Cartas a Felice - Parque Infantil

Cartas a Felice

Parque Infantil
Bajo Presión Records
2013

Disponible en: bandcamp.com 

( 7.6 )

Para alguien que aún no ha conocido de cerca las aparentes contradicciones que esconde entre las mangas la música de Cartas a Felice, "Parque infantil" podría dar inicialmente una expectación un tanto desviada de su verdadero contenido. En efecto, el primer EP del combo folk/blues/swing sansalvadoreño destruye desde sus primeras notas toda impresión de sencillez e inocencia que, en la superficie, podría sugerir su colorida portada. En realidad, no es una peculiaridad nada nueva en las obras de Cartas a Felice. Ya anteriormente, el aire triste y lóbrego de "Despiértame" (publicado junto al sencillo "Barato") abría en una inesperada oscuridad ese primer lanzamiento. Es de cierta manera esa habilidad camaleónica de la banda lo que invita a retar la incertidumbre y ver detrás de las apariencias para descubrir el verdadero color de Cartas a Felice, el cual podría o no acabar traicionando toda noción de certeza y familiaridad ante lo que se encontrará a continuación.

De entrada, los tonos brillantes y soleados que augura la carátula de "Parque infantil" se convierten en sombras y melancolía en "Aurora", un sueño atormentado del vocalista José González hecho lírica y melodía en el mundo consciente. Los siete minutos de esta pieza, la más extensa de Cartas hasta ahora, avanzan entre desolación y amargura. Al final, las palabras de González (a dueto con Gabriela Rivera) se aferran con el último aliento a la esperanza de encontrar en una presencia etérea el sentido y la razón de existir. Nuevamente, una extraña elección para iniciar el EP, pero afortunadamente la sensación de contradicción no dura demasiado. Los temas sucesivos "Ruina", "Volcán" y "Kitsch en C" dan un giro a la dirección hasta ahora confusa de "Parque infantil", encaminándolo hacia senderos más iluminados.

El susurro sigiloso en "Ruina" va de la mano con los acordes apagados de blues que sirven de trasfondo para revelar un mensaje no menos siniestro: "Es querer vivir para verte caer / Es querer vivir para edificar tu ruina". Gabriela Rivera toma el micrófono en "Volcán", una melodiosa composición de compenetrados pasajes de jazz swing; junto a "Despiértame", uno de los temas mejor logrados de Cartas a Felice. "Kitsch en C" concluye el EP en el extremo opuesto a "Aurora", con un folk alegre, poético y romántico, en la voz de José González. En "Kitsch" se renuevan la luz y el paisaje, no queda recuerdo ya de los caminos tortuosos ni la bruma espectral de "Aurora". Se dejan atrás las ruinas, las guerras, los sinsabores de la vida y se vuelve a respirar libertad, gozo y comunión.  

Cóctel - Enjoy

Cóctel

Enjoy
Bajo Presión Records
2013

Disponible en: bandcamp.com

( 9.0 )

Se ha ido deslizando sigilosa una realidad dentro de las corrientes de la nueva música, aún no totalmente reconocible, pero cuyos efectos se divisan cercanos y comienzan ya a sentirse: los géneros han empezado a tornarse obsoletos. La vieja e inconsciente idea de clasificación taxonómica dentro de la música ha vuelto el paisaje artístico tan nebuloso que ya pierde sentido la ocurrencia de rebuscadas etiquetas con tal de conservar la ilusoria sensación de seguridad que ofrece el pertenecer a un subgrupo. Del torrente de propuestas que sobreviven en nuestro medio, son pocos los artistas que toman el riesgo de no atar su sonido a designación alguna, cosa que, cual arma de dos filos, puede llevarlos a un camino de brillante distinción o condenarlos inexorablemente a la confusión y al olvido. Tal es el caso de Cóctel, una banda cuyas credenciales no obedecen convenciones de ningún tipo. Si bien las influencias que se disciernen en su música se mantienen en la línea del rock y hip hop indie, la exacta categorización del sonido Cóctel resulta en última instancia, fútil.

A pesar de su relativa temprana edad, la banda ha tenido un ascenso meteórico en la escena local, publicando en lo que va del año dos EPs con el ya reconocido sello discográfico Bajo Presión: "Femme Fatale" y el más reciente "Enjoy". La popularidad y aceptación de Cóctel ha sido notoria, quizá debido a lo único de su lenguaje: agresivo y romántico a veces, rebelde, pero a la vez elegante y sofisticado, la banda combina en su música lo mejor de dos mundos. Sobre el escenario, Cóctel no pierde nada de su esencia y se entregan de lleno al público y a la música. Sin duda, esta es una banda que vale la pena escuchar en vivo. No obstante, Cóctel apenas ha empezado a forjar su camino. Por ahora, su presencia se ha extendido ya a México y Centroamérica.

Si "Femme Fatale" era un abrasivo reclamo al amor fracasado, "Enjoy" es el clamor de anhelo, nostalgia y locura que recuerda los mejores momentos de un romance intenso y apasionado. En este sentido, Cóctel aún se aferra a su principal inspiración para escribir canciones, la cual cobra vida en las líricas del frontman Jesse Baez, vocalista de dotes sorprendentes y uno de los cantantes/raperos más versátiles que se han visto en los últimos años. Sus rimas, avasalladoras en temas como "Faded" y "She don't feel me", las entrega controlando cada frase con gran naturalidad, mientras que su canto más melodioso lo reserva para piezas menos impetuosas como "Last ones dancing" y la sentimental "Can't be true".

La delicada introducción de piano en "Last ones dancing" es ya un primer indicio de madurez en el sonido de Cóctel, más reflexivo y melancólico. Las canciones de "Enjoy" encuentran un inusual punto de equilibrio entre sus elementos, donde banda y voz se complementan de tal forma que, al unísono, ambos son protagonistas de la historia. "She don't feel me", un himno a la desilusión del amor no retribuido, es un tema infinitamente dedicable para muchos de nosotros. "Faded", de tono más agresivo, arremete contra el sentimiento de frustración en la cara del desamor y recuerda un poco de lo que antecedió en "Femme Fatale", especialmente "Matahari". Un Cóctel más minimalista y atmosférico aparece en "Can't be true", prueba de que aún reducidos a sus elementos más esenciales, Cóctel puede crear todavía temas que fascinan por su densidad y colorido. A pesar de ser solo cuatro temas los que incluye el EP, "Enjoy" no deja de ser una muestra suficiente de lo que estos muchachos son capaces de hacer. Las canciones de Cóctel están hechas para cantarse, dedicarse e incluso tal vez, para superar de alguna manera las trabas sentimentales que llueven sobre mojado de vez en cuando en nuestras vidas. Altamente recomendado.

