Adonis Muerto - Rreposo

Adonis Muerto 

Rreposo 
Lanzamiento independiente 
2017 

Disponible en: bandcamp.com 

( 8.0 ) 

OK, no sé ni cuánto tiempo ha pasado desde que publiqué por última vez en esta página pero qué más da, aquí va un nuevo intento del tortuoso ejercicio que es escribir un par de párrafos semicoherentes sobre los nuevos álbumes y epés que publica el gremio musical independiente de Guate, y bueno, alguien tiene que mantener viva la noble profesión de la crítica musical, les guste o no, así que creo oportuno en esta ocasión pasar la escoba y desempolvar este espacio para producir nuevamente un poco de análisis crítico sobre la manifestación artístico-musical del país, muy necesario por cierto en las mentes juveniles de nuestra gloriosa tierra, Coactemalan, bendecida por Hunab Ku, dios rey del corazón maya, gran patriarca quiché, desde su aposento de piedra milenaria, porque hay que reconocer que en medio de todo el caos y la problemática social, con la escoria gubernamental al mando desangrando al país y el sinnúmero de decepcionantes eventos del diario vivir guatemalteco, aquí se sigue produciendo música de la buena, y no lo digo desde ese patriotismo ciego ni positivismo plástico chapín del que muchos compatriotas alardean, no, mi constatación del valor social y cultural del trabajo de estos artistas es sincera y lo he podido comprobar una y otra vez en el contenido de sus propuestas. Va entonces mi pequeña contribución para mantener despierto el interés en el arte y la música nacional, y me complace lograr al menos publicar una reseña este año para los cinco o seis lectores que creo tiene este blog.

¿Recuerdan a Adonis Muerto? Debutaron en el 2014 con su disco Apertura de la boca y fue uno de los lanzamientos más fuertes de ese año con excelentes composiciones, un sonido gigantesco y su trasfondo conceptual de esoterismo y mitología griega bañada en sangre. Pues ahora, tres años después, estos reclusos oscurantistas, poetas de la distorsión, trovadores de musas negras, regresan para ofrecer su segunda producción, el LP Rreposo, en el que la banda continua expandiendo su sonido distintivo black/post metal, adicionando una guitarra a la alineación y explorando nuevos temas en sus líricas. Al igual que en Apertura, el uso de texturas como cuerdas y coros en los sintetizadores prevalece en todas las piezas y junto al estruendo de las guitarras logra una dimensión sonora impresionante, casi orquestal en algunos pasajes. La música de Rreposo avanza lenta y pesada, pero detrás de todo late un ímpetu desenfrenado que empuja todo a su paso, pausando de repente para agudizar el suspenso que culmina con la banda completa en un estallido a todo volumen. Imagino que si en su tiempo Carl Orff hubiera tenido acceso a guitarras distorsionadas y pedales de doble bombo su música no habría distado mucho de esto.

Nuevos oyentes de Adonis podrían fácilmente limitarse a describir su música como un pozo oscuro y tétrico donde moran las almas de los condenados, pero acá no todo es doom and gloom, a decir verdad hay pasajes ligeros con breves momentos de luz y claridad escondidos en algunas piezas. Algo que me agrada mucho de Adonis Muerto es que enfocan gran parte de sus fuerzas composicionales en crear melodía, un aspecto fundamental que en mi opinión muchas bandas de metal y rock pesado han olvidado por completo, hablo especialmente de esos grupos de metal "extremo" cuyo único interés artístico se reduce aparentemente a crear muros de distorsión y disonancia a altos decibeles sin una gota de sustancia. Mientras haya melodía habrá espíritu, y Adonis lo tiene en abundancia.

Las composiciones en Rreposo siguen siendo mayormente obra del guitarrista Nelson Morán (a quién recordarán de Xb'alanke) cuya obsesión con murallas de guitarra eléctrica, reverb y acordes politonales no conoce límites. Adonis viene siendo al final un vehículo más para su visión artística pero cabe señalar que también hubo contribuciones valiosas al LP de parte de otros miembros de la banda, particularmente Esteban Figueroa (teclados) y Hugo Castillo (bajo y voz). En términos composicionales y estilísticos, Rreposo no se aleja mucho de su antecesor y puede verse en muchos sentidos como la secuela lógica, una expansión natural de los temas de Apertura. Ambos discos abarcan más o menos el mismo terreno y se desarrollan sónicamente de manera similar por lo que no se puede hablar aún de una progresión o evolución notable en la música de Adonis Muerto. El grupo opta por mantenerse fiel a sus raíces y logra una colección sólida de temas que seguramente satisfará a viejos y nuevos seguidores.

