These City Lights - Fall, It Came Upon Us

These City Lights 

Fall, It Came Upon Us 
Bajo Presión Records
2012

Disponible en: bandcamp.com 

( 7.4 ) 

Los artistas de folk son bastante peculiares. Sospecho que hay pocas cosas que generen en una persona un mayor estado de introspección y ensimismamiento que el estar a solas, sentados con una guitarra acústica, rasgando sin ganas un par de acordes y lanzándose a cantar la primera melodía que les inspire el momento. Algo tendrá el hacer música con uno mismo que de alguna manera lo lleva a aislarse mentalmente del exterior y encontrar inspiración en las experiencias personales y en las memorias del pasado. La música pareciera haber salido a la luz después de un largo retiro en las afueras, en medio de la quietud de paisajes bucólicos, distanciados del mundo y de las personas. En el caso del dúo These City Lights, todos estos elementos relucen en las canciones de su primer EP "Fall, It Came Upon Us", las cuales combinan el brillo del pop moderno con las sensibilidades del folk tradicional, resultando en creaciones penetrantes, de aparente sencillez pero cargadas de sentimiento. 

El guitarrista Seth Purcell y la cantante Cynthia Fión son las mentes detrás de la música de These City Lights, Purcell encargándose de la musicalización y los instrumentos, Fión en las líricas y la melodía, pero en realidad, ambos trabajan como uno solo; prueba de ello es el notable equilibrio en el protagonismo que ejerce cada uno en las piezas del EP. Incluso en las canciones esencialmente de guitarra y voz, la música no se siente nunca vacía o carente de elementos, no tanto por el relleno de capas de acordes sino por la atención en el detalle y cuidado de los arreglos. 

Los temas de "Fall" mantienen una cercana relación en su ambiente musical, rara vez despegándose del estilo balada trágico-romántica que impregna la mayor parte del disco. Digo de romance trágico porque si bien hay breves momentos de candor e intimidad, el resto sugiere un clima de ruptura y desamor, terminando a veces con esperanza en el horizonte y a veces con la tristeza de lo inevitable, pero es un recordatorio de que aún si la remembranza del dolor nunca desaparece del todo, nuestra determinación de no sucumbir frente al sufrimiento es la única vía para la superación. Así es el sentimentalismo de These City Lights: dulce y amargo al mismo tiempo. 

La voz cristalina de Cynthia Fión es sin duda el mayor atractivo en la música de These City Lights. No es sólo el afecto y la gentileza que imparte a sus líneas, es más su poetismo y su don para la melodía que, sumados a la naturaleza profundamente personal de las letras, hacen el escuchar las canciones de "Fall" una experiencia a la vez serena y emocionante. Los suaves versos de la arrulladora "Near Luna" sirven de preámbulo para las atmósferas más oscuras y turbulentas de canciones como "I Had a Home", "Eyes Wide Open" y "Crash & Burn", en las que el ambiente se torna pálido, casi depresivo. "Head Out Last" sigue en la misma dirección, con tenues acordes de guitarra adornando una elegante armonía vocal en el coro. "Come What May" da un respiro momentáneo en la calidez de un reencuentro amoroso que termina irremediablemente con la amarga despedida que relata la última pieza del EP, "Crash & Burn". "It seems like in the end love was not enough" canta Cynthia al final, como reconociendo en su desesperación que hasta los deseos humanos más puros se ven impedidos ante lo infranqueable de la realidad. Después de todo, la historia de amor de "Fall, It Came Upon Us", como muchas otras antes y después, no tuvo un final feliz.

Madam Funtoo - Cuentos de Ultradunda

Madam Funtoo 

Cuentos de Ultradunda 
Turbomofle Records
2012

Disponible en: bandcamp.com 

( 8.0 ) 

Madam Funtoo presentó en agosto del año pasado su segundo (y último) larga duración "Cuentos de Ultradunda" en un concierto de magna ridiculez y despilfarro visual que marcaría la separación del grupo y su despedida de la escena (aunque no lo anunciaron oficialmente sino hasta hace poco). Por triste que sea su partida, la muerte de Madam no cae en realidad como una sorpresa, después de cinco meses de inactividad y silencio desde de esa singular noche de agosto. Quedará al menos para la memoria la delirante rendición de "Cuentos de Ultradunda" que la banda ofreció para su lanzamiento. Si algo quedó claro, es que Dani, Chiru y Mota estaban determinados en finalizar la historia de Madam Funtoo con toda la magnificencia que merecía, y para los que tuvieron la oportunidad de presenciarlo, se vivió como el ascenso apoteósico de tres músicos abandonados a sus instrumentos y a la merced del destino, culminando finalmente en el ocaso definitivo de una banda de rock en estado terminal, ahogada en su propia esencia. La decadencia en todo su esplendor. 