Ishto Juevez - Chapuz Chapin

Ishto Juevez

Chapuz Chapin
Lanzamiento independiente
2013

Disponible en: bandcamp.com 

( 8.1 )

El artista conocido como Ishto Juevez tiene cierta maña para contraponer elementos opuestos en sus canciones, algunas llenas de sombras, oscuridad y añoranzas, mientras que otras aparecen llenas de vida y de humor. Su música relaja, pero su poesía es mordaz. Sus versos mantienen un jugueteo casi tramposo con las palabras, dándole un sentido inesperado a sus frases y poemas. Es la clase de músico que traspasa géneros musicales sin siquiera intentarlo. Los caminos que ha recorrido sin duda han dejado una huella indeleble en su psique musical, y que ahora se traduce en melodías, ritmos y acentos que traspasan países y culturas. Pero a pesar de todo, el Ishto sostiene su bandera en alto, aun después de haber permanecido fuera de estas tierras lo suficiente para conseguir la perspectiva que saca a relucir las peculiaridades de este pueblo, sumido desde siempre entre la incomodidad y el suplicio. 

La producción más reciente de Ishto Juevez, "Chapuz Chapin", podría ser considerada por los simplistas como "música del mundo", sin embargo la fusión presente en los temas de este EP no presentan nunca un entorno delimitado en cuanto al género, temperamento o movimiento de la música. Las cinco piezas de "Chapuz Chapin" se mueven entre ritmos callejeros, bailes y baladas que recuerdan paisajes e idiomas lejanos, pero que cobran una nueva vida al nacionalizarse en las creaciones del Ishto, las cuales no pierden nada en la traducción. Como siempre, el sonido es principalmente acústico, pero permanece una dualidad de urbanidad/folclor en las canciones, sensible sobre todo en los compases de "La bandera" y la pieza titular "Chapuz Chapin".

De voz triste y embriagada, el Ishto arrastra su canto al igual que sus penas. En "Chapuz Chapin", Ishto Juevez hace un llamado hacia el interior de la olla, donde los cangrejos de Chapinlandia se amontonan contra la pared unos contra otros, como peldaños que no conducen hacia ningún lado, con los burros y monos (y el Ishto) haciendo bulla desde arriba. En la serenata "The amantes" comparte el micrófono con Pat'za para relatar juntos los valses de amor y desamor entre las parejas de sentimientos sinceros pero que de vez en cuando caen víctimas de pensamientos suspicaces que traicionan el corazón. 

"La bandera" inicia con un aire de tango que luego se descubre como un triste son cumbianchero dedicado a las lavanderas de la nación. "La bruja en la orilla" es algo completamente distinto; una pseudomarcha marcial que se transforma en susurros espaciales del Ishto que a su vez dan lugar a un interludio instrumental cuasijazz. Aparentemente a Ishto Juevez no le falta su toque de loco. Finalmente, "Amariya", basada en una colorida progresión de guitarra acústica termina el EP en una nota de optimismo. Para Ishto Juevez, la finalidad detrás del ser músico y poeta está en conectar con el mundo a través de una mentalidad colectiva y universal, de estrechar los lazos que nos unen y hacer vibrar en unísono los adentros del cuerpo y el espíritu. Así es la música del Ishto, nada más ni nada menos.

Silent Poetry - Echoes from the World

Silent Poetry

Echoes from the World
Lanzamiento independiente
2012

Sitio oficial: facebook.com 

( 5.6 )

El quinteto de power metal Silent Poetry, una banda bastante reconocida dentro de la escena metalera del país, presentó su segunda entrega "Echoes From the World" en septiembre del 2012, cuatro años después de su debut homónimo. Las sesiones de "Echoes" trajeron consigo cambios en la alineación de la banda, pero siempre contando con el resto de los miembros originales, entre ellos el vocalista Fabián Morales y el guitarrista Carlos Cruz.

Con una nueva visión y una más oscura quizá, la banda toma como inspiración central para "Echoes" el ocaso de la civilización maya, un trasfondo que sirve de alegoría para las letras de las 13 piezas del disco, muchas de ellas explícitas descripciones de guerra, opresión y odio, pero que hacen al mismo tiempo un llamado al despertar de la inconformidad y la rebelión ante los moldes del sistema. La banda usa el inglés aquí casi como lengua materna, pero permanece una sensación extraña durante todo el disco, producto de ese choque cultural entre lo maya y lo anglosajón. Aunque para algunos fans de Silent Poetry no tenga relevancia el significado detrás de las letras, es cuestionable si de verdad la elección del lenguaje es una auténtica necesidad o bien simplemente una convención impuesta por la escena metalera internacional.

Los abundantes riffs de guitarra y dramáticos arreglos de teclado en "Echoes From the World" están claramente inspirados en el sonido ochentero y noventero del metal progresivo, dándole a las composiciones un ligero toque sinfónico, aunque los muchachos de Silent Poetry no se sumergen demasiado en ambiciosas interacciones instrumentales, características de este género. De entrada sorprenden la introducción "Áak'ab" y la primera serie de piezas, especialmente "Defiance" y la balada "Fairytale Over", pero el combustible en la máquina de Silent Poetry parece acabarse rápidamente al avanzar por terrenos similares en las siguientes canciones. No será sino hasta el final, en piezas como "Inside" y "Anguish" que la banda vuelva a cautivar con algo fuera de lo común.

El guitarrista/compositor de la banda, Carlos Cruz, pareciera tener un impulso casi instintivo hacia la composición musical, lanzándose de lleno a la primera idea musical que se le ocurra, sin preocuparse mucho por la sustancia de lo que crea. De esa cuenta no es raro que la música de Silent Poetry esté orientada principalmente hacia la voz de la guitarra. Las composiciones de Cruz ciertamente tienen ímpetu, pero pueden a veces sentirse nada más que como vehículos para sus solos, en los cuales el guitarrista no escatima nada para hacer alarde de sus habilidades.

"Echoes From the World" es no obstante un esfuerzo notable en el género del metal. El grupo sin duda goza de popularidad entre los seguidores del género y muchos han quedado a la espera de lo que será la continuación al viaje de Silent Poetry en la escena nacional. El disco no se salva de cierta crudeza en su producción; sus deficiencias dejan entrever el apego que todavía sienten algunas bandas independientes a la filosofía del "hazlo tú mismo", nada inherentemente malo en ello a excepción del riesgo que se corre en terminar con un producto poco profesional. El juicio de los artistas debe obedecer a su instinto musical, pero nunca debe permitirse olvidar la sensibilidad de la audiencia. Aquí, Silent Poetry ha buscado satisfacer hasta los últimos oídos gustadores de metal. Quizá sea parte de la razón por la que el género aún se mantiene relegado a sus propios círculos, en vez de traspasar fronteras hacia una mayor audiencia y componer música para el mundo, en vez de para una comunidad. Merece una escuchada, tan solo para apreciar el esfuerzo y dedicación de una banda profundamente comprometida con el arte del país.