Mabe Fratti - Careless

Mabe Fratti 

Careless 
Bajo Presión Records 
2016

Disponible en: bandcamp.com 

( 8.6 ) 

Mabe Fratti es una artista de todo terreno. Se le puede escuchar con la misma naturalidad cantando sobre olas de beats y sintetizadores cósmicos en Moz, acompañando el silvestre rock electrónico de Fraaek o improvisando un solo de chelo en medio de una épica de metal progresivo apocalíptico junto a Oricalkos. En Careless, su primer EP como solista, Fratti traza, teje y entrelaza notas, armonías y juegos de melodías vocales en cinco piezas hipnotizantes, de atmósferas etéreas y sutiles beats que apenas logran aterrizar el flote ansioso de la música. Chelista, compositora y cantante, Fratti posee una concepción musical profundamente imaginativa, de sensibilidades clásicas pero dueña de una visión moderna y un estilo más bien minimalista en su paleta de sonidos. Me imagino a Mabe como una hija ficticia de Sting y Enya que obtuvo el oído y la versatilidad musical de él más la voz angelical y el gusto por ambientaciones bucólicas de ella, con la excepción de que resultó más inspirada por el minimalismo indie anglosajón que por un ferviente orgullo celta irlandés.

A lo largo del EP, Mabe relata su tren de pensamiento como desde un sueño, la sutileza de su voz contrastando con la profundidad de expresión en sus letras y melodías. Los versos de Fratti avanzan lento pero con paso firme, caminando la delgada línea entre lo concreto y lo amorfo. Sus historias transcurren entre momentos nebulosos, su voz se percibe distante pero nunca fría o indiferente, como la narradora de hechos largo pasados, recuerdos que ya no causan sinsabor o sufrimiento en la memoria, sino solo dejan lecciones de vida y experiencia.

Los temas de Careless abarcan un espectro amplio de emociones y moods, desde lo optimista ("Door") hasta lo misterioso ("Key"), pasando por lo melancólico e incierto de querer encontrar nuestra causa en la vida ("Síntoma"). Piezas como "Bed" y "Odyssey" enmarcan en sus líricas el sentimiento recurrente de soledad, sobre todo en los momentos decisivos de la vida, cuando debemos enfrentarnos a nuestras circunstancias y elegir qué camino nos corresponde, a qué ideal aferrarse, a quien conservar a nuestro lado y a quién dejar ir. La decisión representada en las palabras de Fratti queda en manos de cada uno, entre escapar de la soledad o abrazarla por completo, no con el propósito de aislarse del mundo o recluirse de los aconteceres de la vida, sino buscando ser siempre dueños de nosotros mismos.

Tratar de etiquetar a Mabe resulta contraproducente en realidad, a pesar de que su estilo asimila el sonido de otros géneros y podría clasificarse en alguna categoría. Ella más bien parece ir en busca de un lenguaje musical más universal, lejos de pretensiones estilísticas y más cerca del corazón, de la emoción pura. Como compositora, Fratti conoce a fondo sus recursos y sabe sacar lo mejor de cada instrumento para lograr el efecto deseado. Los arreglos de pads, beats y sintes junto con un inteligente uso de los recursos del chelo y esa característica ingravidez que impregna cada nota hacen de cada canción en Careless un momento memorable de música que pide ser escuchado una y otra vez. 