Si acaso las crudas imágenes mentales que evocó "Chow Tama" no hayan sido suficientes para catalogar a Madam Funtoo como no apta para menores, el contenido de "Cuentos de Ultradunda" sobrepasa a su antecesor, llegando incluso a rozar lo polémico, al menos en los ojos de una sociedad tan conservadora como la nuestra. Fieles al género del stoner rock, Madam hace de esta nueva producción un trabajo semiconceptual que gira en torno al estupefaciente natural por excelencia: la marihuana (una "oda al cannabis" como le llaman ellos). Sin embargo, más que un vehículo para glorificar el consumo de cannabinoides, "Cuentos" es bajo la superficie una narración de las consecuencias sociales que se viven a causa de la debilidad humana: el ocio, la avaricia, el odio, la adicción. Siempre ha existido esa dualidad casi contradictoria en la filosofía de Madam, algo que se mantiene vigente en la temática y en las letras de estas canciones. 

La grabación de "Cuentos" se hizo con la banda completa, a diferencia del método usual de grabar cada instrumento por separado, y dista bastante del sonido lleno y transparente de "Chow Tama". Los extensos pasajes instrumentales al final de "Recolección" y "Fumazón" se benefician particularmente del cambio de sonido, quizá no tan balanceado como el de su antecesor, pero que muestra la faceta más real y auténtica de Madam Funtoo. La disonancia imperante en piezas como "Ignición", "Combustión" (reconocidas de su repertorio en vivo) y "Producción" (con Mau de Remolacha Beets en la voz) se completa con las estrepitosas líneas de bajo de Mota y el canto grave y siniestro de Dani Utrera. "Fumazón", la sexta pieza y la más larga del disco, es probablemente el logro cúspide de la banda y la más representativa de su sonido. Un acorde de bajo saturado marcando la base, el ritmo lento de la batería y el venenoso riff de guitarra se combinan para crear un ambiente tóxico, inescapable, que evoca perfectamente el momento de perdición bajo los efectos del THC. Los sentidos se adormecen, la mente se nubla, y con el último respiro de consciencia desvaneciéndose, no queda más que rendirse ante las extrañas visiones quiméricas que asaltan nuestros ojos, producto de nuestra alterada y somnolienta imaginación. 

Si esto es lo último que se oirá de Madam Funtoo, es un testamento apropiado. Desde el inicio, Madam fue una banda que hizo total caso omiso de las reglas, no por superfluos impulsos de rebeldía juvenil sino por querer sacar al público de su zona de confort y hacerles ver las cosas desde un punto de vista diferente. Si no por su música, al menos por esto serán recordados. Eso, o a lo mejor sólo disfrutaban mucho tocar música estridente y cantar letras extrañas mientras vestían de falda en el escenario.

World Bridges On Fire - Soul Megaphone

World Bridges On Fire 

Soul Megaphone EP 
Lanzamiento independiente
2012

Disponible en: soundcloud.com 

( 6.0 ) 

El proyecto World Bridges On Fire del compositor/multiinstrumentista Oscar Arévalo y su primera producción, el EP "Soul Megaphone" publicado el año pasado, merecen de entrada algo de premeditación y cuidado. Cabe reconocer que el singular temple de la música de World Bridges puede incitar de sobremanera a emitir un juicio brusco y terminante sobre ella, pero el hecho es que el absorber enteramente la propuesta de este músico demanda del escucha algo más que tiempo y disposición. Empezando por lo poco ortodoxo de ser esencialmente una banda de un miembro (al menos así lo sostiene en sus presentaciones), es claro que World Bridges tiene más de unas cuantas limitaciones, en lo que a tocar en vivo se refiere. Arévalo es en realidad un artista de estudio. Podría pensarse en él como el equivalente moderno del hombre orquesta si no fuera porque "Soul Megaphone" es ejecutado casi en su totalidad por una computadora. Es un ejemplo de lo que ocurre cuando un compositor no cuenta con intérpretes para su obra. Afortunadamente para nosotros (y para World Bridges), las herramientas tecnológicas de nuestra era nos permiten escuchar, por lo menos en aproximación, lo que realmente suena dentro de la cabeza del compositor Oscar Arévalo. 