De la Rut - Música en la piel

De la Rut

Música en la piel
Lanzamiento independiente
2013

Disponible en: soundcloud.com 

( 7.2 )

De la Rut inició actividades artísticas alrededor del año 2008, fruto de la colaboración entre varios músicos amigos, cada uno con distintas influencias que eventualmente reunieron en un mismo concepto musical, pero fue hasta este año que el grupo dio a conocer su primer material, el EP "Música en la piel", de estilo funk pop, aunque introduciéndose también a géneros tan disímiles como el rock, el jazz y la balada. El grupo, sin duda desbordado por el material acumulado en sus cinco años de existencia, ha vertido la mayoría de su trabajo en este primer EP, y aunque el paso del tiempo es notorio en el estilo de algunas de las piezas que lo componen, es claro que estos músicos han procurado presentar el material como una totalidad cohesiva, a diferencia de una colección aleatoria de tonadas de diferentes épocas. Desde el inicio, De la Rut ha sido una banda enfocada en evolucionar, poniendo un constante esfuerzo en el perfeccionamiento de sus piezas y en darse a conocer ante la audiencia y el público en general, tanto en su natal Quetzaltenango como en la ciudad capital.

Liderados por su vocalista y compositor René Herrera, De la Rut ofrece un funk pop sin pretensiones que, si bien no carece de precedentes, se mantiene fresco y efervescente, por un lado gracias a las influencias de jazz y soul presentes en sus temas y por otro a la tensión y dinamismo que introducen de manera inesperada los solos de saxofón y guitarra en la música, dejando atras los paradigmas de la canción pop tradicional y abriendo espacio para un fluir más natural de la melodías.

Las seis piezas del EP, aunque bastante sencillas en estructura, logran abarcar un espectro bastante amplio de moods y atmósferas, desde la dulce ligereza de temas como "Y qué si te digo" y "La canción fresa" hasta un funk rock más enérgico en "Camarada", "No eres mi todo" y la contagiosísima "Detenerme en el tiempo". Los interesantes arreglos instrumentales ponen a las canciones del grupo en un plano distinto, separado de las reglas y formatos (al menos dentro de los dominios del pop), logrando un inusual balance entre lo amigable y lo musicalmente complejo.

Reconforta mucho saber que existen grupos como este, capaces de moverse dentro de la música popular sin caer en la insipidez de lo comercial ni en gastadas fórmulas de complacencia masiva. Las canciones de De la Rut captan la atención hasta la última nota, algo que pocos artistas de pop logran alcanzar. Esperen su primer LP muy pronto.

Banykomio Ajpu - Colibrí EP

Banykomio Ajpu

Colibrí EP
Bajo Presión Records
2013

Disponible en: bandcamp.com 

( 6.8 )

Considerando el estado y las manifestaciones del arte musical que uno encuentra en este país, me atrevería a decir que más música ha salido de las calles de Guatemala que de sus conservatorios y academias. Al igual que los verdes retoños que se ven brotar en las grietas entre los ladrillos y el cemento, así han germinado muchos de nuestros artistas, y así continúan creciendo, en el mismo terreno, haciendo uso de sus medios sin importar las condiciones. Algo así puede verse a Banykomio Ajpu, heredero del arte de los trovadores de antaño; un genuino músico callejero que, con guitarra en mano, se abre paso entre el estrépito de la urbanidad y los impasibles edificios de concreto para traernos una pequeña muestra de su trabajo, su primer EP "Colibrí", una colección de seis piezas en las que confluyen el reggae, la cumbia y el folk gitano en una atmósfera bohemia, llena de color y vitalidad.

Las canciones y melodías en "Colibrí" no podrían ser más simples, no obstante, la música de Banykomio Ajpu no carece en ningún momento de inspiración. Su sencillez proviene de un acercamiento minimalista, tanto en estructura como en instrumentación, dándole un encanto primitivo a la música, que regresa a lo esencial y se escapa del ruido y la banalidad moderna. Con lo poco que introduce a la mezcla, Banykomio logra pintar un paisaje auténtico y puro de su visión artística. Sus letras, sinceras, pero también fruto de una profunda meditación, las canta desde el corazón, con una voz rebelde que alienta versos de poesía cósmica, remembranzas y cantos dedicados a la Madre Tierra, a las deidades del cosmos, a la naturaleza, al amor y a la vida.

Canciones como "Colibrí" y "Paz Ciencia" resguardan un irreprimible deseo de resquebrajar los cimientos de piedra que nos separan de la Tierra e invocan a las fuerzas etéreas que nos conectan en la oscuridad, haciéndonos Uno con los demás. "Toda realidad es especial/lo contrario a mi verdad también es verdad" exclama Banykomio en "Paz Ciencia"; somos entidades distintas, pero compartimos una misma esencia. Lo vital siempre es invisible.

El alegre ritmo de "Como ella no hay ninguna" y las sinceras promesas en "Mejor trabajador" muestran un poco el romanticismo desenfadado de Banykomio, mientras que en la reflexiva "Contra la corriente" queda al descubierto la naturaleza migratoria de este músico, siempre cambiante y en movimiento. Completan la atmósfera del EP los zumbadores silbidos de Banykomio, que evocan las melodías y cantos de los pájaros, detrás del rápido aleteo de un colibrí.

Los Tiros - Tu Pesadilla Regresó, Bienvenido al Infierno

Los Tiros

Tu Pesadilla Regresó, Bienvenido al Infierno 
Bajo Presión Records
2013

Disponible en: bandcamp.com  

( 7.7 )

Tras la inesperada desaparición de Los Mojarras hace ya algún tiempo, un sensible vacío quedó flotando en el ambiente: los escenarios en calma, las pistas de baile cada vez con menos actividad. Se respiraba un extraño aire de decencia en los bares y rincones culturales de la ciudad. Entre tanto orden y propiedad, parecía que las cosas habían regresado a la normalidad. Por supuesto, nuevas conjuntos musicales y artistas siguieron emergiendo, pero aún se esperaba a alguien que trajera finalmente la teatralidad, el humor y la extravagancia de vuelta a la música guatemalteca. Los Tiros, la agrupación más reciente en la tradición temático-conceptual de Bajo Presión Records, pueden verse de cierta manera como la banda secuela a Los Mojarras, aunque quizá sin el temple bailable y excéntrico que caracterizó la música de estos últimos. No obstante, el sonido de Los Tiros trae consigo influencias lejanas del surf mojarrense (no es de extrañar, considerando que la mitad de los miembros estuvo presente anteriormente en Los Mojarras), pero el estilo western surf/punk de estos muchachos es, hasta donde sé, algo nunca antes concebido por estos lugares. Aun así, ambas bandas comparten la misma filosofía en cuanto a la composición y arreglo de sus piezas. De cierta manera, Los Tiros retoman el camino del surf recorrido por Los Mojarras, pero le dan a la música un cambio de dirección, menos pegadiza y más directa y potente. Los Mojarras tenían sabor, Los Tiros tienen garra. 

