Dina Ramírez - Conde Daniel

Dina Ramírez 

Conde Daniel  
Lanzamiento independiente
2018

Disponible en: YouTube

( 8.2 )

Vean, no soy experto en jazz ni musicólogo especializado ni nada por el estilo, pero sé lo que me gusta. Eso básicamente resume mis credenciales en este trabajo; el grado al que reconozco, evalúo y califico el nivel artístico contenido en un álbum de música proviene directamente de la interpretación y apreciación que obtengo del lente subjetivo con el que he sido condicionado a través de años de exposición al arte musical, vivencias, conversaciones, etcétera. El valor de una opinión es meramente imaginario, independientemente de dónde provenga. Habiendo dicho eso procederé ahora a declarar que me gusta este disco, y si me faltara la poca voluntad que tengo para sentarme y teclear palabras a un editor de texto, me atrevería a dejar hasta ahí esta reseña, pero no, mi ética personal y profesional me exige hacer lo intelectualmente responsable y por ello he de compartir con ustedes mis argumentos sobre por qué necesitan el debut de la saxofonista Dina Ramírez, Conde Daniel, en sus vidas.

Atrás quedaron los ligeros y alegres sonidos reggae-pop de De La Rut. Hoy, con saxofón en mano y su primer disco bajo el brazo, Dina se reinventa completamente como artista y ejecutante y se presenta ahora como solista y compositora, sumergiéndose por completo en el género del jazz y trayendo consigo un sonido único influenciado por grandes como John Coltrane y Wayne Shorter pero con ideas inspiradas en el jazz moderno de artistas como Christian Scott y BadBadNotGood. Conde Daniel marca un momento definitivo en la carrera de Dina, quien había venido desarrollando los temas que conforman el disco por bastante tiempo y a los que finalmente logró dar vida junto a sus músicos colaboradores: Victor Arriaza al piano, Laura Pellecer en contrabajo, Cristóbal Pinto en guitarra eléctrica y David Batz en la batería.

Aquí va una serie de palabras con D que también describen el disco: denso, delirante, disonante (en buen sentido), determinado y directo al hueso. Las piezas de Conde Daniel son en su mayoría bastante temáticas y cortas, como miniaturas musicales que abren solo una ventana temporal a lo que suena dentro de la mente de nuestra compositora, pero la duración es lo de menos, las ideas de Dina Dinamita son abundantes y vienen empacadas densamente en cada tema del disco. Es refrescante escuchar composiciones de jazz que no son puramente vehículos para extensos solos de cada instrumento. Las piezas funcionan como un foco de luz para resaltar y enriquecer los temas melódicos del saxofón, donde se concentra la esencia de cada canción. Los solos no escasean tampoco, y las progresiones armónicas de Dina son tierra fértil para cualquier solista, pero su papel no es protagónico, vienen a ser un elemento más bien complementario a la melodía.

Distante, Drops y Duba son las grandes ganadoras en mi opinión, excelentemente planeadas y proporcionadas en cada dimensión, ejecutadas con ímpetu y gracia por todos los instrumentistas. Mención honorífica a Dólar también por ambiciosa. El tracklist viene salpicado de pequeños interludios que dan un sentido conceptual al disco, reflexiones poéticas, sonidos de la ciudad, conversaciones mundanas y reveladoras al mismo tiempo, estampas sonoras del lugar y la época que nos tocó vivir, breves segundos de nuestra existencia que transcurren en medio de la calma y el caos. En la nada también se puede encontrar belleza.

Si después de leer todo esto no sienten en su interior ni el más vago impulso por querer escuchar y disfrutar este disco, pues es posible que mis dotes de persuasión simplemente no estén a la altura, pero en caso contrario, quiero creer que mis esfuerzos fueron al menos parcialmente exitosos y no del todo en vano. Recomendado incluso para los no oyentes del jazz, un disco sólido e imaginativo y un prometedor punto de partida para la carrera de Dina Ramírez.

Cristobal Pinto - Déjà Vu

Cristobal Pinto

Déjà Vu
Lanzamiento independiente
2017

Disponible en: Deezer 

( 7.0 )

Hacer jazz en Guatemala requiere de un particular espíritu temerario y una convicción artística que bordea en lo irracional. Afrontémoslo, el jazz en el imaginario colectivo chapín se reduce en el mejor de los casos a esa musiquita de trompeta que ponen de fondo en restaurantes caros para amenizar tu plato de fideos con parmesano o quizá sea esa gringada que te obligan a escuchar en el recital del hijo de tu prima para la clausura del semestre en la academia de música en la que estudia xilófono después del colegio ("Ay qué aburrido ¿y no tiene letra la canción?" escuchas atrás tuyo). Un cuadro pesimista sin duda, pero no me malinterpreten, el corazón del jazz palpita vehemente desde hace muchos años en recónditos nichos de las ciudades y pueblos de nuestra querida tierra de maíz y ceniza volcánica. Si uno busca y se adentra lo suficiente en el subterráneo de la comunidad musical de Guate se topará eventualmente con los sonidos inconfundibles del swing en 6/8, acordes politonales de quinta disminuida y escalas descendientes en modo mixolidio provenientes de los instrumentos de esas criaturas mitológicas, los jazzeros guatemaltecos. Aquí el jazz no es un género, esta música se considera una forma de vida y hasta una experiencia trascendental.

Uno de estos personajes, el guitarrista y compositor Cristobal Pinto, se dio a conocer el año pasado con el lanzamiento de su EP debut Déjà Vu, pero Pinto no es nuevo al movimiento de la escena musical, habiendo formado parte por varios años de la banda Yerimkala como guitarrista principal, y ahora, dejando atrás el sonido distorsionado y explosivo del funk rock de su banda anterior, se ha lanzado de lleno a explorar rumbos más personales y ambiciosos, abriéndose al sonido de la guitarra jazz y trayendo al frente su habilidad en el instrumento junto a su Jazz Combo que incluye a Dina Ramirez en saxofón tenor, Antonio Monterroso en bajo eléctrico, Allan Urbizo en piano y Leonel Franco en la batería, y a mi parecer esta ensalada de jazzistas de nueva y vieja escuela da un interesante balance al EP en forma y estilo. Si bien la guitarra está al frente en casi todas las melodías de Déjà Vu, Pinto tiene el cuidado de dar espacio suficiente para compartir el protagonismo con el resto de músicos.

Musicalmente el EP es una especie de retrospectiva, un guiño al viejo estilo de los grandes guitarristas del pasado. Pinto decide apegarse bastante a la tradición y revisita en sus composiciones el sonido clásico y añejado del jazz a la antigua, algo a lo que alude sin duda el título del disco y que es aparente desde sus primeras notas. El enfoque de Pinto en Déjà Vu no esta en explorar nuevos territorios musicales o expandir de alguna manera el lenguaje del jazz, sino más bien en traer de vuelta la estética casi olvidada del bebop de los 40s y 50s, aunque impartiéndole un ligero toque moderno. En ese sentido no podría calificar a Déjà Vu como un disco innovador o aventurado, pero honestamente esto puede incluso ser ventajoso con una audiencia como la de Guatemala, que generalmente no tiene gusto por la experimentación y está más interesada en lo familiar y complaciente.