Humus Fuga - Laniakea

Humus Fuga 

Laniakea 
Lobo Negro Records 
2016 

Disponible en: bandcamp.com 

( 9.2 )

El rock instrumental tiene un lugar bastante cementado ya en la escena local. No es raro en esta ciudad toparse con bandas de músicos empedernidos, ávidos en demostrar sus habilidades musicales y descargar sus emociones a través de la composición de riffs y melodías, a diferencia de relegar a la voz la tarea de aportar el elemento prosaico/poético e impartir de alguna manera el significado y las intenciones detrás del carácter de la música. No digo que la voz sea un instrumento de menor importancia, pero considerando que la gran mayoría de música popular insiste en sostener el foco de atención fijado en la figura del cantante, ídolo de masas, protagonista y líder en la agrupación, es sano y refrescante voltear la mirada y encontrar a grupos como Humus Fuga, que, a juzgar por la complejidad de la música contenida en Laniakea, su primer trabajo discográfico, sus integrantes parecen conformar tres hemisferios distintos de un mismo cerebro musical.

De la misma manera que ni letras ni liricismos ni rimas podrían acentuar más el ingenio y la agudeza de las piezas de este trio, también siento que las palabras que quisiera escribir para describir el tremendo viaje que es Laniakea y hacerle justicia se quedan cortas. Haré al menos un vago intento de esbozar mis impresiones de los siete temas del LP y el efecto final que logran en conjunto; si bien composiciones de este calibre requieren sin duda de un análisis más profundo y riguroso, serán suficientes para mis propósitos estos breves párrafos para ofrecer, cuando menos, un acercamiento introductorio al desmadre auditivo que es la música de Humus Fuga. La recomendación para los lectores es, como siempre, escuchar con sus propios oídos.

Si hablamos de influencias, los primeros referentes que vienen a la mente al escuchar Laniakea son The Mars Volta (Omar R-L específicamente) y Rush en su etapa más experimental (me es inevitable recordar "La Villa Strangiato" al escuchar la cuasi-suite "La Rapsodia de Maxwell"), de hecho la motivación fundamental que parece estar presente en todas las piezas del disco es justamente lo que Rush llamaba "un ejercicio en la auto indulgencia".

Entrando en materia, el grupo abre con "Manipulador de fuego", una pieza de vibras siniestras conducida por arpegios de guitarra que sirve de preámbulo para la pieza más larga del disco "La Rapsodia de Maxwell", una pieza interesantísima de tiempos complejos, giros y sobresaltos que desde los primeros segundos hace añicos el estado de trance alcanzado en "Manipulador" y que hay que escuchar repetidas veces para apreciarse por completo. 

El gran mérito de la banda es que saben utilizar los recursos de tensión y relajación en los momentos indicados, lo que mantiene cada minuto de música ameno e interesante. Melodías, riffs y temas memorables abundan en cada pieza, eso sin mencionar el brillante desempeño de los tres músicos y la precisión matemática con la que juegan e interactúan entre sí.

"Fosfenos" mantiene la misma potencia que "Rapsodia", y con el vaivén de notas que ejecuta César Roulet a lo largo de esta pieza bien podría servirle a los aprendices como estudio de escalas para guitarra. "Neblina" baja un poco las revoluciones y se desarrolla en una atmósfera más oscura y pausada, pero nunca retraída. Piezas como ésta le dan un balance necesario al disco, dejando que la música respire en ciertos pasajes. "Dadastrucción" retoma la intensidad con un pesado riff descendiente remarcado por rápidos fills de batería que luego da lugar a un extendido duelo de solos de guitarra; otro punto alto en el disco. La astral progresión de acordes en "Petricor" junto con las melodías de guitarra deslizada hacen de esta pieza mi favorita del disco. La música logra pintar un paisaje etéreo y natural que resuena con el título de la canción y trae a la mente el murmullo de gotas de lluvia que refrescan la tierra a nuestros pies. El grupo cierra con "Funky Rocks", basada en un pegajoso riff de bajo y un tema arrollador en la guitarra que se transforma al final en un infeccioso jam y le da una dramática conclusión al disco.

Definitivamente un triunfo, no solo por la calidad de la interpretación sino por la singular lucidez compositiva presente en cada pieza de música, en los arreglos y detalles que conjuntamente elevan a este grupo a un nivel superior.