Casi un año después del EP "Hijos de Puta Malos" (2012), Los Tiros lanzan su primer trabajo de larga duración, el pseudoconceptual "Tu Pesadilla Regresó, Bienvenido al Infierno", prácticamente la banda sonora de un filme del viejo oeste, un disco cargado de adrenalina, explosiones de pólvora y cabalgantes acordes de guitarra que acompañan el nudo y desenlace de la historia de Los Tiros en Gran Morongo. Los casi 30 minutos del LP se reparten entre 12 tonadas de puro punk rock instrumental al estilo western, Alonso en la guitarra principal con trémolos y melodías, y los González trazando la base armónica en guitarra rítmica, bajo y batería (deberían cambiarse el nombre a "Alonso y los González"). Es claro que el espíritu musical de Los Tiros descansa en las raíces del punk, pero lejos de limitarse al combo tradicional de guitarra/bajo/batería, han logrado abrir su sonido e incorporar nuevas texturas a través del uso de instrumentos como el theremín y el órgano, totalmente foráneos a la estética sonora del punk. 

Escuchen "Asalto al tren de Gran Morongo" y las consecutivas "Cantina Pesadilla", "Casino" y "Diente de Oro" para los mejores y más intensos momentos de "Tu Pesadilla Regresó". Piezas como "Fogata en Gran Morongo" y "Mil Tomahawks esperan por mí" bajan la velocidad y permiten un momento de respiro antes de la confrontación final en "Dos mil Tomahawks esperan por mí" y el momento decisivo en "El Beso del Diablo". Otras como la insidiosa "Voy, lo mato y vuelvo" y "Emboscada al amanecer" pasan sin dejan mayor rastro en la memoria, pero el disco, con todos sus giros y vueltas, vale la pena oírlo de principio a fin. 

No sorprende el hecho de que Los Tiros han encontrado ya una cantidad considerable de adeptos y seguidores, tanto en Guatemala como en el resto de Centroamérica, y "Tu Pesadilla Regresó, Bienvenido al Infierno" es solo el primer paso. Música como esta es prueba de que incluso un género tan invariable como el punk puede encontrar nuevas tendencias y posibilidades para explorar. Habrá que esperar y ver hacia dónde conducirá el siguiente paso de Los Tiros, pero por ahora, parece que van en la dirección correcta.

Jonathan Carrion - Invasor Transparente

Jonathan Carrion 

Invasor Transparente 

Lanzamiento independiente

2013

Disponible en: bandcamp.com 

( 7.0 ) 

Jonathan Carrion apareció en la escena como uno de los últimos autores de rock nacional en español, trayendo consigo un repertorio inspirado en la corriente indie actual, pero tomando los sonidos del rock noventero como base y expandiendo sobre ellos. De cierta manera, la filosofía de la corriente alternativa de ese entonces (el arte y la música como escape de la sociedad, de lo habitual y mundano) sigue presente en la música de Carrion, aunque él probablemente ve sus canciones más como frágiles medios de expresión poética que como fuerzas de acción y movimiento social. En efecto, Carrion surca caminos distintos en las letras de sus canciones, concentrándose en temas introspectivos, de desahogo, confesión y tumulto interno.

El viaje de Carrion en "Invasor Transparente", su primer lanzamiento, es uno de separación, ausencia, el "uno contra el mundo", pero también de esperanza, del espíritu de lucha que alimenta nuestro ser. Las piezas escritas por Carrion para "Invasor" se mueven indecisas entre el alt rock y el indie pop, tirando ocasionalmente hacia el terreno del folk. Ciertamente no hay nada de novedoso en su propuesta, pero logra al menos mantener una estética fresca y un sonido moderno en cada una de sus canciones.

Los 41 minutos de "Invasor Transparente" demandan algo de paciencia (pudo haberse beneficiado de cierta edición), pero el disfrute de este disco se acentúa con el tiempo. La aparente similitud entre las 10 piezas que lo conforman crea una atmósfera de familiaridad, no en el sentido de ser predecible sino de su concepción como un trabajo completo, dando como resultado un disco armonioso y consistente. Quizás a causa de lo anterior es que ninguna pieza de "Invasor" destaque especialmente del resto, aunque podría señalar la lenta balada "Soledad" y la melodiosa "Cuantas formas" como los mejores esfuerzos de Carrion en este disco. Su aproximación al escribir canciones es simple, casi formulista en los versos y acordes. Su estilo recuerda bastante a bandas como Razones de Cambio (Juan Aguirre es coproductor en "Invasor" de hecho). Carrion es un cantautor nato, conoce bien las reglas de su arte y las sigue de cerca, pero en el proceso se restringe la oportunidad de crear algo realmente innovador y desafiante.

Como debut, "Invasor Transparente" es un trabajo sólido, la banda no pierde un solo beat y la producción es impecable. Los mensajes de Jonathan Carrion abarcan sentimientos que todo ser humano experimenta tarde o temprano en la vida, y es por ello que estas canciones pueden resonar en la mente y en el corazón de todos.

Red Voyageur - Oriental Journey

Red Voyageur 

Oriental Journey 
Lanzamiento independiente
2013

Disponible en: bandcamp.com 

( 7.3 ) 

El metal, en toda su miríada de subgéneros y variaciones (speed metal, death metal, black, heavy, thrash, glam, prog) es uno de los pocos géneros musicales hoy en día que no parece que pasarán de moda jamás. Lejos de crujir bajo su propio peso y retirarse finalmente de los escenarios a riesgo de quedar descolocado frente a las nuevas tendencias y sonar anticuado a los oídos de las nuevas generaciones, el metal continúa reinventándose y avanzando con fuerza. A estas alturas no sorprende que nuevas bandas encuentren todavía formas novedosas de convolucionar el estilo del rock pesado, no sólo para producir nuevas sensaciones y colores en la música, sino porque, para un género tan idiosincrático como el metal, el haberse podido abrir camino durante todo este tiempo como una de las mayores corrientes musicales de las últimas décadas se debe justamente a su diversificación. El cuarteto Red Voyageur, banda relativamente reciente en la escena (aunque incluye ex-miembros de Xb'alanke y None At Last), es un ejemplo de esto.

El primer lanzamiento de la banda es una grabación de su set para el concierto Mosh Metal realizado en diciembre del año pasado. Una grabación en vivo es ya de por sí una rareza; por suerte el sonido resulta ser mejor de los esperado y no deja nada que desear en cuanto a calidad (si hay algo que hace falta en la escena independiente son ingenieros de sonido). "Oriental Journey" incluye cuatro piezas originales de metal progresivo instrumental, mezclado a veces con sinfonismos y toques de electrónica que muestran la variedad de influencias de cada uno de los integrantes del grupo. Hay cierta cualidad de ambivalencia en la música de Red Voyageur; sus temas se basan principalmente en riffs veloces y pesados, pero se adentran también en pasajes más tranquilos, de cuidadosa orquestación y melodías penetrantes, a veces pasando de un estado a otro en un abrir y cerrar de ojos. El balance en la línea entre el orden y el caos es lo que le da una personalidad única a la música de Red Voyageur.

El hecho de que sea metal instrumental no esconde para nada la inclinación de la banda por la complejidad musical y la técnica. No obstante, en contraste con los excesos y la extrema brutalidad que desparraman a veces muchas bandas de metal, los muchachos de Red Voyageur se muestran más conscientes del poder de la melodía en la música. En "Islas" y "She wished me luck" destaca particularmente esta faceta del grupo.