Hay una agradable mezcla de atmósferas y moods a lo largo del EP: "Dalí" abre con paso ansioso y un tema principal bastante intricado con inusuales modulaciones en sus acordes. El grupo baja la velocidad en "Carmen", la obligatoria balada jazz del disco, conservadora y poco interesante para mi gusto. "Kiko Kiko" continúa en la misma corriente de "Dalí", al parecer Pinto la escribió como una oda a su chucho lo cual ayuda un poco a disfrutarla pero no demasiado. "Tarantela" me encanta por su progresión y por el solo de bajo en crescendo de Antonio Monterroso, al igual que "Beignet", que tiene un dinamismo singular y un toque más tropical. La pieza final le da su nombre al disco y es en definitiva mi favorita, más agresiva y juguetona que las demás, una composición sencilla pero súper efectiva donde la banda completa se luce en ejecución y sentimiento, "Déjà Vu" tiene todos los elementos necesarios y en la exacta proporción para hacerla memorable, un groove infeccioso en la batería, la pegajosa melodía de los vientos y excelentes solos de parte de todos los músicos.

Considerándolo todo, si bien el EP cae del lado de lo tradicional y complaciente, no deja de ser un trabajo bastante sólido para un músico tan joven. Personalmente solo espero que la nostalgia por el pasado no le prive de ver hacia nuevos horizontes en su próxima producción y en su evolución artística.

Adonis Muerto - Rreposo

Adonis Muerto 

Rreposo 
Lanzamiento independiente 
2017 

Disponible en: bandcamp.com 

( 8.0 ) 

OK, no sé ni cuánto tiempo ha pasado desde que publiqué por última vez en esta página pero qué más da, aquí va un nuevo intento del tortuoso ejercicio que es escribir un par de párrafos semicoherentes sobre los nuevos álbumes y epés que publica el gremio musical independiente de Guate, y bueno, alguien tiene que mantener viva la noble profesión de la crítica musical, les guste o no, así que creo oportuno en esta ocasión pasar la escoba y desempolvar este espacio para producir nuevamente un poco de análisis crítico sobre la manifestación artístico-musical del país, muy necesario por cierto en las mentes juveniles de nuestra gloriosa tierra, Coactemalan, bendecida por Hunab Ku, dios rey del corazón maya, gran patriarca quiché, desde su aposento de piedra milenaria, porque hay que reconocer que en medio de todo el caos y la problemática social, con la escoria gubernamental al mando desangrando al país y el sinnúmero de decepcionantes eventos del diario vivir guatemalteco, aquí se sigue produciendo música de la buena, y no lo digo desde ese patriotismo ciego ni positivismo plástico chapín del que muchos compatriotas alardean, no, mi constatación del valor social y cultural del trabajo de estos artistas es sincera y lo he podido comprobar una y otra vez en el contenido de sus propuestas. Va entonces mi pequeña contribución para mantener despierto el interés en el arte y la música nacional, y me complace lograr al menos publicar una reseña este año para los cinco o seis lectores que creo tiene este blog.

¿Recuerdan a Adonis Muerto? Debutaron en el 2014 con su disco Apertura de la boca y fue uno de los lanzamientos más fuertes de ese año con excelentes composiciones, un sonido gigantesco y su trasfondo conceptual de esoterismo y mitología griega bañada en sangre. Pues ahora, tres años después, estos reclusos oscurantistas, poetas de la distorsión, trovadores de musas negras, regresan para ofrecer su segunda producción, el LP Rreposo, en el que la banda continua expandiendo su sonido distintivo black/post metal, adicionando una guitarra a la alineación y explorando nuevos temas en sus líricas. Al igual que en Apertura, el uso de texturas como cuerdas y coros en los sintetizadores prevalece en todas las piezas y junto al estruendo de las guitarras logra una dimensión sonora impresionante, casi orquestal en algunos pasajes. La música de Rreposo avanza lenta y pesada, pero detrás de todo late un ímpetu desenfrenado que empuja todo a su paso, pausando de repente para agudizar el suspenso que culmina con la banda completa en un estallido a todo volumen. Imagino que si en su tiempo Carl Orff hubiera tenido acceso a guitarras distorsionadas y pedales de doble bombo su música no habría distado mucho de esto.

Nuevos oyentes de Adonis podrían fácilmente limitarse a describir su música como un pozo oscuro y tétrico donde moran las almas de los condenados, pero acá no todo es doom and gloom, a decir verdad hay pasajes ligeros con breves momentos de luz y claridad escondidos en algunas piezas. Algo que me agrada mucho de Adonis Muerto es que enfocan gran parte de sus fuerzas composicionales en crear melodía, un aspecto fundamental que en mi opinión muchas bandas de metal y rock pesado han olvidado por completo, hablo especialmente de esos grupos de metal "extremo" cuyo único interés artístico se reduce aparentemente a crear muros de distorsión y disonancia a altos decibeles sin una gota de sustancia. Mientras haya melodía habrá espíritu, y Adonis lo tiene en abundancia.

Las composiciones en Rreposo siguen siendo mayormente obra del guitarrista Nelson Morán (a quién recordarán de Xb'alanke) cuya obsesión con murallas de guitarra eléctrica, reverb y acordes politonales no conoce límites. Adonis viene siendo al final un vehículo más para su visión artística pero cabe señalar que también hubo contribuciones valiosas al LP de parte de otros miembros de la banda, particularmente Esteban Figueroa (teclados) y Hugo Castillo (bajo y voz). En términos composicionales y estilísticos, Rreposo no se aleja mucho de su antecesor y puede verse en muchos sentidos como la secuela lógica, una expansión natural de los temas de Apertura. Ambos discos abarcan más o menos el mismo terreno y se desarrollan sónicamente de manera similar por lo que no se puede hablar aún de una progresión o evolución notable en la música de Adonis Muerto. El grupo opta por mantenerse fiel a sus raíces y logra una colección sólida de temas que seguramente satisfará a viejos y nuevos seguidores.