Oricalkos - Aniemígenal

Oricalkos 

Aniemígenal 
Lobo Negro Records 
2016 

Disponible en: bandcamp.com 

( 7.4 )

Presentado oficialmente a finales del mes pasado, el Aniemígenal de Oricalkos tomó por sorpresa a los seguidores del metal progresivo en la escena local. El disco debut de la banda capitalina había generado bastante expectativa gracias a sus apariciones en conciertos con Viernes Verde y junto a otras bandas independientes como Atrios y Yerimkala en los bares y escenarios del centro de la ciudad. El arduo proceso de grabación y producción de algunos de los temas que componen el LP también fue documentado por la banda. Estos pequeños vistazos a las largas sesiones dentro del estudio capturan el impulso, la determinación y la energía que caracteriza a Oricalkos en su productividad musical y en la ejecución de su arte.

Voy a ser honesto. Desde ya diré que no me gusta la portada del disco, no porque no me guste el trabajo de fotografía ni las modelos desnudas. Es la sangre. A pesar de que estoy casi seguro que es sirope de fresa, me enferma ver líquidos viscosos de color rojo, especialmente cuando se encuentran cubriendo el torso completo de una persona. Es la razón por la que no pude llegar a ser asistente de cardiocirujía, a pesar de los insistentes deseos de mi madre. Si tuviera que adivinar, diría que la escena representa a una salvaje virgen primitiva que acaba de destazar a una res joven para luego recolectar su sangre caliente en un recipiente ceremonial y finalmente derramarla sobre su cuerpo desnudo, en símbolo de purificación y vitalidad como parte de un ritual de caníbales en las partes más negras de la selva amazónica. Nada grita VIVA EL ROCK DURO como la desnudez femenina y humeantes chorros de sangre de bovino recién sacrificado. Por cierto, ¿la estampa del "Parental Advisory"? ¿De verdad? ¿Un artista independiente auto-censurando su propio trabajo? Ahh la ironía. Frank Zappa debe estar dando vueltas en su tumba.

Pero suficiente de estética y zoocidio, hablemos de la tortita de carne en este choripan musical. El lenguaje de Oricalkos es un estrepitoso rock experimental con tintes de psicodelia, melodías oscuras y alguna que otra influencia de percusión tribal, salpicado de vez en cuando con letras misantrópicas y referencias de mineralogía. Nada que no hayamos escuchado antes, pero lo interesante de Oricalkos es la forma en que estructuran y arreglan sus composiciones. Los cinco extensos e intricados temas de Aniemígenal totalizan casi 50 minutos, es decir que cada uno dura en promedio alrededor de 10 minutos, y eso sin contar que cada pieza transiciona a la siguiente sin siquiera un respiro, lo que deja poco lugar para recuperarte de lo que acabas de escuchar. Aniemígenal es una bestia que debe digerirse como un todo, intentando asimilar de principio a fin la secuencia de pesados riffs de guitarra, breaks de sintetizador, rápidos fills de batería y cadencias de bajo que asaltan a los oídos y te absorben hasta la última gota de atención. Mi única queja es que algunas piezas ("Humano", por ejemplo) se sienten innecesariamente largas. Las distintas secciones que las componen no parecen seguir un hilo en común, sino que dan la impresión de ser piezas independientes unidas entre sí, por lo que está ausente el efecto de cohesión real entre los temas, el cual pudo haber justificado la larga duración de las piezas. A veces menos es más.

"Colisión" es la más balanceada de todas y mi favorita de las cinco. La influencia de Pink Floyd es casi palpable en los pasajes iniciales, mientras que en la parte media toma la batuta la guitarra para traer al frente los sonidos de metal progresivo, apoyada por una firme base rítmica en la batería y el bajo. Ésta primera instrumental se mantiene fresca e interesante a lo largo de sus 9+ minutos. "Calcopirita" y "Antimateria", las otras dos instrumentales del disco, ofrecen pasajes de gran dinamismo y vueltas inesperadas, la primera incluyendo un interludio percusivo al estilo de aborígenes australianos, mientras que la segunda pinta un paisaje más ancho y celestial, como contemplando el tenue resplandor de estrellas inalcanzables al otro lado del vacío cósmico. "Pandemia", mi segunda preferida y la más larga del disco con más de 11 minutos de duración, es una composición compleja con letras de desesperación y rebelión anti-sistema. Un melancólico solo de cello en la parte media evoca el sentimiento de añoranza por escapar de las trampas de conformismo e ignorancia que infectan a los corazones humanos, volviéndolos autómatas inconscientes al servicio de un régimen de esclavitud corrupto e insostenible.