La música instrumental florece en el círculo de las bandas independientes. Bien sabemos que muchas bandas instrumentales son frecuentemente subestimadas por el público mayor, rebajadas en el mejor de los casos a una mera entretención, y en el peor, a música de fondo. Ya se ha visto antes que muchos de estos artistas se topan con una barrera que les impide alcanzar un nivel más alto de notoriedad, al menos más allá de las fronteras del under. Quedará por verse si será también el caso de esta banda. Por un lado, una música tan directa como la de Red Voyageur difícilmente puede ser ignorada, pero por otro, tiene todos los elementos que pueden llegar a alienar a una audiencia aún no acostumbrada a propuestas que se apartan del formato musical popular. Si somos honestos, la incomprensión es una cosa; todo depende al final de qué tan lejos quiera una banda llegar y qué tan dispuestos estén para botar los prejuicios, tanto ajenos como personales, y trascender poco a poco hacia algo más grande. Aun así, la música de Red Voyageur tiene más que los medios para captar la atención y sacar una reacción de la multitud. No hay que olvidar que para un artista, lo único peor que la incomprensión es la indiferencia.

Bacteria Soundsystem Crew - El EP

Bacteria Soundsystem Crew

El EP 
Lanzamiento independiente
2012

Disponible en: bacteriasoundsystemcrew.com 

( 7.2 ) 

Plenno, Lovel 2, Kame, Fla-K.O. y Divari Pashuli. Cinco identidades más que reconocidas en la esfera del hip hop nacional, aunque no tan familiares aun a la audiencia de la escena en general. Conjuntamente bajo el nombre de Bacteria Soundsystem Crew, estos cinco raperos/productores, salidos directo del subterráneo urbano de la ciudad, han tomado los escenarios llevando consigo rima y ritmo con el distinguido sello reggae hip hop que es parte integral de su sonido. La experiencia del "aprender a vivir" en una atmósfera callejera, muchas veces hostil e indiferente como la de nuestro país, es lo que alimenta el impulso de lucha en la música de la Bacteria, una banda cuyo arte nace del enfrentamiento directo entre libertad y opresión, la verdad contra la injusticia. La necesidad de generar ideas y promover su expresión es el motor principal de la Bacteria para desencubrir los estigmas de una sociedad artificial, de principios a medias, débil de espíritu y de espaldas al progreso, mas no vacía de esperanza.

Con dos producciones anteriores bajo el brazo, "El Mixtape" (2009) y "Somos Bacterias" (2011), ambas de larga duración, el grupo regresa con un lanzamiento a menor escala titulado simplemente "El EP", una colección de siete canciones, nuevas y revisitadas, pero siempre con las líricas de los cinco raperos como el hilo conductor de la música. El hip hop de protesta de la Bacteria es característico de su estilo; ya en sus discos anteriores, canciones como "Lo que veo" y "Baja el cañón" ponen de relieve la situación en que vivimos y encaran esta realidad con la denuncia social y política de los problemas que nos aquejan a todos: corrupción, violencia, pobreza y sobre todo, la indiferencia que mostramos ante ellos. En "El EP", la crítica de la BSC puede escucharse en temas como "Todo está al revés" y "Matan por la plata", pero paralelo a ello se muestra también el lado más optimista y reflexivo de la banda con "Pasarla bien", "Estar vivo" y "Lo último que muere". Esta última junto con "Todo está al revés" contienen los mejores momentos líricos e instrumentales del EP y deben ser escuchadas por todos.

Un género como el hip hop, tan impulsado por el ego y el protagonismo, puede a veces perderse en el ímpetu frente a la detracción, cayendo en discursos de autoglorificación y arrogancia. Los miembros de la Bacteria ciertamente no se han salvado de seguir esa tendencia en el pasado, cosa que afortunadamente no es tan marcada en la música de "El EP". En realidad, la propuesta de Bacteria Soundsystem Crew no apunta a antagonizar ideologías ni puntos de vista divergentes. Detrás de toda la parafernalia y la ruda apariencia de sus personajes, la música de este grupo existe por el deseo de conectar con la audiencia en un nivel más humano, y más allá, de reencontrar el sentimiento de pertenencia y de hermandad entre nosotros. En un mundo donde "no se vive, se subsiste", lo que único que tenemos es el uno al otro.

Creo en Mí - Trofeos y Logros

Creo en Mí 

Trofeos y Logros 
Bajo Presión Records
2012

Disponible en: bandcamp.com

( 6.9 ) 

"Trofeos y Logros" fue la carta de despedida con la que Creo En Mí puso punto y final a su carrera, luego de cuatro años de actividad en la escena punk, tiempo durante el cual publicaron sus primeros tres discos: "Ensayo", el EP "Nunca Más" y "Ensayo II", todos en el sello BPR. "Trofeos", el cuarto y último, reúne música que abarca todas las etapas de la banda, desde las canciones más tempranas ("Ciudad de Caballeros") hasta los últimos temas que escribieron ("Sudas Odio" y "Lento") antes de partir caminos y desaparecer, quizás para siempre, de los escenarios. Para los seguidores de la banda, el fin de Creo en Mí llegó abruptamente, pero para bien o para mal, sus integrantes siguen adelante. El grupo forjó su música, avanzó en su sonido e impuso su estilo por cuatro años; tristemente sucumbió ante las presiones del mundo, justo en el punto en que las ideas, la interacción, la creatividad y la experiencia se encontraban al máximo. Creo en Mí resultó ser al final un caso más de una banda que dejó de existir en su mejor momento. 

Los 19+ minutos de "Trofeos y Logros" se reparten en seis canciones de puro hardcore melódico, bastante amplio en su lenguaje y más abierto en los temas que abordan sus letras, alejadas de afirmaciones mundanas y reproches inútiles, sumidas más bien en un estado de reflexión y autoexamen, el mismo que uno experimenta al cerrar una etapa importante de su vida, dejando atrás las vivencias, grandes o pequeñas, los sueños y los anhelos de ese entonces. En ese momento queda solamente recapitular las experiencias que marcaron el tiempo y reconocer las lecciones que dejan para el futuro. A pesar de eso, no hay forma de esconder de la mente las dudas que invaden el subconsciente. Viéndose al espejo, la banda se atreve a hacer la pregunta más grande: "¿Caeré o trascenderé?". Creo en Mí afronta así la incertidumbre de su destino. 

A primera vista, "Trofeos" parecerá ser el tipo de disco que interesaría únicamente a los seguidores del punk, pero más allá de lo que la banda pueda o no abarcar con su estilo de música, los sentimientos que plasman en sus canciones son de cierta manera universales. La fuerza del punk se manifiesta justamente en el hecho de poder compartir experiencias y de identificarse con un ideal común, por más heterodoxo que este pueda ser. En el caso de Creo en Mí, su llamado a la no conformidad y crítica hacia el establecimiento fue evidente desde su mismo nombre. Sin embargo, "Trofeos" deja a un lado esa eterna batalla con el exterior (quizá en resignación ante la imposibilidad de ganarla) y se centra en los dilemas individuales e interpersonales que abruman la mente y el corazón. Un clima de rendición puede al menos sentirse en la silenciosa desesperación de "Cenizas", mientras que "Sudas Odio" saca sin tapujos la verdad en la cara de los enemigos, no con malicia sino con honestidad, producto de una recién descubierta madurez. En "Lento", la conclusión a "Trofeos y Logros", se vislumbra finalmente la sensibilidad de Creo en Mí por aquello que nos recuerda la verdadera razón para vivir. 