Mabe Fratti - Careless

Mabe Fratti 

Careless 
Bajo Presión Records 
2016

Disponible en: bandcamp.com 

( 8.6 ) 

Mabe Fratti es una artista de todo terreno. Se le puede escuchar con la misma naturalidad cantando sobre olas de beats y sintetizadores cósmicos en Moz, acompañando el silvestre rock electrónico de Fraaek o improvisando un solo de chelo en medio de una épica de metal progresivo apocalíptico junto a Oricalkos. En Careless, su primer EP como solista, Fratti traza, teje y entrelaza notas, armonías y juegos de melodías vocales en cinco piezas hipnotizantes, de atmósferas etéreas y sutiles beats que apenas logran aterrizar el flote ansioso de la música. Chelista, compositora y cantante, Fratti posee una concepción musical profundamente imaginativa, de sensibilidades clásicas pero dueña de una visión moderna y un estilo más bien minimalista en su paleta de sonidos. Me imagino a Mabe como una hija ficticia de Sting y Enya que obtuvo el oído y la versatilidad musical de él más la voz angelical y el gusto por ambientaciones bucólicas de ella, con la excepción de que resultó más inspirada por el minimalismo indie anglosajón que por un ferviente orgullo celta irlandés.

A lo largo del EP, Mabe relata su tren de pensamiento como desde un sueño, la sutileza de su voz contrastando con la profundidad de expresión en sus letras y melodías. Los versos de Fratti avanzan lento pero con paso firme, caminando la delgada línea entre lo concreto y lo amorfo. Sus historias transcurren entre momentos nebulosos, su voz se percibe distante pero nunca fría o indiferente, como la narradora de hechos largo pasados, recuerdos que ya no causan sinsabor o sufrimiento en la memoria, sino solo dejan lecciones de vida y experiencia.

Los temas de Careless abarcan un espectro amplio de emociones y moods, desde lo optimista ("Door") hasta lo misterioso ("Key"), pasando por lo melancólico e incierto de querer encontrar nuestra causa en la vida ("Síntoma"). Piezas como "Bed" y "Odyssey" enmarcan en sus líricas el sentimiento recurrente de soledad, sobre todo en los momentos decisivos de la vida, cuando debemos enfrentarnos a nuestras circunstancias y elegir qué camino nos corresponde, a qué ideal aferrarse, a quien conservar a nuestro lado y a quién dejar ir. La decisión representada en las palabras de Fratti queda en manos de cada uno, entre escapar de la soledad o abrazarla por completo, no con el propósito de aislarse del mundo o recluirse de los aconteceres de la vida, sino buscando ser siempre dueños de nosotros mismos.

Tratar de etiquetar a Mabe resulta contraproducente en realidad, a pesar de que su estilo asimila el sonido de otros géneros y podría clasificarse en alguna categoría. Ella más bien parece ir en busca de un lenguaje musical más universal, lejos de pretensiones estilísticas y más cerca del corazón, de la emoción pura. Como compositora, Fratti conoce a fondo sus recursos y sabe sacar lo mejor de cada instrumento para lograr el efecto deseado. Los arreglos de pads, beats y sintes junto con un inteligente uso de los recursos del chelo y esa característica ingravidez que impregna cada nota hacen de cada canción en Careless un momento memorable de música que pide ser escuchado una y otra vez. 

Humus Fuga - Laniakea

Humus Fuga 

Laniakea 
Lobo Negro Records 
2016 

Disponible en: bandcamp.com 

( 9.2 )

El rock instrumental tiene un lugar bastante cementado ya en la escena local. No es raro en esta ciudad toparse con bandas de músicos empedernidos, ávidos en demostrar sus habilidades musicales y descargar sus emociones a través de la composición de riffs y melodías, a diferencia de relegar a la voz la tarea de aportar el elemento prosaico/poético e impartir de alguna manera el significado y las intenciones detrás del carácter de la música. No digo que la voz sea un instrumento de menor importancia, pero considerando que la gran mayoría de música popular insiste en sostener el foco de atención fijado en la figura del cantante, ídolo de masas, protagonista y líder en la agrupación, es sano y refrescante voltear la mirada y encontrar a grupos como Humus Fuga, que, a juzgar por la complejidad de la música contenida en Laniakea, su primer trabajo discográfico, sus integrantes parecen conformar tres hemisferios distintos de un mismo cerebro musical.

De la misma manera que ni letras ni liricismos ni rimas podrían acentuar más el ingenio y la agudeza de las piezas de este trio, también siento que las palabras que quisiera escribir para describir el tremendo viaje que es Laniakea y hacerle justicia se quedan cortas. Haré al menos un vago intento de esbozar mis impresiones de los siete temas del LP y el efecto final que logran en conjunto; si bien composiciones de este calibre requieren sin duda de un análisis más profundo y riguroso, serán suficientes para mis propósitos estos breves párrafos para ofrecer, cuando menos, un acercamiento introductorio al desmadre auditivo que es la música de Humus Fuga. La recomendación para los lectores es, como siempre, escuchar con sus propios oídos.

Si hablamos de influencias, los primeros referentes que vienen a la mente al escuchar Laniakea son The Mars Volta (Omar R-L específicamente) y Rush en su etapa más experimental (me es inevitable recordar "La Villa Strangiato" al escuchar la cuasi-suite "La Rapsodia de Maxwell"), de hecho la motivación fundamental que parece estar presente en todas las piezas del disco es justamente lo que Rush llamaba "un ejercicio en la auto indulgencia".

Entrando en materia, el grupo abre con "Manipulador de fuego", una pieza de vibras siniestras conducida por arpegios de guitarra que sirve de preámbulo para la pieza más larga del disco "La Rapsodia de Maxwell", una pieza interesantísima de tiempos complejos, giros y sobresaltos que desde los primeros segundos hace añicos el estado de trance alcanzado en "Manipulador" y que hay que escuchar repetidas veces para apreciarse por completo. 

El gran mérito de la banda es que saben utilizar los recursos de tensión y relajación en los momentos indicados, lo que mantiene cada minuto de música ameno e interesante. Melodías, riffs y temas memorables abundan en cada pieza, eso sin mencionar el brillante desempeño de los tres músicos y la precisión matemática con la que juegan e interactúan entre sí.

"Fosfenos" mantiene la misma potencia que "Rapsodia", y con el vaivén de notas que ejecuta César Roulet a lo largo de esta pieza bien podría servirle a los aprendices como estudio de escalas para guitarra. "Neblina" baja un poco las revoluciones y se desarrolla en una atmósfera más oscura y pausada, pero nunca retraída. Piezas como ésta le dan un balance necesario al disco, dejando que la música respire en ciertos pasajes. "Dadastrucción" retoma la intensidad con un pesado riff descendiente remarcado por rápidos fills de batería que luego da lugar a un extendido duelo de solos de guitarra; otro punto alto en el disco. La astral progresión de acordes en "Petricor" junto con las melodías de guitarra deslizada hacen de esta pieza mi favorita del disco. La música logra pintar un paisaje etéreo y natural que resuena con el título de la canción y trae a la mente el murmullo de gotas de lluvia que refrescan la tierra a nuestros pies. El grupo cierra con "Funky Rocks", basada en un pegajoso riff de bajo y un tema arrollador en la guitarra que se transforma al final en un infeccioso jam y le da una dramática conclusión al disco.

Definitivamente un triunfo, no solo por la calidad de la interpretación sino por la singular lucidez compositiva presente en cada pieza de música, en los arreglos y detalles que conjuntamente elevan a este grupo a un nivel superior.