Las seis piezas que conforman el EP se desarrollan en una atmósfera común: lúgubre, gris y pesada. Es como si cada una ofreciera una visión distinta de un imaginario paisaje post apocalíptico, frío y oscuro. Desde la ominosa introducción de piano en "Winter Comes True" hasta los delicados acordes de cello en "Winter Sun Over a Frozen Dying Heart", el ambiente que predomina en "Soul Megaphone" es uno de melancolía y desolación. El hilo conceptual que amarran sus temas le da un sentido de continuidad, tanto así que bien podría verse como una gran pieza de 22 minutos. Los compases lentos y el sonido cargado de cuerdas en escala menor le dan un particular aire gótico/neoclásico a la música de World Bridges, una tendencia que continúa presente en temas más recientes como "Blue Roses Gray Wolves" y "Amanda". 

La orquestación de Arévalo para las piezas de "Soul Megaphone" es convencional y poco ambiciosa. Su paleta de sonidos se limita a cellos, piano y percusión, lo cual se adapta suficientemente bien a su estilo, pero deja mucho que desear en cuanto a la explotación de colores tímbricos que ofrece la instrumentación sinfónica, aún si la artificialidad de los sonidos utilizados por Arévalo se queden cortos en calidad acústica y realismo. Su concepción musical es seria, no discorde a la naturaleza despótica de su obra, pero de ningún modo llamaría a su música "difícil" o "impenetrable". Lo cierto es que no se ven muy seguido compositores de este tipo en nuestro ámbito musical. Escuchando a World Bridges en vivo, uno puede llegar a sentirse distanciado ante lo que oye; es música de carácter tan personal que difícilmente logra despertar sentimientos de empatía hacia su creador. Ciertamente hay algo de fatalista en la visión de Arévalo, y puede hacerse esperar lo suficiente antes de presentar una resolución a su conflicto. Si hay algo que necesitarán para entender este disco es paciencia. 

World Bridges On Fire podrá no poseer el movimiento y ebullición de una banda de rock, pero se justifica en que sus ideas son simplemente demasiado serias para el rock. La música de "Soul Megaphone" puede resultar fascinantemente bella o insoportablemente tediosa, uno lo decidirá. Como artista, Arévalo no parece esperar aprobación o condescendencia hacia su creación; más bien su energía está concentrada en una cosa: comunicar emoción y sentimiento hacia la superficie, con la esperanza de que alguien que pasa se detenga por un momento y escuche con atención la incesante banda sonora que escupe el megáfono de un alma en llamas.

Rotz - Monsters EP

Rotz 

Monsters EP 
Bajo Presión Records
2012

Disponible en: bandcamp.com 

( 5.4 ) 

Desde hace ya un tiempo (finales del 2011 para ser exacto) que el trío de anglo folk pop Rotz ha estado rondando, un tanto de lejos, los alrededores de la escena local. Aunque relativamente nueva, la banda ya lleva tras de sí un hilo creciente de seguidores. No está mal para un grupo que, aparte de encontrarse bastante sumergido todavía en el nido de su género, no ha publicado nada más que un EP, "Monsters", de seis temas en el sello Bajo Presión. Las seis canciones, todas autoría del líder del grupo Diego Rodas, se mantienen en la línea del pop baladesco, alargado por momentos y muy emotivo en temática y tonalidad. 

Los que hayan escuchado algo de la música de Rotz sabrán que sus canciones se basan mayormente en instrumentación acústica (guitarra, ukulele, contrabajo, xilófono), lo que le da cierta cualidad orgánica a su sonido, pero no del todo bien lograda y por la misma razón termina sintiéndose seco e insípido. La sonoridad del grupo podrá no resaltar por su brillantez (es folk después de todo), pero la naturalidad de sus melodías, por lo menos, es honesta. Ciertamente, estas son canciones que uno puede verse cantando junto a sus amigos alrededor de una fogata. 

Como cantautor, Rodas pone el énfasis en sus palabras. Parece ser el tipo de músico que compone con la voz, en vez de con el instrumento. Su línea vocal traza el camino de los acordes que la acompañan, no al revés. Quizá a causa de esa tendencia es que gran parte de "Monsters" carezca de mayores ideas en lo instrumental. Los acordes que rasga en la guitarra le sonarán familiares a cualquiera, al punto de volverse completamente predecibles en algunos pasajes. Esa convencionalidad en la composición es sin duda responsable de la afabilidad de las canciones de Rotz, pero es justamente eso lo que le impide alcanzar las alturas de algo realmente vibrante e inspirado, incluso en los momentos más intensos y emocionales del EP. Rodas no es en ningún sentido un vocalista desapasionado. Hay fuerza y convicción en la entrega de sus palabras; su canto es enérgico, pero nunca al punto de resquebrajarse. En medio de lo rústico y simplista de su música, su voz logra sobresalir por su vivacidad. Lo que le falta en creatividad lo compensa, al menos, en actitud. 