Como todo en esta vida, el tiempo dirá si la música de "Trofeos y Logros" merecerá trascendencia, ya sea por su propio mérito o por haberse convertido en fuente de inspiración para las nuevas generaciones de músicos y bandas de Guatemala, pero ciertamente podemos todos hoy aprender algo de la odisea de Creo en Mí y de muchos otros grupos cuyo deceso fue demasiado prematuro: no demos a nuestras bandas por sentado.

Imox Jazz - Caffeine Effect

Imox Jazz 

Caffeine Effect 
Lanzamiento independiente
2012

Sitio oficial: imoxjazz.com 

( 8.7 ) 

Podré estar equivocado, pero por alguna razón he sentido que el público en general ha acarreado siempre la impresión de que el deleite y entendimiento del jazz está únicamente al alcance de los conocedores y de los músicos. Sea o no el caso, no resulta demasiado difícil comprender el sentimiento, si soy totalmente honesto, de que se percibe algo en lo aparentemente egotístico e intelectual de la ejecución de los instrumentistas de jazz que elude la intuición, relegando la percepción del género a una categoría entre ligeramente entretenido o detestablemente soberbio. Independientemente de la significancia que pueda o no tener el jazz en la mente colectiva, una cosa es segura: lo difuso e inescrutable de esta música permanece sólo hasta el punto en que uno pueda sumergirse en ella. En las palabras de un viejo director de teatro, Herbert Blau, al describir a la audiencia el mejor acercamiento a una pieza de jazz: "A piece to which one must listen to for whatever one may find in it". 

En Guatemala, Imox es uno de los grupos más jóvenes en los círculos del jazz, con más de ocho años de carrera y estrenando su primer lanzamiento oficial "Caffeine Effect" publicado hace unos meses, en noviembre del año pasado. Un esfuerzo colectivo en composición y arreglos, "Caffeine Effect" es una muestra de la imaginación musical y la maestría instrumental de sus integrantes: Victor Arriaza en el piano, Rosse Aguilar en voz y saxofón, Alejandro Alvarez contrabajo y Fernando Martín en la batería. En esta primera entrega, Imox encuentra el balance entre sus elementos, resaltando la propulsión de las interacciones grupales al igual que la individualidad artística de cada músico. 

Los compositores principales del grupo, Arriaza y Alvarez, reúnen ambos una diversidad de influencias, siendo sus estilos muy distintivos pero complementarios entre sí. Alvarez es sobrio y tradicional, pero el más diverso en sus composiciones. Se mantiene apegado a la estilística del jazz de vieja escuela pero introduce "grooves" y melodías de tendencias más modernas. Arriaza es más arrojado a la experimentación y a la extravagancia en su fusión de ritmos y dinámicas, además de demostrar su afinidad por los latinismos en sus composiciones. El contraste es especialmente notable en sus improvisaciones. Alvarez, con un solo de contrabajo metódico pero impredecible, como un ejercicio en aleatoriedad; Arriaza, al piano, más meditativo y misterioso en las notas de su improvisación. Rosse Aguilar tiene una voz entrenada, capaz de entregar sutileza ("Whisper not") y exuberancia ("How insensitive") en sus vocalizaciones. Difícil decir si la prefiero como cantante o saxofonista. En la batería, el experimentado Fernando Martín es preciso y cálido en sus interpretaciones. No hay duda del por qué es uno de los bateristas más reconocidos del país. 

"Caffeine Effect", el tema que da nombre al disco pone las cosas en movimiento con un riffeo entre contrabajo y batería que da lugar a la seductora melodía de piano y saxofón, para luego desarmarse en la calamitosa parte media y retomar el tema principal en la parte final. "Piel Clara", la primera pieza de Alvarez, muy al estilo de Weather Report (en su modalidad más relajada), muestra al contrabajista emulando un poco el sonido eléctrico y melodioso de Jaco Pastorius. Las reinterpretaciones de "Whisper not" (Benny Golson), "Impressions" (John Coltrane) y "How insensitive" (Antonio Carlos Jobim) se vuelven vehículos para el derroche de improvisación y soleo por parte de los miembros de Imox. Particularmente intensos son los 13 minutos de "Impressions", en una métrica inusual de siete tiempos y un extenso pasaje medio con solos de cada integrante. Continúan dos piezas de Alejandro Alvarez: "Verano Bleu" y "Pensando en ti". La primera recuerda algo del estilo melódico de Duke Ellington, mientras que la balada "Pensando en ti" canaliza en sus notas la melancolía del saudade brasileño. El disco cierra con la segunda pieza de Victor Arriaza "Just a minute", que finaliza "Caffeine Effect" en una nota vivaz y festiva.

The Killer Tomato - Los Días Como Hoy

The Killer Tomato 

Los Días Como Hoy 
Bajo Presión Records/Wawasho Records
2012

Disponible en: bandcamp.com 

( 7.6 ) 

El tercer vértice del triunvirato del ska en Guatemala (a la par de Trinky y Skalda2), The Killer Tomato han sido incondicionales en el impulso del movimiento ska nacional desde su formación, por ahí por el año 2006. La banda lleva recorrido un largo camino, algunos miembros se han quedado a la mitad del trayecto pero afortunadamente, la entrada de nuevos músicos no sólo ha hecho crecer el sonido del grupo sino también ha enriquecido su lenguaje, introduciendo ideas, influencias y estilos que le dan un toque exótico e inusual a la música, algo que se aprecia especialmente en un género tan popularizado como el ska.

Con poco más de seis años de vida, la banda sin duda ha pasado por dificultades y obstáculos, pero no han perdido nada de su ímpetu. Su afán de traspasar fronteras con su música los ha llevado a mantenerse en constante movimiento dentro de la escena y a ir perfeccionando poco a poco su sonido. En este respecto, la evolución del grupo ha sido lenta pero notoria. Ahora, cuatro años después de "Aunque Golpeen Primero", EP del 2008, The Killer Tomato regresa con su primer álbum oficial "Los Días Como Hoy", de 11 temas, que muestra sobre todo la versatilidad del ska para la fusión musical. 

La química que comparten los integrantes del grupo, casi palpable en temas como "Noche de Ska" y "Toda la Vida (Champiñón)", es en gran parte responsable de la calidez y vivacidad de las canciones de "Los Días Como Hoy", después de todo, son los mismos compañeros de banda que han compartido y crecido juntos durante todo este tiempo. Llega un punto en el progreso de una banda en el que los músicos se conocen tan bien entre sí que las ideas dejan de pensarse y empiezan a fluir, los estilos individuales se complementan y convergen hacia un todo. Es en este punto en el que The Killer Tomato se encontraba para la realización de "Los Días Como Hoy".