Oricalkos - Aniemígenal

Oricalkos 

Aniemígenal 
Lobo Negro Records 
2016 

Disponible en: bandcamp.com 

( 7.4 )

Presentado oficialmente a finales del mes pasado, el Aniemígenal de Oricalkos tomó por sorpresa a los seguidores del metal progresivo en la escena local. El disco debut de la banda capitalina había generado bastante expectativa gracias a sus apariciones en conciertos con Viernes Verde y junto a otras bandas independientes como Atrios y Yerimkala en los bares y escenarios del centro de la ciudad. El arduo proceso de grabación y producción de algunos de los temas que componen el LP también fue documentado por la banda. Estos pequeños vistazos a las largas sesiones dentro del estudio capturan el impulso, la determinación y la energía que caracteriza a Oricalkos en su productividad musical y en la ejecución de su arte.

Voy a ser honesto. Desde ya diré que no me gusta la portada del disco, no porque no me guste el trabajo de fotografía ni las modelos desnudas. Es la sangre. A pesar de que estoy casi seguro que es sirope de fresa, me enferma ver líquidos viscosos de color rojo, especialmente cuando se encuentran cubriendo el torso completo de una persona. Es la razón por la que no pude llegar a ser asistente de cardiocirujía, a pesar de los insistentes deseos de mi madre. Si tuviera que adivinar, diría que la escena representa a una salvaje virgen primitiva que acaba de destazar a una res joven para luego recolectar su sangre caliente en un recipiente ceremonial y finalmente derramarla sobre su cuerpo desnudo, en símbolo de purificación y vitalidad como parte de un ritual de caníbales en las partes más negras de la selva amazónica. Nada grita VIVA EL ROCK DURO como la desnudez femenina y humeantes chorros de sangre de bovino recién sacrificado. Por cierto, ¿la estampa del "Parental Advisory"? ¿De verdad? ¿Un artista independiente auto-censurando su propio trabajo? Ahh la ironía. Frank Zappa debe estar dando vueltas en su tumba.

Pero suficiente de estética y zoocidio, hablemos de la tortita de carne en este choripan musical. El lenguaje de Oricalkos es un estrepitoso rock experimental con tintes de psicodelia, melodías oscuras y alguna que otra influencia de percusión tribal, salpicado de vez en cuando con letras misantrópicas y referencias de mineralogía. Nada que no hayamos escuchado antes, pero lo interesante de Oricalkos es la forma en que estructuran y arreglan sus composiciones. Los cinco extensos e intricados temas de Aniemígenal totalizan casi 50 minutos, es decir que cada uno dura en promedio alrededor de 10 minutos, y eso sin contar que cada pieza transiciona a la siguiente sin siquiera un respiro, lo que deja poco lugar para recuperarte de lo que acabas de escuchar. Aniemígenal es una bestia que debe digerirse como un todo, intentando asimilar de principio a fin la secuencia de pesados riffs de guitarra, breaks de sintetizador, rápidos fills de batería y cadencias de bajo que asaltan a los oídos y te absorben hasta la última gota de atención. Mi única queja es que algunas piezas ("Humano", por ejemplo) se sienten innecesariamente largas. Las distintas secciones que las componen no parecen seguir un hilo en común, sino que dan la impresión de ser piezas independientes unidas entre sí, por lo que está ausente el efecto de cohesión real entre los temas, el cual pudo haber justificado la larga duración de las piezas. A veces menos es más.

"Colisión" es la más balanceada de todas y mi favorita de las cinco. La influencia de Pink Floyd es casi palpable en los pasajes iniciales, mientras que en la parte media toma la batuta la guitarra para traer al frente los sonidos de metal progresivo, apoyada por una firme base rítmica en la batería y el bajo. Ésta primera instrumental se mantiene fresca e interesante a lo largo de sus 9+ minutos. "Calcopirita" y "Antimateria", las otras dos instrumentales del disco, ofrecen pasajes de gran dinamismo y vueltas inesperadas, la primera incluyendo un interludio percusivo al estilo de aborígenes australianos, mientras que la segunda pinta un paisaje más ancho y celestial, como contemplando el tenue resplandor de estrellas inalcanzables al otro lado del vacío cósmico. "Pandemia", mi segunda preferida y la más larga del disco con más de 11 minutos de duración, es una composición compleja con letras de desesperación y rebelión anti-sistema. Un melancólico solo de cello en la parte media evoca el sentimiento de añoranza por escapar de las trampas de conformismo e ignorancia que infectan a los corazones humanos, volviéndolos autómatas inconscientes al servicio de un régimen de esclavitud corrupto e insostenible.

Con toda su crudeza y magnas proporciones, Aniemígenal representa un esfuerzo digno de reconocimiento y un prometedor comienzo para el cuarteto.

Miss Lilith - La muerte también muere

Miss Lilith 

La muerte también muere 
Lanzamiento independiente
2014

Disponible en: bandcamp.com 

( 7.3 ) 

Debí haber escuchado a Miss Lilith por primera vez tocando en alguno de los bares que frecuentaban en la ciudad, a sugerencia de un amigo. Corría el año 2010. No hace mucho la banda dejó por un tiempo los escenarios, y por momentos llegué a dudar de que sonarían de nuevo; un temor fundado sobre todo en ciertos acontecimientos que precedieron un apagón en los focos musicales de la ciudad: el cierre del Bad Attitude, las restricciones cada vez mayores de las autoridades capitalinas al desasosiego musical urbano y el sentimiento de ausencia latente que dejó la desaparición de algunas de las bandas emblema de la escena. El vacío se sintió hondo, más pesado que de costumbre. En semejantes condiciones, no cabe duda que solo la determinación y el deseo de reencender la llama de fuego y sonido en las calles de la ciudad es lo que ha llevado a las integrantes de Miss Lilith a pisar el escenario nuevamente, con EP bajo el brazo y un rock más amplio, no sin provocar además la inevitable admiración hedonista de la mayoría de sus seguidores.

Sea como fuere, el primer lanzamiento oficial de las Liliths llegó, y la primera pregunta que asalta la mente es ¿por qué diablos tardó tanto? Después de todo, la banda ha sido parte de los círculos musicales del rock en el país casi desde sus inicios, entre los años 2008 y 2009. El repertorio de la banda se comprendía de diversas composiciones y piezas sueltas, algunas grabadas y publicadas como sencillos, pero ninguna colección oficial de música había sido lanzada por Miss Lilith, hasta ahora. Años de fogueo en bares y escenarios, conciertos dentro y fuera del país, ensayos y mucha experimentación han llevado por fin a la conclusión del EP, cuyas 5 canciones representan en resumen las vivencias, luchas y sueños de una agrupación en busca de probarse a sí misma qué tan lejos puede llegar, y quizá convencer finalmente al colectivo y al público en general que en términos del Arte, y especialmente la Música, la humanidad aún desconoce la mitad de lo que es capaz de concebir.