Para su primer EP, Rotz optó por ir a lo seguro. Puede ser que esta excesiva prudencia sea sólo producto de mi imaginación, no lo sé bien. Las melodías de "Monsters", aunque algo acarameladas para mi gusto, tienen su encanto; logran una inocencia que conmueve. El problema es que resultan demasiado inofensivas, muy light digamos. Sea como fuere, "Monsters" aún merece la pena escucharse, tan sólo porque al final, la experiencia de la música es cosa de cada quien. Diré nada más que mi favorita es "Don't Let Them Say" y kudos a Bowy en la batería.

Skalda2 - VIVOras!

 Skalda2 

VIVOras! 
Lanzamiento independiente
2011

Disponible en: bandcamp.com 

( 7.9 ) 

Aún si han pasado sus días metidos en una caverna en medio de la selva petenera los últimos siete años, habrán por lo menos escuchado mencionar (tal vez de los monos aulladores) el nombre de esta banda. Junto a The Killer Tomato y Trinky (sus bandas hermanas), Skalda2 apareció en la escena a mediados de la década pasada y su trayectoria ha ido en ascenso constante, conduciéndose indefinidamente entre lo popular del mainstream y lo audaz del under. Su primera publicación, "DEMOsle!" (Bajo Presión, 2006) fue un lanzamiento menor que mostraba a los miembros de Skalda2 aún en el proceso de concretar sus ideas y tomar las riendas de su sonido, pero que incluía ya algunas de las canciones ("Misil" y "Con el Pie Izquierdo" entre ellas) que formarían parte del primer larga duración oficial de la banda, "VIVOras!", cinco años después. 

La música de Skalda2 tiene su punto de partida en los ritmos y acordes rápidos del ska, influencia común a todos los miembros del sexteto. A partir de ahí, las contribuciones de cada músico introducen a la mezcla elementos del punk, funk, reggae, surf incluso. Skalda2 arma la música de la misma manera en que uno junta las piezas de un rompecabezas; el resultado final se convierte en algo más que la suma de sus partes, y esto se refleja especialmente en las canciones de "VIVOras!". Lo abierto y extrovertido de la música de Skalda2 se complementa con la franqueza y lo aterrizado de sus letras, a veces de optimismo, de remembranzas, a veces de desamores y otras veces de inconformidad y disgusto, pero siempre encontrarán una historia, un mensaje o una intención en las palabras que canta el vocalista Diego Tobar. Más que letristas, Skalda2 son cuentacuentos. 

No entraré en detalle alguno y describirles lo que ocurre en las 15 piezas que conforman el disco, ni mucho menos profundizar en la significancia artística/social de lo que expone el grupo en su música y su letra. No porque no lo merezca sino porque con Skalda2 no es necesario. El ska es un género ya bastante asentado en la mente colectiva del público como para que lo tome a uno por sorpresa. La verdad (los mismos Skalda2 lo han dicho), no hay mucho de innovador en su estilo de música brass punk y letras juveniles. Para Skalda2, la filosofía de ser un grupo de música es mucho más simple: son al final un grupo de amigos con los pies bien puestos en la tierra y que comparten el mismo amor por la música; sólo escuchen "En Mis Huesos" o "Elvis Tec" para convencerse de ello. Pueden escuchar "Tercera Base", "Voy a volver a empezar" o la acústica "Los círculos son cerrados" si están de ánimos para suspirar por romances perdidos, o bien desahogar su frustración en gritos con "12 Minutos", "Coperacha" y "Ya Nada es Igual". La banda incluso arroja una instrumental ("La Papa") a la mezcla sólo por diversión. En fin, en "VIVOras!" hay de todo. Como grupo, Skalda2 tienen la visión de no limitarse en sus recursos ni de apegarse a una temática a la hora de escribir sus canciones, algo que los separa de las bandas y actos más populares. Si aún no se han tomado el tiempo de sentarse y escuchar algo de la música de esta banda, ahora es el momento de hacerlo. Vivoras.