La música y las letras demuestran esa naturalidad, pero más allá de eso, el grupo consigue darle un nuevo enfoque al ska, su lengua materna, mezclando la distorsión y velocidad del punk con el talante bailable del reggae y el rocksteady. La fuerza de la banda está en su energía colectiva, y esto se manifiesta enteramente en las letras de sus canciones. Ya sean a voz solista o en un coro explosivo, los versos que arrojan no esconden nada detrás de metaforismos, ambigüedades o sarcasmos. Su discurso es de frente, fuerte y directo como un tomatazo a la cara. 

La multicolor "El Túnel del Tiempo" impresiona desde el principio por su inventiva y la riqueza de sus melodías. Fácilmente es la mejor pieza del disco y es de cierta manera desafortunado que llegue tan temprano, porque si bien el resto tiene de sobra momentos interesantes, ningúna otra pieza de "Los Días" llega a igualar a "El Túnel" en creatividad y calidad compositiva. "Confundido" regresa al ska tradicional de la etapa más temprana del grupo, recordando un poco el estilo de "Cotidiano" en "Aunque Golpeen Primero". "El Viaje", también anteriormente en el EP, reaparece actualizada en "Los Días" con un sonido más agresivo pero siempre controlado. Tan numerosa como es la instrumentación del grupo (voz, bajo, batería, dos guitarras, trombón, saxofón y misceláneos), uno esperaría nada menos que un caos imperante, pero en realidad, The Killer Tomato funciona como un ensamble muy afinado en su orquestación, dejando suficiente espacio para las intervenciones de cada integrante, la interacción instrumental y la improvisación. 

En poco menos de 40 minutos, "Los Días Como Hoy" hace un repaso de la toda la música y las ideas concebidas por el grupo en cuatro años. Que no les extrañe entonces la diversidad de temas y ambientes entre los que se mueven las canciones, como en la nostálgica "Naranja Lázaro" por ejemplo, o en los tintes de western rock en "Patiño", incluso en las notas de surf-blues en "Dino Spumoni". La constante búsqueda de posibilidades en su sonido es la principal fortaleza de The Killer Tomato y aún con todas las responsabilidades y presiones externas que conlleva ser un músico joven, no han desistido en su deseo de alcanzar el reconocimiento del público, dentro y fuera del país. Todavía hay camino por recorrer, pero si algo tiene esta banda es perseverancia. De ahí que sean tan adecuadas las letras al final de "Toda la Vida": "Que lo que opinen nunca cambie lo que sueñes/Que lo que sueñes nunca cambie ni se pierda!".

These City Lights - Fall, It Came Upon Us

These City Lights 

Fall, It Came Upon Us 
Bajo Presión Records
2012

Disponible en: bandcamp.com 

( 7.4 ) 

Los artistas de folk son bastante peculiares. Sospecho que hay pocas cosas que generen en una persona un mayor estado de introspección y ensimismamiento que el estar a solas, sentados con una guitarra acústica, rasgando sin ganas un par de acordes y lanzándose a cantar la primera melodía que les inspire el momento. Algo tendrá el hacer música con uno mismo que de alguna manera lo lleva a aislarse mentalmente del exterior y encontrar inspiración en las experiencias personales y en las memorias del pasado. La música pareciera haber salido a la luz después de un largo retiro en las afueras, en medio de la quietud de paisajes bucólicos, distanciados del mundo y de las personas. En el caso del dúo These City Lights, todos estos elementos relucen en las canciones de su primer EP "Fall, It Came Upon Us", las cuales combinan el brillo del pop moderno con las sensibilidades del folk tradicional, resultando en creaciones penetrantes, de aparente sencillez pero cargadas de sentimiento. 

El guitarrista Seth Purcell y la cantante Cynthia Fión son las mentes detrás de la música de These City Lights, Purcell encargándose de la musicalización y los instrumentos, Fión en las líricas y la melodía, pero en realidad, ambos trabajan como uno solo; prueba de ello es el notable equilibrio en el protagonismo que ejerce cada uno en las piezas del EP. Incluso en las canciones esencialmente de guitarra y voz, la música no se siente nunca vacía o carente de elementos, no tanto por el relleno de capas de acordes sino por la atención en el detalle y cuidado de los arreglos. 

Los temas de "Fall" mantienen una cercana relación en su ambiente musical, rara vez despegándose del estilo balada trágico-romántica que impregna la mayor parte del disco. Digo de romance trágico porque si bien hay breves momentos de candor e intimidad, el resto sugiere un clima de ruptura y desamor, terminando a veces con esperanza en el horizonte y a veces con la tristeza de lo inevitable, pero es un recordatorio de que aún si la remembranza del dolor nunca desaparece del todo, nuestra determinación de no sucumbir frente al sufrimiento es la única vía para la superación. Así es el sentimentalismo de These City Lights: dulce y amargo al mismo tiempo. 

La voz cristalina de Cynthia Fión es sin duda el mayor atractivo en la música de These City Lights. No es sólo el afecto y la gentileza que imparte a sus líneas, es más su poetismo y su don para la melodía que, sumados a la naturaleza profundamente personal de las letras, hacen el escuchar las canciones de "Fall" una experiencia a la vez serena y emocionante. Los suaves versos de la arrulladora "Near Luna" sirven de preámbulo para las atmósferas más oscuras y turbulentas de canciones como "I Had a Home", "Eyes Wide Open" y "Crash & Burn", en las que el ambiente se torna pálido, casi depresivo. "Head Out Last" sigue en la misma dirección, con tenues acordes de guitarra adornando una elegante armonía vocal en el coro. "Come What May" da un respiro momentáneo en la calidez de un reencuentro amoroso que termina irremediablemente con la amarga despedida que relata la última pieza del EP, "Crash & Burn". "It seems like in the end love was not enough" canta Cynthia al final, como reconociendo en su desesperación que hasta los deseos humanos más puros se ven impedidos ante lo infranqueable de la realidad. Después de todo, la historia de amor de "Fall, It Came Upon Us", como muchas otras antes y después, no tuvo un final feliz.

Madam Funtoo - Cuentos de Ultradunda

Madam Funtoo 

Cuentos de Ultradunda 
Turbomofle Records
2012

Disponible en: bandcamp.com 

( 8.0 ) 

Madam Funtoo presentó en agosto del año pasado su segundo (y último) larga duración "Cuentos de Ultradunda" en un concierto de magna ridiculez y despilfarro visual que marcaría la separación del grupo y su despedida de la escena (aunque no lo anunciaron oficialmente sino hasta hace poco). Por triste que sea su partida, la muerte de Madam no cae en realidad como una sorpresa, después de cinco meses de inactividad y silencio desde de esa singular noche de agosto. Quedará al menos para la memoria la delirante rendición de "Cuentos de Ultradunda" que la banda ofreció para su lanzamiento. Si algo quedó claro, es que Dani, Chiru y Mota estaban determinados en finalizar la historia de Madam Funtoo con toda la magnificencia que merecía, y para los que tuvieron la oportunidad de presenciarlo, se vivió como el ascenso apoteósico de tres músicos abandonados a sus instrumentos y a la merced del destino, culminando finalmente en el ocaso definitivo de una banda de rock en estado terminal, ahogada en su propia esencia. La decadencia en todo su esplendor. 