La voz de Leny García trae un primer cambio al sonido de la banda, que permanecía esencialmente instrumental (exceptuando un breve período con la vocalista Reneé Celada unos años atrás) en la composición y arreglo de la música. Sorprende un poco el hecho de que la bajista no haya tomado inicialmente las posición de vocalista en la banda considerando la presencia y rango que demuestra en "To evolve" y "Be my salvation". Parece estar buscando todavía una mayor comodidad y confianza en su voz, pero su actuación frente al micrófono en estas dos piezas ya es un indicio del poder que posee. Sus riffs de bajo al menos, siguen tan sólidos como siempre. 

El estilo de las Liliths se mantiene enraizado en los juegos y vueltas, casi en contrapunto, entre guitarra y bajo, anclados firmemente en los ritmos de la batería, siempre cambiantes y dinámicos. A veces disonante, rara vez sutil, áspero e inquieto, así es el sonido de Miss Lilith, al menos en su ambiente instrumental. A la hora de escribir canciones, el juego cambia. El trio opta por un acercamiento menos arriesgado, no menos agresivo, pero dejando de lado los intercambios instrumentales del progresivo y del jazz característicos de sus composiciones, en contraste muy presentes en el resto del EP, y hace lugar a un rock más directo, menos impetuoso. Causa la impresión de que hay en realidad dos Miss Liliths en oposición, una atrevida e inquieta, la otra reflexiva y melancólica.

No obstante, la inspiración raíz de Leny, Laura y Carlota se deja entrever en cada pasaje de "La muerte también muere". La estructura de las piezas vocales le dan un balance inesperado al EP, actuando de contrapeso para "Nel", "14", "Sí" y el bonus track "Oxímoron", de espíritu más libre e improvisado. En cuestiones de poder artístico y novedad musical, solo queda esperar que Miss Lilith continúe aportando como lo ha hecho con esta primera producción. 

Cartas a Felice - Parque Infantil

Cartas a Felice

Parque Infantil
Bajo Presión Records
2013

Disponible en: bandcamp.com 

( 7.6 )

Para alguien que aún no ha conocido de cerca las aparentes contradicciones que esconde entre las mangas la música de Cartas a Felice, "Parque infantil" podría dar inicialmente una expectación un tanto desviada de su verdadero contenido. En efecto, el primer EP del combo folk/blues/swing sansalvadoreño destruye desde sus primeras notas toda impresión de sencillez e inocencia que, en la superficie, podría sugerir su colorida portada. En realidad, no es una peculiaridad nada nueva en las obras de Cartas a Felice. Ya anteriormente, el aire triste y lóbrego de "Despiértame" (publicado junto al sencillo "Barato") abría en una inesperada oscuridad ese primer lanzamiento. Es de cierta manera esa habilidad camaleónica de la banda lo que invita a retar la incertidumbre y ver detrás de las apariencias para descubrir el verdadero color de Cartas a Felice, el cual podría o no acabar traicionando toda noción de certeza y familiaridad ante lo que se encontrará a continuación.

De entrada, los tonos brillantes y soleados que augura la carátula de "Parque infantil" se convierten en sombras y melancolía en "Aurora", un sueño atormentado del vocalista José González hecho lírica y melodía en el mundo consciente. Los siete minutos de esta pieza, la más extensa de Cartas hasta ahora, avanzan entre desolación y amargura. Al final, las palabras de González (a dueto con Gabriela Rivera) se aferran con el último aliento a la esperanza de encontrar en una presencia etérea el sentido y la razón de existir. Nuevamente, una extraña elección para iniciar el EP, pero afortunadamente la sensación de contradicción no dura demasiado. Los temas sucesivos "Ruina", "Volcán" y "Kitsch en C" dan un giro a la dirección hasta ahora confusa de "Parque infantil", encaminándolo hacia senderos más iluminados.

El susurro sigiloso en "Ruina" va de la mano con los acordes apagados de blues que sirven de trasfondo para revelar un mensaje no menos siniestro: "Es querer vivir para verte caer / Es querer vivir para edificar tu ruina". Gabriela Rivera toma el micrófono en "Volcán", una melodiosa composición de compenetrados pasajes de jazz swing; junto a "Despiértame", uno de los temas mejor logrados de Cartas a Felice. "Kitsch en C" concluye el EP en el extremo opuesto a "Aurora", con un folk alegre, poético y romántico, en la voz de José González. En "Kitsch" se renuevan la luz y el paisaje, no queda recuerdo ya de los caminos tortuosos ni la bruma espectral de "Aurora". Se dejan atrás las ruinas, las guerras, los sinsabores de la vida y se vuelve a respirar libertad, gozo y comunión.  

Cóctel - Enjoy

Cóctel

Enjoy
Bajo Presión Records
2013

Disponible en: bandcamp.com

( 9.0 )

Se ha ido deslizando sigilosa una realidad dentro de las corrientes de la nueva música, aún no totalmente reconocible, pero cuyos efectos se divisan cercanos y comienzan ya a sentirse: los géneros han empezado a tornarse obsoletos. La vieja e inconsciente idea de clasificación taxonómica dentro de la música ha vuelto el paisaje artístico tan nebuloso que ya pierde sentido la ocurrencia de rebuscadas etiquetas con tal de conservar la ilusoria sensación de seguridad que ofrece el pertenecer a un subgrupo. Del torrente de propuestas que sobreviven en nuestro medio, son pocos los artistas que toman el riesgo de no atar su sonido a designación alguna, cosa que, cual arma de dos filos, puede llevarlos a un camino de brillante distinción o condenarlos inexorablemente a la confusión y al olvido. Tal es el caso de Cóctel, una banda cuyas credenciales no obedecen convenciones de ningún tipo. Si bien las influencias que se disciernen en su música se mantienen en la línea del rock y hip hop indie, la exacta categorización del sonido Cóctel resulta en última instancia, fútil.

A pesar de su relativa temprana edad, la banda ha tenido un ascenso meteórico en la escena local, publicando en lo que va del año dos EPs con el ya reconocido sello discográfico Bajo Presión: "Femme Fatale" y el más reciente "Enjoy". La popularidad y aceptación de Cóctel ha sido notoria, quizá debido a lo único de su lenguaje: agresivo y romántico a veces, rebelde, pero a la vez elegante y sofisticado, la banda combina en su música lo mejor de dos mundos. Sobre el escenario, Cóctel no pierde nada de su esencia y se entregan de lleno al público y a la música. Sin duda, esta es una banda que vale la pena escuchar en vivo. No obstante, Cóctel apenas ha empezado a forjar su camino. Por ahora, su presencia se ha extendido ya a México y Centroamérica.

