable de adeptos y seguidores, tanto en Guatemala como en el resto de Centroamérica, y "Tu Pesadilla Regresó, Bienvenido al Infierno" es solo el primer paso. Música como esta es prueba de que incluso un género tan invariable como el punk puede encontrar nuevas tendencias y posibilidades para explorar. Habrá que esperar y ver hacia dónde conducirá el siguiente paso de Los Tiros, pero por ahora, parece que van en la dirección correcta.

Jonathan Carrion - Invasor Transparente

Jonathan Carrion 

Invasor Transparente 

Lanzamiento independiente

2013

Disponible en: bandcamp.com 

( 7.0 ) 

Jonathan Carrion apareció en la escena como uno de los últimos autores de rock nacional en español, trayendo consigo un repertorio inspirado en la corriente indie actual, pero tomando los sonidos del rock noventero como base y expandiendo sobre ellos. De cierta manera, la filosofía de la corriente alternativa de ese entonces (el arte y la música como escape de la sociedad, de lo habitual y mundano) sigue presente en la música de Carrion, aunque él probablemente ve sus canciones más como frágiles medios de expresión poética que como fuerzas de acción y movimiento social. En efecto, Carrion surca caminos distintos en las letras de sus canciones, concentrándose en temas introspectivos, de desahogo, confesión y tumulto interno.

El viaje de Carrion en "Invasor Transparente", su primer lanzamiento, es uno de separación, ausencia, el "uno contra el mundo", pero también de esperanza, del espíritu de lucha que alimenta nuestro ser. Las piezas escritas por Carrion para "Invasor" se mueven indecisas entre el alt rock y el indie pop, tirando ocasionalmente hacia el terreno del folk. Ciertamente no hay nada de novedoso en su propuesta, pero logra al menos mantener una estética fresca y un sonido moderno en cada una de sus canciones.

Los 41 minutos de "Invasor Transparente" demandan algo de paciencia (pudo haberse beneficiado de cierta edición), pero el disfrute de este disco se acentúa con el tiempo. La aparente similitud entre las 10 piezas que lo conforman crea una atmósfera de familiaridad, no en el sentido de ser predecible sino de su concepción como un trabajo completo, dando como resultado un disco armonioso y consistente. Quizás a causa de lo anterior es que ninguna pieza de "Invasor" destaque especialmente del resto, aunque podría señalar la lenta balada "Soledad" y la melodiosa "Cuantas formas" como los mejores esfuerzos de Carrion en este disco. Su aproximación al escribir canciones es simple, casi formulista en los versos y acordes. Su estilo recuerda bastante a bandas como Razones de Cambio (Juan Aguirre es coproductor en "Invasor" de hecho). Carrion es un cantautor nato, conoce bien las reglas de su arte y las sigue de cerca, pero en el proceso se restringe la oportunidad de crear algo realmente innovador y desafiante.

Como debut, "Invasor Transparente" es un trabajo sólido, la banda no pierde un solo beat y la producción es impecable. Los mensajes de Jonathan Carrion abarcan sentimientos que todo ser humano experimenta tarde o temprano en la vida, y es por ello que estas canciones pueden resonar en la mente y en el corazón de todos.