Si acaso las crudas imágenes mentales que evocó "Chow Tama" no hayan sido suficientes para catalogar a Madam Funtoo como no apta para menores, el contenido de "Cuentos de Ultradunda" sobrepasa a su antecesor, llegando incluso a rozar lo polémico, al menos en los ojos de una sociedad tan conservadora como la nuestra. Fieles al género del stoner rock, Madam hace de esta nueva producción un trabajo semiconceptual que gira en torno al estupefaciente natural por excelencia: la marihuana (una "oda al cannabis" como le llaman ellos). Sin embargo, más que un vehículo para glorificar el consumo de cannabinoides, "Cuentos" es bajo la superficie una narración de las consecuencias sociales que se viven a causa de la debilidad humana: el ocio, la avaricia, el odio, la adicción. Siempre ha existido esa dualidad casi contradictoria en la filosofía de Madam, algo que se mantiene vigente en la temática y en las letras de estas canciones. 

La grabación de "Cuentos" se hizo con la banda completa, a diferencia del método usual de grabar cada instrumento por separado, y dista bastante del sonido lleno y transparente de "Chow Tama". Los extensos pasajes instrumentales al final de "Recolección" y "Fumazón" se benefician particularmente del cambio de sonido, quizá no tan balanceado como el de su antecesor, pero que muestra la faceta más real y auténtica de Madam Funtoo. La disonancia imperante en piezas como "Ignición", "Combustión" (reconocidas de su repertorio en vivo) y "Producción" (con Mau de Remolacha Beets en la voz) se completa con las estrepitosas líneas de bajo de Mota y el canto grave y siniestro de Dani Utrera. "Fumazón", la sexta pieza y la más larga del disco, es probablemente el logro cúspide de la banda y la más representativa de su sonido. Un acorde de bajo saturado marcando la base, el ritmo lento de la batería y el venenoso riff de guitarra se combinan para crear un ambiente tóxico, inescapable, que evoca perfectamente el momento de perdición bajo los efectos del THC. Los sentidos se adormecen, la mente se nubla, y con el último respiro de consciencia desvaneciéndose, no queda más que rendirse ante las extrañas visiones quiméricas que asaltan nuestros ojos, producto de nuestra alterada y somnolienta imaginación. 

Si esto es lo último que se oirá de Madam Funtoo, es un testamento apropiado. Desde el inicio, Madam fue una banda que hizo total caso omiso de las reglas, no por superfluos impulsos de rebeldía juvenil sino por querer sacar al público de su zona de confort y hacerles ver las cosas desde un punto de vista diferente. Si no por su música, al menos por esto serán recordados. Eso, o a lo mejor sólo disfrutaban mucho tocar música estridente y cantar letras extrañas mientras vestían de falda en el escenario.

World Bridges On Fire - Soul Megaphone

World Bridges On Fire 

Soul Megaphone EP 
Lanzamiento independiente
2012

Disponible en: soundcloud.com 

( 6.0 ) 

El proyecto World Bridges On Fire del compositor/multiinstrumentista Oscar Arévalo y su primera producción, el EP "Soul Megaphone" publicado el año pasado, merecen de entrada algo de premeditación y cuidado. Cabe reconocer que el singular temple de la música de World Bridges puede incitar de sobremanera a emitir un juicio brusco y terminante sobre ella, pero el hecho es que el absorber enteramente la propuesta de este músico demanda del escucha algo más que tiempo y disposición. Empezando por lo poco ortodoxo de ser esencialmente una banda de un miembro (al menos así lo sostiene en sus presentaciones), es claro que World Bridges tiene más de unas cuantas limitaciones, en lo que a tocar en vivo se refiere. Arévalo es en realidad un artista de estudio. Podría pensarse en él como el equivalente moderno del hombre orquesta si no fuera porque "Soul Megaphone" es ejecutado casi en su totalidad por una computadora. Es un ejemplo de lo que ocurre cuando un compositor no cuenta con intérpretes para su obra. Afortunadamente para nosotros (y para World Bridges), las herramientas tecnológicas de nuestra era nos permiten escuchar, por lo menos en aproximación, lo que realmente suena dentro de la cabeza del compositor Oscar Arévalo. 

Las seis piezas que conforman el EP se desarrollan en una atmósfera común: lúgubre, gris y pesada. Es como si cada una ofreciera una visión distinta de un imaginario paisaje post apocalíptico, frío y oscuro. Desde la ominosa introducción de piano en "Winter Comes True" hasta los delicados acordes de cello en "Winter Sun Over a Frozen Dying Heart", el ambiente que predomina en "Soul Megaphone" es uno de melancolía y desolación. El hilo conceptual que amarran sus temas le da un sentido de continuidad, tanto así que bien podría verse como una gran pieza de 22 minutos. Los compases lentos y el sonido cargado de cuerdas en escala menor le dan un particular aire gótico/neoclásico a la música de World Bridges, una tendencia que continúa presente en temas más recientes como "Blue Roses Gray Wolves" y "Amanda". 

La orquestación de Arévalo para las piezas de "Soul Megaphone" es convencional y poco ambiciosa. Su paleta de sonidos se limita a cellos, piano y percusión, lo cual se adapta suficientemente bien a su estilo, pero deja mucho que desear en cuanto a la explotación de colores tímbricos que ofrece la instrumentación sinfónica, aún si la artificialidad de los sonidos utilizados por Arévalo se queden cortos en calidad acústica y realismo. Su concepción musical es seria, no discorde a la naturaleza despótica de su obra, pero de ningún modo llamaría a su música "difícil" o "impenetrable". Lo cierto es que no se ven muy seguido compositores de este tipo en nuestro ámbito musical. Escuchando a World Bridges en vivo, uno puede llegar a sentirse distanciado ante lo que oye; es música de carácter tan personal que difícilmente logra despertar sentimientos de empatía hacia su creador. Ciertamente hay algo de fatalista en la visión de Arévalo, y puede hacerse esperar lo suficiente antes de presentar una resolución a su conflicto. Si hay algo que necesitarán para entender este disco es paciencia. 

World Bridges On Fire podrá no poseer el movimiento y ebullición de una banda de rock, pero se justifica en que sus ideas son simplemente demasiado serias para el rock. La música de "Soul Megaphone" puede resultar fascinantemente bella o insoportablemente tediosa, uno lo decidirá. Como artista, Arévalo no parece esperar aprobación o condescendencia hacia su creación; más bien su energía está concentrada en una cosa: comunicar emoción y sentimiento hacia la superficie, con la esperanza de que alguien que pasa se detenga por un momento y escuche con atención la incesante banda sonora que escupe el megáfono de un alma en llamas.