Si "Femme Fatale" era un abrasivo reclamo al amor fracasado, "Enjoy" es el clamor de anhelo, nostalgia y locura que recuerda los mejores momentos de un romance intenso y apasionado. En este sentido, Cóctel aún se aferra a su principal inspiración para escribir canciones, la cual cobra vida en las líricas del frontman Jesse Baez, vocalista de dotes sorprendentes y uno de los cantantes/raperos más versátiles que se han visto en los últimos años. Sus rimas, avasalladoras en temas como "Faded" y "She don't feel me", las entrega controlando cada frase con gran naturalidad, mientras que su canto más melodioso lo reserva para piezas menos impetuosas como "Last ones dancing" y la sentimental "Can't be true".

La delicada introducción de piano en "Last ones dancing" es ya un primer indicio de madurez en el sonido de Cóctel, más reflexivo y melancólico. Las canciones de "Enjoy" encuentran un inusual punto de equilibrio entre sus elementos, donde banda y voz se complementan de tal forma que, al unísono, ambos son protagonistas de la historia. "She don't feel me", un himno a la desilusión del amor no retribuido, es un tema infinitamente dedicable para muchos de nosotros. "Faded", de tono más agresivo, arremete contra el sentimiento de frustración en la cara del desamor y recuerda un poco de lo que antecedió en "Femme Fatale", especialmente "Matahari". Un Cóctel más minimalista y atmosférico aparece en "Can't be true", prueba de que aún reducidos a sus elementos más esenciales, Cóctel puede crear todavía temas que fascinan por su densidad y colorido. A pesar de ser solo cuatro temas los que incluye el EP, "Enjoy" no deja de ser una muestra suficiente de lo que estos muchachos son capaces de hacer. Las canciones de Cóctel están hechas para cantarse, dedicarse e incluso tal vez, para superar de alguna manera las trabas sentimentales que llueven sobre mojado de vez en cuando en nuestras vidas. Altamente recomendado.

Ishto Juevez - Chapuz Chapin

Ishto Juevez

Chapuz Chapin
Lanzamiento independiente
2013

Disponible en: bandcamp.com 

( 8.1 )

El artista conocido como Ishto Juevez tiene cierta maña para contraponer elementos opuestos en sus canciones, algunas llenas de sombras, oscuridad y añoranzas, mientras que otras aparecen llenas de vida y de humor. Su música relaja, pero su poesía es mordaz. Sus versos mantienen un jugueteo casi tramposo con las palabras, dándole un sentido inesperado a sus frases y poemas. Es la clase de músico que traspasa géneros musicales sin siquiera intentarlo. Los caminos que ha recorrido sin duda han dejado una huella indeleble en su psique musical, y que ahora se traduce en melodías, ritmos y acentos que traspasan países y culturas. Pero a pesar de todo, el Ishto sostiene su bandera en alto, aun después de haber permanecido fuera de estas tierras lo suficiente para conseguir la perspectiva que saca a relucir las peculiaridades de este pueblo, sumido desde siempre entre la incomodidad y el suplicio. 

La producción más reciente de Ishto Juevez, "Chapuz Chapin", podría ser considerada por los simplistas como "música del mundo", sin embargo la fusión presente en los temas de este EP no presentan nunca un entorno delimitado en cuanto al género, temperamento o movimiento de la música. Las cinco piezas de "Chapuz Chapin" se mueven entre ritmos callejeros, bailes y baladas que recuerdan paisajes e idiomas lejanos, pero que cobran una nueva vida al nacionalizarse en las creaciones del Ishto, las cuales no pierden nada en la traducción. Como siempre, el sonido es principalmente acústico, pero permanece una dualidad de urbanidad/folclor en las canciones, sensible sobre todo en los compases de "La bandera" y la pieza titular "Chapuz Chapin".

De voz triste y embriagada, el Ishto arrastra su canto al igual que sus penas. En "Chapuz Chapin", Ishto Juevez hace un llamado hacia el interior de la olla, donde los cangrejos de Chapinlandia se amontonan contra la pared unos contra otros, como peldaños que no conducen hacia ningún lado, con los burros y monos (y el Ishto) haciendo bulla desde arriba. En la serenata "The amantes" comparte el micrófono con Pat'za para relatar juntos los valses de amor y desamor entre las parejas de sentimientos sinceros pero que de vez en cuando caen víctimas de pensamientos suspicaces que traicionan el corazón. 

"La bandera" inicia con un aire de tango que luego se descubre como un triste son cumbianchero dedicado a las lavanderas de la nación. "La bruja en la orilla" es algo completamente distinto; una pseudomarcha marcial que se transforma en susurros espaciales del Ishto que a su vez dan lugar a un interludio instrumental cuasijazz. Aparentemente a Ishto Juevez no le falta su toque de loco. Finalmente, "Amariya", basada en una colorida progresión de guitarra acústica termina el EP en una nota de optimismo. Para Ishto Juevez, la finalidad detrás del ser músico y poeta está en conectar con el mundo a través de una mentalidad colectiva y universal, de estrechar los lazos que nos unen y hacer vibrar en unísono los adentros del cuerpo y el espíritu. Así es la música del Ishto, nada más ni nada menos.

Silent Poetry - Echoes from the World

Silent Poetry

Echoes from the World
Lanzamiento independiente
2012

Sitio oficial: facebook.com 

( 5.6 )

El quinteto de power metal Silent Poetry, una banda bastante reconocida dentro de la escena metalera del país, presentó su segunda entrega "Echoes From the World" en septiembre del 2012, cuatro años después de su debut homónimo. Las sesiones de "Echoes" trajeron consigo cambios en la alineación de la banda, pero siempre contando con el resto de los miembros originales, entre ellos el vocalista Fabián Morales y el guitarrista Carlos Cruz.

Con una nueva visión y una más oscura quizá, la banda toma como inspiración central para "Echoes" el ocaso de la civilización maya, un trasfondo que sirve de alegoría para las letras de las 13 piezas del disco, muchas de ellas explícitas descripciones de guerra, opresión y odio, pero que hacen al mismo tiempo un llamado al despertar de la inconformidad y la rebelión ante los moldes del sistema. La banda usa el inglés aquí casi como lengua materna, pero permanece una sensación extraña durante todo el disco, producto de ese choque cultural entre lo maya y lo anglosajón. Aunque para algunos fans de Silent Poetry no tenga relevancia el significado detrás de las letras, es cuestionable si de verdad la elección del lenguaje es una auténtica necesidad o bien simplemente una convención impuesta por la escena metalera internacional.

Los abundantes riffs de guitarra y dramáticos arreglos de teclado en "Echoes From the World" están claramente inspirados en el sonido ochentero y noventero del metal progresivo, dándole a las composiciones un ligero toque sinfónico, aunque los muchachos de Silent Poetry no se sumergen demasiado en ambiciosas interacciones instrumentales, características de este género. De entrada sorprenden la introducción "Áak'ab" y la primera serie de piezas, especialmente "Defiance" y la balada "Fairytale Over", pero el combustible en la máquina de Silent Poetry parece acabarse rápidamente al avanzar por terrenos similares en las siguientes canciones. No será sino hasta el final, en piezas como "Inside" y "Anguish" que la banda vuelva a cautivar con algo fuera de lo común.