Con toda su crudeza y magnas proporciones, Aniemígenal representa un esfuerzo digno de reconocimiento y un prometedor comienzo para el cuarteto.

Miss Lilith - La muerte también muere

Miss Lilith 

La muerte también muere 
Lanzamiento independiente
2014

Disponible en: bandcamp.com 

( 7.3 ) 

Debí haber escuchado a Miss Lilith por primera vez tocando en alguno de los bares que frecuentaban en la ciudad, a sugerencia de un amigo. Corría el año 2010. No hace mucho la banda dejó por un tiempo los escenarios, y por momentos llegué a dudar de que sonarían de nuevo; un temor fundado sobre todo en ciertos acontecimientos que precedieron un apagón en los focos musicales de la ciudad: el cierre del Bad Attitude, las restricciones cada vez mayores de las autoridades capitalinas al desasosiego musical urbano y el sentimiento de ausencia latente que dejó la desaparición de algunas de las bandas emblema de la escena. El vacío se sintió hondo, más pesado que de costumbre. En semejantes condiciones, no cabe duda que solo la determinación y el deseo de reencender la llama de fuego y sonido en las calles de la ciudad es lo que ha llevado a las integrantes de Miss Lilith a pisar el escenario nuevamente, con EP bajo el brazo y un rock más amplio, no sin provocar además la inevitable admiración hedonista de la mayoría de sus seguidores.

Sea como fuere, el primer lanzamiento oficial de las Liliths llegó, y la primera pregunta que asalta la mente es ¿por qué diablos tardó tanto? Después de todo, la banda ha sido parte de los círculos musicales del rock en el país casi desde sus inicios, entre los años 2008 y 2009. El repertorio de la banda se comprendía de diversas composiciones y piezas sueltas, algunas grabadas y publicadas como sencillos, pero ninguna colección oficial de música había sido lanzada por Miss Lilith, hasta ahora. Años de fogueo en bares y escenarios, conciertos dentro y fuera del país, ensayos y mucha experimentación han llevado por fin a la conclusión del EP, cuyas 5 canciones representan en resumen las vivencias, luchas y sueños de una agrupación en busca de probarse a sí misma qué tan lejos puede llegar, y quizá convencer finalmente al colectivo y al público en general que en términos del Arte, y especialmente la Música, la humanidad aún desconoce la mitad de lo que es capaz de concebir.

La voz de Leny García trae un primer cambio al sonido de la banda, que permanecía esencialmente instrumental (exceptuando un breve período con la vocalista Reneé Celada unos años atrás) en la composición y arreglo de la música. Sorprende un poco el hecho de que la bajista no haya tomado inicialmente las posición de vocalista en la banda considerando la presencia y rango que demuestra en "To evolve" y "Be my salvation". Parece estar buscando todavía una mayor comodidad y confianza en su voz, pero su actuación frente al micrófono en estas dos piezas ya es un indicio del poder que posee. Sus riffs de bajo al menos, siguen tan sólidos como siempre. 

El estilo de las Liliths se mantiene enraizado en los juegos y vueltas, casi en contrapunto, entre guitarra y bajo, anclados firmemente en los ritmos de la batería, siempre cambiantes y dinámicos. A veces disonante, rara vez sutil, áspero e inquieto, así es el sonido de Miss Lilith, al menos en su ambiente instrumental. A la hora de escribir canciones, el juego cambia. El trio opta por un acercamiento menos arriesgado, no menos agresivo, pero dejando de lado los intercambios instrumentales del progresivo y del jazz característicos de sus composiciones, en contraste muy presentes en el resto del EP, y hace lugar a un rock más directo, menos impetuoso. Causa la impresión de que hay en realidad dos Miss Liliths en oposición, una atrevida e inquieta, la otra reflexiva y melancólica.

No obstante, la inspiración raíz de Leny, Laura y Carlota se deja entrever en cada pasaje de "La muerte también muere". La estructura de las piezas vocales le dan un balance inesperado al EP, actuando de contrapeso para "Nel", "14", "Sí" y el bonus track "Oxímoron", de espíritu más libre e improvisado. En cuestiones de poder artístico y novedad musical, solo queda esperar que Miss Lilith continúe aportando como lo ha hecho con esta primera producción.