El guitarrista/compositor de la banda, Carlos Cruz, pareciera tener un impulso casi instintivo hacia la composición musical, lanzándose de lleno a la primera idea musical que se le ocurra, sin preocuparse mucho por la sustancia de lo que crea. De esa cuenta no es raro que la música de Silent Poetry esté orientada principalmente hacia la voz de la guitarra. Las composiciones de Cruz ciertamente tienen ímpetu, pero pueden a veces sentirse nada más que como vehículos para sus solos, en los cuales el guitarrista no escatima nada para hacer alarde de sus habilidades.

"Echoes From the World" es no obstante un esfuerzo notable en el género del metal. El grupo sin duda goza de popularidad entre los seguidores del género y muchos han quedado a la espera de lo que será la continuación al viaje de Silent Poetry en la escena nacional. El disco no se salva de cierta crudeza en su producción; sus deficiencias dejan entrever el apego que todavía sienten algunas bandas independientes a la filosofía del "hazlo tú mismo", nada inherentemente malo en ello a excepción del riesgo que se corre en terminar con un producto poco profesional. El juicio de los artistas debe obedecer a su instinto musical, pero nunca debe permitirse olvidar la sensibilidad de la audiencia. Aquí, Silent Poetry ha buscado satisfacer hasta los últimos oídos gustadores de metal. Quizá sea parte de la razón por la que el género aún se mantiene relegado a sus propios círculos, en vez de traspasar fronteras hacia una mayor audiencia y componer música para el mundo, en vez de para una comunidad. Merece una escuchada, tan solo para apreciar el esfuerzo y dedicación de una banda profundamente comprometida con el arte del país.

De la Rut - Música en la piel

De la Rut

Música en la piel
Lanzamiento independiente
2013

Disponible en: soundcloud.com 

( 7.2 )

De la Rut inició actividades artísticas alrededor del año 2008, fruto de la colaboración entre varios músicos amigos, cada uno con distintas influencias que eventualmente reunieron en un mismo concepto musical, pero fue hasta este año que el grupo dio a conocer su primer material, el EP "Música en la piel", de estilo funk pop, aunque introduciéndose también a géneros tan disímiles como el rock, el jazz y la balada. El grupo, sin duda desbordado por el material acumulado en sus cinco años de existencia, ha vertido la mayoría de su trabajo en este primer EP, y aunque el paso del tiempo es notorio en el estilo de algunas de las piezas que lo componen, es claro que estos músicos han procurado presentar el material como una totalidad cohesiva, a diferencia de una colección aleatoria de tonadas de diferentes épocas. Desde el inicio, De la Rut ha sido una banda enfocada en evolucionar, poniendo un constante esfuerzo en el perfeccionamiento de sus piezas y en darse a conocer ante la audiencia y el público en general, tanto en su natal Quetzaltenango como en la ciudad capital.

Liderados por su vocalista y compositor René Herrera, De la Rut ofrece un funk pop sin pretensiones que, si bien no carece de precedentes, se mantiene fresco y efervescente, por un lado gracias a las influencias de jazz y soul presentes en sus temas y por otro a la tensión y dinamismo que introducen de manera inesperada los solos de saxofón y guitarra en la música, dejando atras los paradigmas de la canción pop tradicional y abriendo espacio para un fluir más natural de la melodías.

Las seis piezas del EP, aunque bastante sencillas en estructura, logran abarcar un espectro bastante amplio de moods y atmósferas, desde la dulce ligereza de temas como "Y qué si te digo" y "La canción fresa" hasta un funk rock más enérgico en "Camarada", "No eres mi todo" y la contagiosísima "Detenerme en el tiempo". Los interesantes arreglos instrumentales ponen a las canciones del grupo en un plano distinto, separado de las reglas y formatos (al menos dentro de los dominios del pop), logrando un inusual balance entre lo amigable y lo musicalmente complejo.

Reconforta mucho saber que existen grupos como este, capaces de moverse dentro de la música popular sin caer en la insipidez de lo comercial ni en gastadas fórmulas de complacencia masiva. Las canciones de De la Rut captan la atención hasta la última nota, algo que pocos artistas de pop logran alcanzar. Esperen su primer LP muy pronto.

Banykomio Ajpu - Colibrí EP

Banykomio Ajpu

Colibrí EP
Bajo Presión Records
2013

Disponible en: bandcamp.com 

( 6.8 )

Considerando el estado y las manifestaciones del arte musical que uno encuentra en este país, me atrevería a decir que más música ha salido de las calles de Guatemala que de sus conservatorios y academias. Al igual que los verdes retoños que se ven brotar en las grietas entre los ladrillos y el cemento, así han germinado muchos de nuestros artistas, y así continúan creciendo, en el mismo terreno, haciendo uso de sus medios sin importar las condiciones. Algo así puede verse a Banykomio Ajpu, heredero del arte de los trovadores de antaño; un genuino músico callejero que, con guitarra en mano, se abre paso entre el estrépito de la urbanidad y los impasibles edificios de concreto para traernos una pequeña muestra de su trabajo, su primer EP "Colibrí", una colección de seis piezas en las que confluyen el reggae, la cumbia y el folk gitano en una atmósfera bohemia, llena de color y vitalidad.

Las canciones y melodías en "Colibrí" no podrían ser más simples, no obstante, la música de Banykomio Ajpu no carece en ningún momento de inspiración. Su sencillez proviene de un acercamiento minimalista, tanto en estructura como en instrumentación, dándole un encanto primitivo a la música, que regresa a lo esencial y se escapa del ruido y la banalidad moderna. Con lo poco que introduce a la mezcla, Banykomio logra pintar un paisaje auténtico y puro de su visión artística. Sus letras, sinceras, pero también fruto de una profunda meditación, las canta desde el corazón, con una voz rebelde que alienta versos de poesía cósmica, remembranzas y cantos dedicados a la Madre Tierra, a las deidades del cosmos, a la naturaleza, al amor y a la vida.

Canciones como "Colibrí" y "Paz Ciencia" resguardan un irreprimible deseo de resquebrajar los cimientos de piedra que nos separan de la Tierra e invocan a las fuerzas etéreas que nos conectan en la oscuridad, haciéndonos Uno con los demás. "Toda realidad es especial/lo contrario a mi verdad también es verdad" exclama Banykomio en "Paz Ciencia"; somos entidades distintas, pero compartimos una misma esencia. Lo vital siempre es invisible.

El alegre ritmo de "Como ella no hay ninguna" y las sinceras promesas en "Mejor trabajador" muestran un poco el romanticismo desenfadado de Banykomio, mientras que en la reflexiva "Contra la corriente" queda al descubierto la naturaleza migratoria de este músico, siempre cambiante y en movimiento. Completan la atmósfera del EP los zumbadores silbidos de Banykomio, que evocan las melodías y cantos de los pájaros, detrás del rápido aleteo de un colibrí.

Los Tiros - Tu Pesadilla Regresó, Bienvenido al Infierno

Los Tiros

Tu Pesadilla Regresó, Bienvenido al Infierno 
Bajo Presión Records
2013

Disponible en: bandcamp.com  

( 7.7 )

Tras la inesperada desaparición de Los Mojarras hace ya algún tiempo, un sensible vacío quedó flotando en el ambiente: los escenarios en calma, las pistas de baile cada vez con menos actividad. Se respiraba un extraño aire de decencia en los bares y rincones culturales de la ciudad. Entre tanto orden y propiedad, parecía que las cosas habían regresado a la normalidad. Por supuesto, nuevas conjuntos musicales y artistas siguieron emergiendo, pero aún se esperaba a alguien que trajera finalmente la teatralidad, el humor y la extravagancia de vuelta a la música guatemalteca. Los Tiros, la agrupación más reciente en la tradición temático-conceptual de Bajo Presión Records, pueden verse de cierta manera como la banda secuela a Los Mojarras, aunque quizá sin el temple bailable y excéntrico que caracterizó la música de estos últimos. No obstante, el sonido de Los Tiros trae consigo influencias lejanas del surf mojarrense (no es de extrañar, considerando que la mitad de los miembros estuvo presente anteriormente en Los Mojarras), pero el estilo western surf/punk de estos muchachos es, hasta donde sé, algo nunca antes concebido por estos lugares. Aun así, ambas bandas comparten la misma filosofía en cuanto a la composición y arreglo de sus piezas. De cierta manera, Los Tiros retoman el camino del surf recorrido por Los Mojarras, pero le dan a la música un cambio de dirección, menos pegadiza y más directa y potente. Los Mojarras tenían sabor, Los Tiros tienen garra. 

Casi un año después del EP "Hijos de Puta Malos" (2012), Los Tiros lanzan su primer trabajo de larga duración, el pseudoconceptual "Tu Pesadilla Regresó, Bienvenido al Infierno", prácticamente la banda sonora de un filme del viejo oeste, un disco cargado de adrenalina, explosiones de pólvora y cabalgantes acordes de guitarra que acompañan el nudo y desenlace de la historia de Los Tiros en Gran Morongo. Los casi 30 minutos del LP se reparten entre 12 tonadas de puro punk rock instrumental al estilo western, Alonso en la guitarra principal con trémolos y melodías, y los González trazando la base armónica en guitarra rítmica, bajo y batería (deberían cambiarse el nombre a "Alonso y los González"). Es claro que el espíritu musical de Los Tiros descansa en las raíces del punk, pero lejos de limitarse al combo tradicional de guitarra/bajo/batería, han logrado abrir su sonido e incorporar nuevas texturas a través del uso de instrumentos como el theremín y el órgano, totalmente foráneos a la estética sonora del punk. 

Escuchen "Asalto al tren de Gran Morongo" y las consecutivas "Cantina Pesadilla", "Casino" y "Diente de Oro" para los mejores y más intensos momentos de "Tu Pesadilla Regresó". Piezas como "Fogata en Gran Morongo" y "Mil Tomahawks esperan por mí" bajan la velocidad y permiten un momento de respiro antes de la confrontación final en "Dos mil Tomahawks esperan por mí" y el momento decisivo en "El Beso del Diablo". Otras como la insidiosa "Voy, lo mato y vuelvo" y "Emboscada al amanecer" pasan sin dejan mayor rastro en la memoria, pero el disco, con todos sus giros y vueltas, vale la pena oírlo de principio a fin. 

No sorprende el hecho de que Los Tiros han encontrado ya una cantidad considerable de adeptos y seguidores, tanto en Guatemala como en el resto de Centroamérica, y "Tu Pesadilla Regresó, Bienvenido al Infierno" es solo el primer paso. Música como esta es prueba de que incluso un género tan invariable como el punk puede encontrar nuevas tendencias y posibilidades para explorar. Habrá que esperar y ver hacia dónde conducirá el siguiente paso de Los Tiros, pero por ahora, parece que van en la dirección correcta.

Jonathan Carrion - Invasor Transparente

Jonathan Carrion 

Invasor Transparente 

Lanzamiento independiente

2013

Disponible en: bandcamp.com 

( 7.0 ) 

Jonathan Carrion apareció en la escena como uno de los últimos autores de rock nacional en español, trayendo consigo un repertorio inspirado en la corriente indie actual, pero tomando los sonidos del rock noventero como base y expandiendo sobre ellos. De cierta manera, la filosofía de la corriente alternativa de ese entonces (el arte y la música como escape de la sociedad, de lo habitual y mundano) sigue presente en la música de Carrion, aunque él probablemente ve sus canciones más como frágiles medios de expresión poética que como fuerzas de acción y movimiento social. En efecto, Carrion surca caminos distintos en las letras de sus canciones, concentrándose en temas introspectivos, de desahogo, confesión y tumulto interno.

El viaje de Carrion en "Invasor Transparente", su primer lanzamiento, es uno de separación, ausencia, el "uno contra el mundo", pero también de esperanza, del espíritu de lucha que alimenta nuestro ser. Las piezas escritas por Carrion para "Invasor" se mueven indecisas entre el alt rock y el indie pop, tirando ocasionalmente hacia el terreno del folk. Ciertamente no hay nada de novedoso en su propuesta, pero logra al menos mantener una estética fresca y un sonido moderno en cada una de sus canciones.

Los 41 minutos de "Invasor Transparente" demandan algo de paciencia (pudo haberse beneficiado de cierta edición), pero el disfrute de este disco se acentúa con el tiempo. La aparente similitud entre las 10 piezas que lo conforman crea una atmósfera de familiaridad, no en el sentido de ser predecible sino de su concepción como un trabajo completo, dando como resultado un disco armonioso y consistente. Quizás a causa de lo anterior es que ninguna pieza de "Invasor" destaque especialmente del resto, aunque podría señalar la lenta balada "Soledad" y la melodiosa "Cuantas formas" como los mejores esfuerzos de Carrion en este disco. Su aproximación al escribir canciones es simple, casi formulista en los versos y acordes. Su estilo recuerda bastante a bandas como Razones de Cambio (Juan Aguirre es coproductor en "Invasor" de hecho). Carrion es un cantautor nato, conoce bien las reglas de su arte y las sigue de cerca, pero en el proceso se restringe la oportunidad de crear algo realmente innovador y desafiante.

Como debut, "Invasor Transparente" es un trabajo sólido, la banda no pierde un solo beat y la producción es impecable. Los mensajes de Jonathan Carrion abarcan sentimientos que todo ser humano experimenta tarde o temprano en la vida, y es por ello que estas canciones pueden resonar en la mente y en el corazón de todos.